O diario de um Estripador

Sexplotation, Ed Wood e A Orgia da Morte

2012-01-31T01:20:00.001-02:00

Ed Wood foi e sempre será conhecido como um dos piores diretores de todos os tempos. Suas obras sempre são fortemente criticadas e a ruindade paira em todos os seus produtos – inclusive naqueles que não teve grande participação. Este é exatamente o caso de “Orgia da Morte”, filme de Stephen C. Apostolof produzido e adaptado do texto de Wood.

Tudo começou no início dos anos 60, quando Apostolof decidiu que uma ótima maneira de lucrar seria aventurando-se no ramo do cinema sexplotation. O diretor tinha a intenção de filmar sua película da forma mais simples, rápida e barata possível, e todos sabemos que Ed Wood é o mestre dessa arte. Assim sendo, foi por intermédio de William C. Thompson que a parceria entre estes dois diretores foi concretizada, ou seja, ele é a causa desta terrível tragédia cinematográfica que vos descreverei em breve.

Thompson cuidava da fotografia da maioria dos filmes de Wood e manejou com que Apostolof e seu chefe se encontrassem por meio de um almoço em um restaurante freqüentemente freqüentado por grandes nomes do cinema de Los Angeles. No encontro, Wood surpreendeu o búlgaro apresentando-se com um suéter angorá, uma saia acima dos joelhos, peruca loira e bigode – e foi dessa forma esdrúxula que a parceria entre os dois concretizou-se.

“Orgia da Morte” consegue a façanha de ser fruto do roteiro com menos sentido de toda a história do cinema, pior até do que o do famigerado “Plano 9”. Aqui nada parece fazer sentido, e toda a premissa inicial do filme parece apenas uma desculpa para ver um festival de mulheres dançando com os peitos a mostra (o que não é de todo ruim, vamos combinar).

Embora não tenha sido dirigido por Ed Wood, o filme apresenta todas as características do cinema do diretor. Desde os grotescos erros de continuidade até as ridículas falas pronunciadas com uma empolgação inexplicável por grande parte do elenco – que provavelmente é um dos mais bizarros de todos os tempos.

Assim como “Plano 9” e “Noite das Assombrações”, as duas obras anteriores de Wood, “Orgia da Morte” inicia com Jeron Criswell (ou “The Amazing Criswell”, seu nome artístico) levantando-se de seu caixão e, em direção a câmera, proclamando um peculiar discurso que tem o trabalho de descrever o filme de forma sensacionalista.

O texto do personagem, que é visivelmente lido por meio de cartazes atrás da câmera, prossegue desta forma: “Eu sou Criswell. Durante anos, tenho dito coisas quase inacreditáveis, relatado o irreal e mostrado que ele é mais do que um fato. Agora vou contar uma história sem limites, tão surpreendente que alguns de vocês podem até desmaiar. Esta é a história de pessoas na hora do crepúsculo. Uma vez humanos, agora monstros, presos entre a vida e a morte. Monstros para sentir pena, monstros para desprezar. Uma noite de assombrações, que renascem das profundezas do mundo". Basicamente, é o texto da produção anterior de Ed Wood repetido de forma descarada.

Um fato curioso é que, de acordo com os créditos iniciais, o filme é adaptado de um livro de Wood – embora seja extremamente difícil imaginar um livro narrando o “enredo” disso tudo. Após pesquisar um pouco, acabei por descobrir que tal obra literária é, na verdade, uma coletânea de contos do famigerado diretor. No entanto, a película só descreve o primeiro conto (“Orgy of the Dead”) e substitui os outros por mulheres seminuas dançando.

Após aventurar-se com “A Orgia da Morte”, Apostolof juntou-se novamente a Ed Wood para escrever o roteiro de diversos outros filmes em parceria, como por exemplo, “The Beach Bunnies” e "Drop Out Wife". Demonstrando uma estranha satisfação em trabalhar com o diretor.

Poucos anos antes de falecer, Apostolof concedeu uma entrevista da qual o tema principal era “A Orgia da Morte” e sua possível seqüência. O diretor explicou que tinha o desejo de filmar uma continuação ao filme que se passaria no ano 3000 e teria um foco maior na narrativa e menor nos shows de strip-tease. O projeto, contudo, nunca saiu do papel.

“A Orgia da Morte” é, assim como toda produção estrelando Ed Wood, um lixo divertido e hipnotizante, ideal para ser visto em grupo com o intuito de se divertir.

Filmes Mais Aguardados de 2012

2012-01-23T23:25:00.002-02:00

Semana passado a população mundial presenciou um número épico de trailers e anúncios de filmes que certamente vão dar o que falar neste ano de 2012. Selecionei aqui alguns destes e, se for o caso, seus respectivos trailers.

BATMAN - O CAVALEIRO DAS TREVAS RESSURGE
Depois de derrotar gloriosamente o Coringa, Christian Bale retorna no último episódio da saga do “Cavaleiro das Trevas”. Agora os vilões da vez serão a Mulher-Gato e o Bane (em sua primeira aparição cinematográfica). E devo dizer que realmente não acho que Anne Hathaway vai ficar bem no seu papel, mas é melhor esperar que ocorra uma surpresa agradável como ocorreu no filme passado com Heath Ledger.

OS MERCENÁRIOS 2
Enquanto que o primeiro “Mercenários” foi um bom divertimento, o segundo promete contar com um elenco ainda mais épico e provavelmente vai ser muito mais mítico. Assim como todos os atores do primeiro voltaram, novos vieram, e entre eles destacam-se Van Damme e o Chuck Norris. O Chuck Norris porra!

O HOBBIT - UMA JORNADA INESPERADA
Provavelmente a obra mais esperada do ano, “O Hobbit– Uma Jornada Inesperada” (adaptação do livro de J. R. R. Tolkien) promete um tom muito mais leve e infantil do que o de seu sucessor, “Senhor dos Anéis”. O grande Peter Jackson vai voltar na película e, como pode ser visto no trailer acima, o também grande Ian McKellen vai retornar.

MIB – HOMENS DE PRETO 3
Não me lembro de ter visto o segundo, mas certo que o primeiro da série era incrivelmente divertido e se o terceiro mantiver o mesmo nível está tudo numa boa. A história disso aí certamente não se leva a sério: Agente J viaja no tempo para impedir um acontecimento fatídico, a morte de seu parceiro Agente K. Como de costume, Will Smith e Tommy Lee Jones vão voltar nos seus respectivos papeis.

BULLET TO THE HEAD
Walter Hill mais Sylvester Stallone em um filme policial com Stallone numa luta de machados como pôster. Precisa falar mais?

COGAN's TRADE
Brad Pitt, apesar de ter deslizes em seu currículo, não é de fazer filme ruim, e esse também é o caso do diretor Andrew Dominik. Como se isso não bastasse, a obra vai ser baseada no livro de George V. Higgins (nunca li nada desse aí, mas é um cara bem falado) e o elenco conta também com Ray Liotta, Richard Jenkins, James Gandolfini, entre outros. Pois é, não soa nada mal.

DJANGO UNCHAINED
Basicamente é um filme do grande Quentin Tarantino, ou seja, vai ser no mínimo muito épico. Como se não bastasse o diretor retornando as telas em um faroeste, podemos contar com a presença de Samuel L. Jackson, Leonardo DiCaprio, Kurt Russell, Sacha Baron Cohen, entre muitos outros. A película conta a história de Django, um escravo negro liberto com a missão de salvar sua esposa das garras do fazendeiro Calvin Candie (DiCaprio) e parece ser um tanto promissora.

E vocês, o que mais esperam para 2012?

The Beatles - Help

2011-12-31T00:31:00.004-02:00

Enquanto que em sua primeira aparição cinematográfica os Beatles auxiliaram na criação de um grande clássico do cinema pop, os mesmos acabaram por trazer ao público um filme um pouco dispensável em sua segunda viagem a arte do cinema. A verdade é que os membros da banda não estavam em sua capacidade máxima de atuação, isto é, estavam completamente chapados.

Graças ao sucesso comercial de “A Hard Day’s Night”, Richard Lester recebeu muito mais orçamento para filmar “Help!” do que no filme anterior. Dispondo esse cachê extra, o diretor pôde produzir a película em cores e gravar em locais exóticos, além de disponibilizar grande quantidade de maconha aos membros da equipe de filmagem.

Mesmo com todo “divertimento extra” disponível, a banda não gostou particularmente do processo de filmagem e do resultado final da película. John Lennon inclusive constatou que o filme estava fora do controle, pois Lester não disse a banda sobre o que este se tratava. Somente dez anos depois Lennon descobriu que esta obra que ilustrou era realmente revolucionária e, anos à frente, veio a influenciar o famoso seriado televisivo do “Batman” (aquele que era filmado na “Playboy Mansion”).

Devido à influência alucinógena nos membros do grupo, gravar o filme foi realmente uma tarefa árdua, afinal os Beatles não paravam de fazer o tipo de atividade que maconheiros fazem – se divertir e fazer merda no processo. Inclusive havia uma cena em que o “Fab Four” tinha de mostrar-se surpreso quando a câmera foca-se em suas caras, porém não conseguiam segurar sequer uma risada, irritando profundamente os membros da equipe técnica. Obviamente a atitude do quarteto não foi muito profissional, mas ao menos eles se divertiram um pouco no processo de filmagem.

Embora não proporcione a mesma diversão que “A Hard Day’s Night” e seja, de fato, um filme dispensável, “Help!” não é uma película exatamente ruim e, assim sendo, vale a pena ser conferida sem qualquer pretensão, apenas como uma curiosidade aos fãs da banda.

The Beatles - A Hard Day's Night

2011-12-18T02:26:00.005-02:00

Hoje em dia, um filme baseado em uma banda pop ser considerado um filme é extremamente usual, contudo, estes eram considerados pura obra comercial á certo tempo atrás. Assim sendo, devido a não ser devidamente respeitado, este gênero de filme musical era feito com o único intuito de enriquecimento, gerando resultados nada exímios. Foi necessária a genialidade de Richard Lester para mudar o patamar dos filmes comerciais musicais com “A Hard Day’s Night” dos Beatles.

Lester, de início, não aceitou o convite para gravar uma película com a banda, simplesmente, pois não queria fazer um filme comercial no momento. Foi apenas após muita reflexão que o mesmo aceitou o convite e, rapidamente, impressionou-se com os integrantes da banda. Os quatro Beatles, de fato, faziam questão que sua obra cinematográfica fosse filmada pelo diretor, afina eram grande fãs de seu trabalho.

Em “A Hard Day’s Night” (ou “Os Reis do Iê, Iê, Iê” aqui no Brasil) os quatro membros do fabuloso grupo possuem um papel em especial, não necessariamente baseado em como eles realmente são. Para reapresentar estes papéis foram usadas quatro cenas individuais (uma delas foi cortada) protagonizadas individualmente por um integrante do grupo.

Obviamente existem outros personagens além do “Fab Four” que ajudam a desenvolver a trama e, principalmente, criam situações hilárias. De fato, a comédia é um grande fator presente na obra, quase tão significante quanto a músicas (e claro, há bastante música).

Como esperado de um produto dos Beatles no auge da “Beatlemania”, este foi um sucesso, tanto que uma seqüência a este foi lançada um ano depois, “Help!”. A seqüência, embora também de grande sucesso, não pode ser comparada a “Hard Day’s Night”, afinal este é um clássico que deu início a uma série de filmes estrelando o “Fab Four”.

PS: Apartir de agora, com o início das férias, as postagens voltaram a serem mais frequentes.

Continuações melhores que o (ou que igualam-se ao) Filme Original

2011-11-26T22:25:00.001-02:00

Hollywood é obcecada pelo sucesso – isso é fato. Sendo assim, quando um filme produzido pela mesma faz sucesso, uma seqüência ao mesmo é lançada. Apesar de que geralmente o resultado seja puramente comercial, há alguns casos que superam a película em que a seqüela se baseia, ou ao menos se igualam a elas. No artigo de hoje, introduzirei vocês há alguns exemplos de continuações que deram certo por fazerem sentido em dar continuidade à história original, e não foram feitas com o intuito puramente comercial.

Faço questão de lembrar a todos os leitores que a opinião introduzida aqui é minha, portanto haverá discordância e, muito provavelmente, esquecerei de muitos exemplos fantásticos. Sendo assim, peço a vocês que deixem suas próprias listas na seção de comentários abaixo.

TRÊS HOMENS EM CONFLITO (Il buono, il brutto, il cattivo, ITA, 1966)
A terceira e última parte da “Trilogia dos Dólares” de Sérgio Leone é também a melhor delas. Situada na Guerra Civil americana, a obra pode ser vista tanto quanto um produto feito meramente para o entretenimento, quanto como uma crítica a guerra e a sociedade. Mesmo com esta incerteza sobre o verdadeiro objetivo da película, é impossível negá-la que a mesma possui uma história fantástica com personagens cativantes. Como se isso não bastasse, a trilha sonora de Ennio Morricone é uma das mais icônicas da história do cinema.

O PODEROSO CHEFÃO PARTE II (The Godfather: Part II, EUA, 1974)
Aproveitando a brecha para uma seqüência deixada no final da película original, Francis Ford Coppola lançou uma continuação ao grande clássico dos filmes de máfia. Impressionantemente, Coppola decidiu por não apenas contar o que ocorria depois do filme, mas antes do mesmo. Esta idéia um tanto incomum, ao menos para a época, acabou por render um dos maiores clássicos da década de setenta.

GUERRA NAS ESTRELAS: O IMPÉRIO CONTRA-ATACA (Star Wars Episode V: The Empire Strikes Back, EUA, 1980)
Devido ao sucesso do filme anterior, era inevitável que uma seqüência a “Guerra nas Estrelas” fosse lançada. “O Império Contra Ataca”, apesar de não contar com a direção de George Lucas, não é apenas o melhor filme da saga, como também é uma das melhores películas de ficção científica de todos os tempos. O filme não funciona apenas por sua história fantástica, mas também graças aos efeitos especiais incluídos aqui, que marcam a revolução das técnicas sonoras e visuais iniciadas nos anos 80.

DE VOLTA AO FUTURO II (Back to the Future II, EUA, 1989)
Embora apresente uma versão inusitada do futuro “distante” de 2015, a seqüência de “De Volta ao Futuro” não falha em contar uma história instigante e animadora, até mesmo superior a do filme anterior. O enredo toma início exatamente donde a obra original parou, matando a curiosidade daqueles que ficaram pretensiosos com o final incerto.

O EXTERMINADOR DO FUTURO 2: JULGAMENTO FINAL (Terminator 2: Judgment Day, EUA, 1991)
A seqüência de “O Exterminador do Futuro” é basicamente um aprimoramento da película original, assim superando a mesma. Tudo aqui é melhor em relação ao filme original, desde o desenvolvimento de personagens até os efeitos especiais. E que efeitos especiais! De fato, estes são um dos melhor de todos os tempos e, sem dúvida alguma, o melhor de sua época.

BATMAN - O RETORNO (Batman Returns, EUA, 1992)
Provavelmente eu sou a única pessoa no mundo que prefere a versão do “Batman” de Tim Burton do que a de Christopher Nolan. Porém também acho que os dois filmes não podem (nem devem) ser comparados, pois enquanto um deles foca no realismo, o outro é exatamente o contrário. Embora prefira o primeiro “Batman” de Burton, acho que “O Retorno” é extremamente superestimado, embora tenha sido a obra do homem morcego que mais procura focar a história nos vilões do que no próprio personagem-título (que já teve suas origens suficientemente exploradas). Fora os efeitos especiais magníficos e o grande fator-diversão, a película que vos falo conta também com uma ótima atuação por parte de Danny DeVito.

TOY STORY 2 (Toy Story 2, EUA, 1999)
Que já verdade seja dita: só a Pixar consegue superar a Pixar. De fato, de todo os extensos currículos da produtora só se destacam dois filmes que deixaram a desejar: “Carros” e a sua infame continuação. “Toy Story 2” é um tapa na cara de todos que não acreditam no potencial das animações, provando que um desenho pode, em muitos casos, superar até mesmo um filme com atores.

BONECAS RUSSAS (Les poupées russes, FR/RU, 2005)
Embora pareça difícil produzir uma continuação ao fantástico “Albergue Espanhol”, o diretor Cédric Klapisch o conseguiu avançado cinco anos em relação ao filme original. Cédric acertou em cheio ao marcar o retorno de grande parte do elenco presente anteriormente, mostrando assim a maturidade de inúmeros personagens e como o tempo muda drasticamente a vida de qualquer um.

Batman – O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, EUA, 2008)
Embora prefira o trabalho de Burton, não tenho como não citar o fantástico trabalho de Christopher Nolan – um diretor pouco experiente, porém genial. Sua visão de “Batman” destaca-se por seu realismo, pouco presente em grande parte dos filmes de super heróis. Como se não bastasse o diretor fantástico cuidando da película, a mesma ainda conta com um elenco infalível – com direito a Heath Ledger encerrando sua carreia de forma grandiosa no papel de Coringa.

Atividade Paranormal 3 – O Melhor Filme da Série ou Apenas Mais uma Maneira de Tirar o seu Dinheiro?

2011-11-06T18:40:00.006-02:00

Enquanto que no início do segundo milênio os documentários falsos eram alternativos e cultuados, hoje já são extremamente populares. Prova disso é o fato de que inclusive filmes que inicialmente não faziam parte do gênero, hoje procuram unir-se a este.

Toda esta fama teve início em 2007, com o lançamento de “Atividade Paranormal”. O filme era simples e provinha de um baixíssimo orçamento, porém assustou e tornou-se partilhado de um grande sucesso de bilheteria. Assim sendo, muitas outras obras seguiram o sucesso deste estilo de cinema, algumas até tiveram êxito (caso de “REC” e de “Cloverfield”), enquanto que outras falharam miseravelmente.

Devido a tanto sucesso, duas continuações a “Atividade Paranormal” foram lançadas, além de uma refilmagem de origem japonesa. A mais recente das seqüelas é a “Atividade Paranormal 3”, que promete encerrar a franquia.

O filme tem a ousadia de explicar tudo que ocorreu nas partes anteriores, fechando a saga. Para isso, os roteiristas Ariel Schulman e Henry Joost transportam o público à década de 80, mais precisamente em 1988. A partir daí, é susto atrás de susto.

Mais do que qualquer episódio da franquia, este procura manter mais foco na história do que no suspense, embora construa um clima bastante instigante. Mais do que qualquer outro “mockumentary” que eu já tenha assistido, “Atividade Paranormal 3” proporciona um final surpreendente ao espectador, que foge de tudo já mostrado na série.

Propositalmente, a direção não é o ponto forte da película, porém é surpreendentemente melhor do que nas outras instalações da saga. O posicionamento em que as câmeras são postas dá uma visão muito mais legal à cena do que anteriormente, e a câmera rotativa responsável pela filmagem da sala e da cozinha rende alguns momentos de grande surpresa.

Embora tenha gostado muito dos outros episódios da série de filmes (com exceção do filmado em Tókio), não hesito em dizer que “Atividade Paranormal 3” é o melhor deles. Porém vale lembrar que se você gosta de cinema não ira necessariamente gostar da película que vos falo, há de que ter simpatia também não só com o horror tradicional, mas também com o “found footage”.

Jason X – Jason Vai ao Futuro

2011-10-23T20:24:00.006-02:00

Antigamente os filmes de Jason tinham sempre um ar sério (com exceção de alguns casos particulares), e se esforçavam para não serem ridicularizados. Contudo, é praticamente impossível não tratar a décima parte da saga como uma burlesca comédia pastelão. Só para se ter uma idéia da picaretagem da obra vale lembrar que desta vez o assassino imortal não atua em “Cristal Lake”, mas sim no espaço sideral. Tal detalhe, de cara, parece o auge da demência cinematográfica – mas nem de longe é o momento mais insano da película.

A idéia para criar mais uma seqüência a “Sexta Feira 13” foi tida quando o produtor Sean S. Cunningham estava envolto por problemas de desenvolvimento em relação a “Freddy Vs. Jason”. Cunningham então decidiu que iria enriquecer com outro produto, assim sendo, reuniu-se com Todd Farmer, um aspirante a escritor de Hollywood, e juntos escreveram o que viria a ser a primeira (e última) aventura espacial do famoso assassino de máscara de hóquei.

Realmente acredito que os realizadores de “Jason X” esforçaram-se demasiadamente para fazer com que tal obra atingisse um nível impressionante de apelação, tornando-se um espetáculo de bilheteria. No entanto, todo este esforço serviu para nada, afinal a produção é conhecida por ser uma das realizações de menor bilheteria entre todos os “Sexta Feira 13”.

O filme, como se não bastasse, foi visto com uma abominação por todo crítico americano. O “Rotten Tomatoes”, além de conceber a película uma avaliação de 21% com base em 102 críticas, ainda postou a frase “Jason vai ao futuro, mas a história continua presa no passado” como descrição a obra. Para variar, Roger Elbert (a personalidade mais superestimada da história cinematográfica) também odiou a produção, afirmando que a mesma “sucks on so many levels" (parafraseando uma frase presente no próprio filme).

Dado a recepção por parte da crítica e do público, é de se impressionar o fato de que “Jason X” não concebeu idéia apenas para duas histórias em quadrinhos (uma delas é tão insana que apresenta uma batalha contra o Jason do futuro e o do presente), mas também para cinco livros. As empresas por trás destas adaptações são, respectivamente, a “Black Flame” e a “Avatar Press”.

Embora partilhe de diversos defeitos, a obra que vos falo vale a pena ser conferida, devido ao seu nível de ridiculariedade. Vale à pena conferi-la com o intuito de se descontrair e de dar algumas boas risadas.

A Hora do Pesadelo Parte 2 – A Vingança de Freddy

2011-10-16T23:56:00.004-02:00

Quando a seqüência do clássico “A Hora do Pesadelo” foi lançada em 1985 todos a odiaram. Inclusive o próprio Wes Crave, que havia realizado o primeiro filme da franquia, recusou-se a dirigir o roteiro para esta segunda produção. A crítica não teve recepção melhor, assim como o público detestou a película. De fato, quase todos odiaram a continuação da história de Freddy.

Contudo, eu devo dizer que gostei da “Vingança de Freddy”, talvez porque a imaginava como algo abominável, mas deparei-me apenas com algo ridículo e divertido. Tão ridículo que é covardia compará-la com a película em que se baseia. Mas isso não quer dizer que ela é ruim, muito pelo contrário, a mesma faz um ótimo trabalho como um conteúdo divertido, porém extremamente apelativo.

Em 1985 os Estados Unidos estava no meio da paranóia pré-AIDS, portanto era moda retratar o homossexualismo no cinema. Assim sendo, o personagem principal da “Vingança de Freddy” revela-se um bissexual, porém isso não é mostrado explicitamente. Contudo, basta prestar certa atenção na película e tal detalhe fica claro.

Muita da crítica negativa em relação à produção vem do fato que a seqüência toma um rumo completamente diferente em relação ao filme original. Sendo que Freddy é deixado em segundo plano em certos momentos, aparecendo apenas cerca de treze minutos na tela. Porém, penso que isso é na verdade uma bênção, afinal os próximos episódios da franquia teriam, na maioria dos casos, muitas semelhanças ao primeiro filme da série, o que se mostrou devidamente tediante.

A “Vingança de Freddy” tem seus defeitos, e eles são visíveis logo de cara. Porém, o filme tem trabalho comprido como um produto de entretenimento.

O Iluminado – A Obra Prima do Terror Sobrenatural e das Tragédias Familiares

2011-10-09T00:45:00.002-03:00

Stanley Kubrick uma vez disse que adorava filmar livros medíocres, pois estes geravam bons filmes, em uma óbvia indireta em relação às reclamações de Stephen King e seus fãs em relação à adaptação cinematográfica de “O Iluminado” feita pelo diretor. De fato, muitos odiaram a adaptação, afirmando que a mesma era um dos piores filmes do diretor. Eu discordo totalmente de tal afirmação, tanto que vejo “O Iluminado” como um clássico dos filmes de horror e uma das únicas obras que consegue unir a arte e apelação comercial.

Tal película teve produção iniciada logo após as filmagens do épico de guerra “Barry Lindon”. Embora a obra tenha sido espetacular em termos técnicos e artísticos, ela não teve a mesma sorte no campo comercial. Como solução, Kubrick decidiu que sua próxima produção tomaria um rumo totalmente comercial, embora também artístico – baseado no livro “O Iluminado” de Stephen King. A recepção da crítica em relação a esta escolha não foi exatamente boa – tanto que foi citada por muitos críticos como a pior obra do ano.

Stephen King também não ficou satisfeito com a adaptação, (assim como Anthony Burgess não ficou satisfeito com a adaptação de “Laranja Mecânica”). De acordo com King, “o que há de errado com a versão de “O Iluminado“ de Kubrick é que este é um filme feito por um homem que pensa muito e sente pouco”. Em oposição, o crítico Mark Browning afirmou que o escritor tem exatamente o problema contrário: ele sente muito e pensa pouco.

Anos depois, uma nova adaptação da obra de Stephen King foi feita para agradar o escritor, com o mesmo por trás das câmeras. Embora elogiada, esta segunda adaptação não teve nem de longe o mesmo impacto que a obra de Kubrick.

Assim como em grande parte dos filmes do diretor, a trilha sonora se destaca em “O Iluminado”. Embora esta não seja tão prestigiada quanto à icônica trilha de “2001: Uma Odisséia no Espaço”, não deixa de fazer um trabalho competente. Infelizmente, a música da produção encontra-se indisponível devido a problemas com direitos autorais, sendo que a mesma nunca foi lançada no formato do CD.

Para variar, o prestigiado Jack Nicholson faz aqui um trabalho mais que competente como ator, interpretando Jack Torrance, um escritor que decide repousar em um hotel junto a sua família com o intuito de finalizar seu livro. Há lendas de que o ator nunca mais conseguiu livras-se dos tiques de seu personagem após a filmagem da produção. Enquanto que Nicholson apresenta um desempenho magistral, Shelley Duvall não tem o mesmo êxito, chegando a irritar em certos momentos da película.

Nos dias de hoje, “O Iluminado” deixou de ser criticado para ser amado pelos críticos. Afinal, a obra é um trabalho competente de Stanley Kubrick, assim como um clássico absoluto dos filmes de terror que viria a ser copiado posteriormente.

Possível Novo Sexa Feira 13 Concebido como um Mockumentary

2011-09-23T20:25:00.001-03:00

Antigamente, apresentar um filme de horror como se fosse uma história real era revolucionário e até chocante ao público. Nos tempos atuais, o efeito é exatamente o contrário: os “Mockumentary”, como são chamados, estão cada vez mais clichês e apelativos. Como resultado, sempre que vamos ao cinema, avistamos alguma obra supostamente produzida a partir de filmagens perdidas e encontradas após muitos anos.

Agora, a moda atingiu até mesmo os slashers com o anúncio da segunda parte da refilmagem de “Sexta Feira 13”. O primeiro remake da série já deixou a desejar, apresentando-se como um resumo dos três primeiros filmes da franquia com uma direção mais ágil e menos artística – lembrando um vídeo clipe. De acordo com o site “Shocktillyoudrop” e com o "Boca do Inferno", a continuação de tal película esta sendo planejada a partir de um esboço escrito por Damian Shannon e Mark Swift, porém não houve aprovação dos estúdios.

Brad Fuller da Platinum Dunes afirmou que não há planos para qualquer seqüência, porém deixou escapar que “não há outro lugar que eu prefira estar a Crystal Lake”. Vale ressaltar também que para que qualquer ação seja feita em relação à franquia é preciso tanto o apoio de Sean Cunningham, quanto o da “New Lines”, quanto o da “Paramont” e da “Platinum”.

Para aqueles que pensam que a idéia destes norte-americanos é completamente original, há de se tomar conhecimento que brasileiros já produziram uma proposta parecida em forma de curta metragem. O curta pode ser conferido aqui e foi filmada em um pequeno lago em Ilópolis (no Rio Grande do Sul) por Ricardo Coutinho, que vive em Campinas.

Um Estranho no Ninho

2011-09-17T02:25:00.001-03:00

Era 1961 e Michael e Kirk Douglas tinham um sonho – fazer com que a obra literária “Um Estranho no Ninho” tenha o reconhecimento que merecia. Com essa ambição, os dois enviaram uma cópia da obra ao diretor Milos Forman. Passaram-se dez anos e uma resposta do profissional não foi enviada, assim sendo, o livro foi enviado a Forman novamente. Desta vez, o mesmo leu o livro e reconheceu o seu potencial cinematográfico, o transformando em um filme.

Com um roteiro já escrito, um ator para interpretar o personagem principal havia de ser escolhido, porém, era realmente difícil achar alguém que encaixasse no papel. Após muito tempo testando diversos atores, o nome de Jack Nicholson foi mencionado. Na época, Jack era um profissional que cobrava barato, contudo dispunha de talento de sobra.

Portanto ouve um problema, Nicholson havia outro contrato e, sendo assim, havia de filmar outra obra. Como resultado, a adaptação teve de esperar mais seis meses para ser realizada, mas não havia problema, afinal a família Douglas estava prestes a realizar seu sonho.

“Um Estranho no Ninho” conta a história do criminoso Randle Patrick McMurphy, magistralmente interpretado por Jack, que para escapar da prisão finge ter problemas mentais, sendo transferido a um hospital psiquiátrico. Randle, a se ver envolto por pessoas deprimidas, decide mudar o ânimo do local criando um centro de apostas e promovendo pequenos campeonatos de basquete. Contudo, a enfermeira local não gosta das atitudes inovadoras do rapaz e, impedindo que todas as propostas do mesmo dêem errado.

Para filmar sua obra com veracidade, Forman visitou cerca de quatro hospitais psiquiátricos reais e exigiu com que os atores da película vivessem no local da filmagem como pacientes por certo tempo. Além disso, foi exigido que alguns profissionais do elenco participassem de sessões terapêuticas reais, para saberem como comportar-se na hora em que tais cenas fossem filmadas. Porém, estes nunca sabiam quando estavam sendo filmados, afinal muitos fragmentos do filme foram filmados sem que o grupo tivesse consciência disto.

Praticamente toda a película se passa dentro do hospital, com exceção de apenas uma cena, que mostra a fuga dos pacientes do local. Tal ato foi o último a ser filmado, devido à desaprovação do diretor em relação a este. Porém seria um crime deixar de fora uma seqüência tão brilhante quanto essa.

O vilão do filme, ao contrário do usual, não são os criminosos ou os doentes mentais. Mas sim os médicos psiquiátricos e as enfermeiras, principalmente a enfermeira Mildred Ratched – interpretada por Louise Fletcher. Inicialmente, a personagem estava descrita como a encarnação do mal, porém a forma suave como esta falava acabou transformando a mesma em uma pessoa não completamente má. Mas é certo que há certos momentos que ela provoca raiva, não apenas por parte do elenco, mas também por parte do espectador. Contudo, é possível perceber que tudo que a enfermeira faz aos seus “prisioneiros” tem boas intenções, embora tenha más resultados.

“Um Estranho no Ninho” acabou por levar uma série de prêmios quando foi lançado: incluindo cinco Oscar e seis BAFTA. Além disso, grande parte da crítica amou o filme, ou seja, o mesmo tornou-se futuramente, um clássico imperdível.

The Breakfast Club – O Clube dos Cinco

2011-08-27T00:21:00.002-03:00

No cinema americano, podemos encontrar dois tipos de comédia: aquelas que são feitas apenas para diversão, enquanto que outras são feitas como o intuito de refletir sobre aspectos sociais de forma cômica. Eventualmente, comédias feitas sem o objetivo de analisar a sociedade são vistas dessa forma, e vice versa. No caso da obra de John Hughes, “Clube dos Cinco”, somos apresentados a uma crítica social exímia que, eventualmente, esquece seu lado burlesco.

É com um fragmento de texto de David Bowie que o filme tem inicio. Após isso, somos introduzidos a mais um texto introspectivo escrito, supostamente, por John Hughes. Este descreva magistralmente o pensamento de um adulto comum em relação aos adolescentes e os mais novos em geral – um pensamento estereotipado ao extremo.

Aqui é narrada a história de cinco adolescentes que se vêm trancados dentro de um colégio em pleno fim de semana. O roteiro que parece um tanto simplista a primeira vista, torna-se cada vez mais revelador e próspero. Com o passar do tempo, vamos descobrindo cada vez mais o que há por de trás de tudo o que os jovens estão passando – como foram detidos, por que fizeram o que fizeram, e o que se passa pela cabeça destes. A cena em que contam a razão de estarem na detenção é simplesmente espetacular e parece incrivelmente natural. Conta-se que o diretor disse aos atores para improvisarem na cena, e o resultado foi melhor que o esperado.

Embora Hughes tenha concebido outros filmes proclamados, para mim, este é uma de suas melhores (se não sua melhor) comédia. E olha que há muitas outras boas películas deste gênero cinematográfico produzidos pelo diretor – “Curtindo a Vida Adoidado” e “Antes Só do Que Mal acompanhado” são só alguns exemplos.

Em resumo, indico “Clube dos Cinco” a todos que se interessam em ver uma película que diverte ao mesmo tempo em que faz o espectador pensar sobre a opressão juvenil.

Carnage - O Mais Novo Filme de Roman Polanski

2011-07-30T17:50:00.001-03:00

Quando se pergunta qual o diretor mais conturbado de Hollywood a um cinéfilo qualquer, o nome de Roman Polanski provavelmente será citado. Não é à toa, afinal, o mesmo tem um motivo mais do que o suficiente para usar como desculpa pela sua mente conturbada – este foi um dos poucos homens que, ao voltar para sua casa, deparou-se com um corpo ensangüentado, que viria a ser o de sua grávida esposa. A mesma estava junta a um grupo de amigos no momento do falecimento, e todos foram surpresos pela aparição da Família Manson, um grupo de assassinos obcecados pela nova ordem mundial (e pelo “Álbum Branco” dos Beatles).

Polanski utilizou a cena brutal que presenciou como desculpa por sua sanidade duvidosa, porém o mesmo não pode usar o ocorrido como desculpa por ter abusado sexualmente de seres humanos (sendo um deles menor de idade). O diretor, portanto, teve de fugir a França, seu país de origem, pois o crime citado foi cometido na América e a lei de um continente não pode interferir na lei de outro. Desde então, o diretor é obrigado a filmar todas as suas obras na Europa, alternando entre a França e o Reino Unido, na maioria das vezes.

Neste ano, em Paris, o diretor filmou “Carnage”, sua mais nova película. A mesma tem roteiro escrito pelo mesmo, tendo base na peça teatral de Yasmina Reza “God of Carnage” (“Deus da Carnificina”, em uma tradução livre).

Após passar pelos festivais cinematográficos de Veneza e Toronto, o filme já tem previsão de estréia no Festival de Nova York. Diferente das duas outras vezes que foi apresentado, “Carnage” servira agora como a obra que ira abrir o festival, de acordo com o site “Deadline”.

A película conta com Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz e John C. Reilly no elenco e se passa em Brooklin, na cidade de Nova York, mesmo com o local verdadeiro de filmagem sendo outro. Na trama, dois casais de pais reúnem-se em um jantar com o objetivo de discutir o que aconteceu exatamente entre os filhos de ambos, que haviam brigado.

Embora sua obra seja apresentada no festival, o diretor não poderá comparecer a sessão de gala programada para o evento. Afinal, tal homem ainda é considerado um fora-da-lei nos Estados Unidos.

O Festival de Nova York acontece de 30 de setembro a 16 de outubro, para aqueles que estiverem interessados.

Lendas Urbanas (Parte 3)

2011-07-17T15:30:00.002-03:00

Faz já algum tempo que havia publicado a segunda parte da série de lendas urbanas e cogitado publicar a terceira. As postagens sobre lendas urbanas foram, até então, as mais vistas do blog, portanto, acho que não há mal em utilizar a parte a seguir como um pedido de desculpas pelo atraso.

Elvis Não Morreu

Era 1977 e Elvis, o rei do rock ‘n roll, desfrutava dos últimos momentos de sua vida cansativa. Ou pelo menos é isso que a mídia revelou, pois há relatos de que o rei foi visto um dia depois de seu falecimento embarcando na Base Aérea da Argentina e se direcionando a uma limusine que o esperava. A história é tão verídica para alguns que foram criadadas comunidades que tentam provar a falsidade por traz da morte do mesmo.

Outro motivo para acreditar no ocorrido eram os motivos que Elvis tinha para sumir do mapa. O mesmo recebia freqüentemente ameaças por parte da máfia local e, além disso, estava cansado de viver uma vida sem conforto e privacidade.

O Homem Nunca Foi a Lua

Embora muitos tenham acredito que o homem nunca tenha pisado na lua, e que o que foi transmitido no século passado era uma fraude, há motivos críveis para desacreditar em tal lenda – assim como é difícil acreditar em qualquer outra lenda apresentada aqui. Cientistas provam que Neil Armstrong de fato visitou o local. Mas ainda há pessoas que acreditam que Stanley Kubrick auxiliou na criação de efeitos especiais para projetar o acontecimento.

A Boneca da Xuxa

Após todo o estardalhaço causo pelo boneco do Fofão, foi a vez da Xuxa criar polêmica com sua linha de brinquedos femininos. De acordo com tal lenda, certa mãe comprou a sua filha uma boneca original da “Rainha dos Baixinhos”, avisando a menina que o produto só poderia ser aberto no dia do aniversário da mesma. Porém, esta não obedeceu a sua mãe, e abriu o presente antes da hora. Como resultado, a garota foi encontrada morta ao amanhecer, com a boneca em seu colo portando um punhal ensangüentado.

A Gangue do Palhaço

Como palhaços metem medo em muita gente, foi criada certa lenda que promovia que uma gangue de palhaços rondava as ruas do Centro de São Paulo dirigindo uma Kombi e raptando crianças durante os espetáculos que promoviam. O fim de tais crianças era incerto, ou elas eram submetidas à prostituição ou eram vítimas do tráfico de órgãos. Há ainda outra versão da história que promove que havia apenas um palhaço, que simplesmente raptava e assassinava suas vítimas, como um assassino serial.

A Loira da Estrada

Em pleno século XXI, a loira ainda mantém a mesma imagem de burra que sempre teve, porém, também de psicopata assassina. Afinal, quando há uma lenda sobre mulheres psicóticas, a mulher em questão quase sempre tem cabelos loiros. Um exemplo disto pode ser encontrado nesta história usada para assustar caminhoneiros e todos os outros acostumados a dirigir na noite. Nesta obscura lenda, uma loira andava pelas estradas à noite e, como resultado, foi atropelada – mas a mesma não iria partir pro céu sem ter sua vingança, ou seja, a mesma decidiu empenhar-se seduzindo e assassinando todos aqueles que andam na estrada quando o céu ainda esta escuro.

Termina aqui a terceira seleção de lendas urbanas do blog. Se haverão outras? Quem sabe.

O Garoto de Liverpool – A Juventude de John Lennon

2011-06-17T19:30:00.001-03:00

John Lennon era um garoto como outro qualquer, um garoto com um sonho. Só que diferente de muitos, este estava determinado a alcançar sua meta de vida, mesmo passando por tanto sofrimento.

“O Garoto de Liverpool”, assim como os “Beatles”, é tipicamente europeu, mas se baseia em um estilo musical americano, estado unidense, mais especificamente. Na época de Lennon, parecia impossível que sua banda fosse fazer sucesso tocando algo tão americano, mas ela fez.

O filme retrata exatamente o período anterior ao sucesso do grupo de John, o período anterior também as drogas, a Hamburgo e a Yoko Ono. Temos aqui McCartney, Harrison e Lennon unindo as forças pela primeira vez, tocando sob o nome de “Quarrymen”.

Os fãs do quarteto de Liverpool acostumados com as comédias cinematográficas da banda, no entanto, terão uma surpresa. “O Garoto de Liverpool” não é, de forma alguma, um filme humorístico, apesar de, em certos momentos, provocar leves risadas no espectador. Contudo, apesar de ser um drama, a película é mais leve do que se espera.

As referências ao rock ‘n roll presentes aqui também são brilhantes, assim como as referências a banda propriamente dita. Isso se afirma de forma ainda mais sólida devido ao desempenho ótimo dos atores aqui presentes, destacando Aaron Johnson, que tem um desempenho espetacular no papel de John Lennon.

Tal obra retrata não apenas o começo do rock britânico, como também o começo da melhor banda do mundo, e é recomendada não apenas para os fãs do quarteto de Liverpool, como também para todo amante de música ou cinema.

Três Homens em Conflito – O Bom, o Mau e o Feio

2011-06-03T19:17:00.000-03:00

Entre 1861 e 1865 os Estados Unidos vivia o que, futuramente, foi considerada a sua mais brutal guerra. Jovens soldados eram despejados no campo de batalha e logo morriam de fome, tiros ou eram capturados e escravizados. E por que tudo isso? Ninguém sabe ao certo, tudo o que se sabe é que a União ganhou e acabou com a escravidão, mas como resultado, teve a perda de mais de 970 mil pessoas.

A Guerra Civil, por ser tão trágica, gerou uma série de filmes. Alguns glorificando as batalhas, e outros, em sua maioria, apenas relatando fatos. Entre todos os filmes que se passavam neste período de horror, o que obteve mais recepção por parte da crítica e, provavelmente, o melhor, foi “Três Homens Em Conflito”, terceira parte da trilogia do “Homem Sem Nome” de Sergio Leone.

O filme obteve toda essa fama, provavelmente, pois não tinha a pretensão de tomar um rumo histórico impressionante, mas sim, de satirizar a guerra e a escravidão como um evento inútil. As cenas de batalha aqui não mostram soldados se sacrificando por honra, apenas pessoas morrendo e matando.

Sergio Leone, diretor desta obra, não se preocupou em desenvolver um roteiro inteligente, pois procurou ter mais preocupação na parte técnica e visual. E devo dizer, a preocupação foi tanta, que é impossível não se impressionar com tais pontos, principalmente se levarmos em conta o ano da produção, 1966.

Há atores de duas nações distintas presentes aqui, como já era costume desde os filmes anteriores do “Homem Sem Nome”, sendo que cada um dos atores fala sua respectiva língua de origem. Portanto, para unificar o áudio do filme, foi usado o método da dublagem, que, impressionantemente, é quase imperceptível.

Clint Eastwood, que interpreta o “Homem Sem Nome” pela terceira vez no cinema, representa o bom. Porém, apesar de sua descrição, o personagem não é exatamente um exemplo de ética e bondade. O mesmo é, na verdade, um caçador de recompensas sem escrúpulos que abandona seu “amigo” Tuco, o feio, no deserto.

A história muda de rumo quando o feio e o bom unem suas forças para buscar um cobiçado tesouro, escondido na lápide de um grande cemitério. Um destes sabe o nome do cemitério, enquanto o outro sabe apenas o nome da lápide. No meio há tudo isso aparecem, obviamente, muitos problemas, como a presença do mal, da guerra, da escravidão e, principalmente, da desconfiança.

“Três Homens em Conflito”, “O Bom, o Mau e o Feio”, ou ainda “O Bom, o Bruto e o Cativo” (como foi concebido em seu país de estréia, a Itália), não é só um clássico, mas também uma obra que diverte, emociona e empolga. Uma película impressionante que merece ser conferida mais de uma vez.

"Gosto de Sangue" dos Irmãos Coen e Uma Breve Análise Sobre os Filmes Noir

2011-05-27T19:35:00.004-03:00

A década de quarenta e cinqüenta foi um dos períodos onde a violência estava mais pública do que qualquer outro tema nos Estados Unidos. Hoje me dia, no entanto, os superiores norte americanos tendem a disfarçar, muitas vezes sem sucesso, as banalidades que ocorrem no país. Por isso que nos tempos atuais a brutalidade é usada mais como fonte de divertimento do que algo que choque.

Antigamente, tudo era mais chocante no cinema, se não quase tudo. Mas havia certos gênios que tentavam, com sucesso, transformar o que ocorria na época em algo gratificante. Em seus filmes, crimes não resolvidos viravam tramas conspiratórias, enquanto que crimes resolvidos tornavam-se um exemplo de corrupção policial e implantação de evidências. Estas obras são popularmente conhecidas, atualmente, como filmes noir.

Graças ao auge do nazismo na Alemanha, na época da Segunda Guerra, diretores alemães, sendo a maioria ícones do expressionismo, tiveram de, obrigatoriamente, imigrar. Ao chegar aos Estados Unidos, tais profissionais viram-se sem emprego, afinal, o expressionismo nunca fez sucesso considerável na América do Norte. Sendo assim, estes não viram alternativa se não produzir películas atuais que retratassem o cotidiano estado unidense.

Portanto, engana-se quem pensa que o noir é tipicamente americano, afinal, não só aqueles que fundaram o mesmo, mas também aqueles que fizeram algumas das mais importantes obra deste gênero, tem origem européia. Contudo, isto não impede que ótimos filmes com origem deste estilo cinematográfico sejam produzidos por americanos. Peguemos como exemplo “Gosto de Sangue”, escrito e dirigido pelos cultuados irmãos Cohen.

Tal película, que foi a primeira da dupla, possui tudo, se não quase tudo, que o gênero propõe – desde o protagonista politicamente incorreto, até o personagem corrupto e a dama fatal. Todos estes pontos, e mais outros, são apresentados de forma incrível pelos irmãos, que decidiram por renovar o gênero que, em 1984, estava em baixa.

A história apresentada aqui parece simples, mas quando desenvolvida melhor, torna-se cativante e, até mesmo, inovadora. O final desta, apesar de não ser exatamente surpreendente, merece aplausos.

“Gosto de Sangue”, foi uma das primeiras obras a apresentar ao público da década de oitenta a maravilha que é uma película que pertence a estilo cinematográfico espetacular que é o noir, assim como “Corpos Ardentes”. Posteriormente a estas duas produções, outras obras ligadas ao gênero foram lançadas e, na maioria dos casos, fizeram sucesso.

Um Dia de Cão – Al Pacino Em Seu Auge

2011-05-13T19:23:00.005-03:00

A história de um assaltante homossexual que rouba um banco em busca de dinheiro para a mudança de sexo de seu namorado soa mais humorística do que dramática. Porém, em “Um Dia de Cão”, o diretor Sidney Lumet decidiu por explorar algo mais voltado ao drama, e o fez com sucesso.

O roteirista, Frank Pierson, explorou aqui opiniões pessoais sobre o homossexualismo e o heroísmo. E se tu descobrisses que teu herói é gay, apreciaria o mesmo como apreciava antes? Sugere o roteiro.

É impressionante como o clima da obra muda no momento em que é revelado o motivo do grande assalto da trama. O assaltante, que antes era visto como herói pelos protestantes, vira o inimigo destes que o consideravam assim.

Vale ressaltar também que corrupção policial é analisada aqui, embora com menos ênfase que o outro tema. Situações em que policia não cumpre seus deveres e suas promessas são vistas com freqüência na película.

A atuação ajuda a melhorar ainda mais a qualidade presente no filme. Tanto Al Pacino, como Chris Sarandon, também presente no gratificante “A Hora do Espanto”, e John Cazale estão ótimos aqui.

“Um Dia de Cão” é recomendado a todos que querem ver uma película com boa atuação, direção e roteiro. Ou seja, esta é uma obra perfeita, se não, quase perfeita.

A Hora do Pesadelo – A Primeira (e melhor) Aparição de Freddy Krueger no Cinema

2011-05-06T18:44:00.000-03:00

Na década de setenta, Wes Craven era um diretor sádico. Seus filmes, até então, simulavam cenas de estupro e violência desumana. Isso pode ser interpretado, de certa forma, como um retrato cultural estado-unidense daquela época. Quando a guerra predominava nos campos que a paz deveria agir.

Com o término deste período conturbado, Craven não tinha mais necessidade de descrever os acontecimentos do mesmo. Afinal, o pior que podia ser feito era relembrar tais tempos. O diretor, então, não viu outra saída a não ser divertir o público com uma obra mais leve que as anteriores, mas ainda assim assustadora. Foi assim que, em 1984, o mesmo apresentou ao público americano a sua mais recente produção, “A Hora do Pesadelo” aos Estados Unidos.

A película agradou ao público estadunidense e arrecadou milhões em poucas semanas, mesmo sem propiciar de muita divulgação. O sucesso foi tanto que a mesma foi apresentada também em grande parte da Europa, na China, no Canadá e inclusive na Austrália. Tendo êxito comercial em todos estes locais.

O filme, apesar de não parecer muito elaborado, teve o roteiro duramente estudado para ter certa semelhança a algumas religiões orientais. Embora este também seja inspirado, surpreendentemente, na história real de crianças cambojanas que se recusavam a dormir devido a terríveis pesadelos e, quando finalmente dormiram, morreram todas durante o sono.

Enquanto que a trama de tal obra foi baseada neste sinistro caso de morte súbita, o ilustre vilão da mesma, Freddy Krueger, teve uma origem mais imaginativa. Este se originou de uma noite de suspense da infância de Wes Craven, em que o mesmo avistou, à noite, um homem velho que andava sem rumo encarando este futuro diretor de forma macabra.

A atuação presente na película não é surpreendente, embora não incomode. Praticamente não há atores experientes presentes na mesma, e isso provavelmente se deve ao fato da quantidade de dinheiro gasta na produção de sangue artificial e de efeitos especiais. Embora este fator não seja nenhum ponto de destaque, é curioso assistir Johnny Depp em seu primeiro papel profissional, quando tinha apenas quinze anos.

Curiosamente, o ator voltaria a atuar na série em “A Morte de Freddy”. Porém este fato é definitivamente esquecível. Afinal todos sabem que tal filme é sofrível.

Um dos grandes êxitos do filme é a direção de Wes Craven, que proporcionou aqui o melhor trabalho de sua carreira. É incrível notar a brilhante transição de realidade a pesadelo feito pelo mesmo. Algo que não foi repetido na (muito inferior) refilmagem atual de tal obra.

Embora a fita não tenha a mesma violência do que outras obras do diretor, há sangue em quantidade exagerada. Tanto que, ao todo, aproximadamente 500 galões de sangue artificial foram usados para a realização de algumas cenas. Embora que em algumas seqüências da película, o sangue falso foi substituído por água artificialmente colorida.

“A Hora do Pesadelo” é, de fato, um clássico cinematográfico que merece ser assistido por todos os apreciadores de boas películas ao redor do mundo. Vale lembrar que o mesmo não contém nenhuma reflexão política ou social, nem uma trama muito inteligente. Ou seja, indico aos cultos que passem longe de tal obra. Mas aqueles que só querem se divertir e passar bons tempos tem de verificar tal obra.

Pânico 4 – A Possível Melhor Obra Atual de Wes Craven (Até Que Se Prove o Contrário)

2011-04-29T19:11:00.001-03:00

Na década de noventa o terror havia entrado em decadência. Poucos filmes do gênero haviam sido lançados e um número ainda menor de títulos foi consagrado. Por sorte, Wes Craven, que na época já tinha experiência no campo cinematográfico, apresentou ao mundo a sua mais nova produção em 1996, “Pânico”.

O filme não tinha pretensão de acabar com os clichês apresentados no horror, de fato, este glorificava os mesmos de uma forma nunca vista antes. E talvez seja por isso que tal obra gerou tanto sucesso e teve um impacto tão grande na cultura pop.

Anos depois, em 2011, foi lançada a quarta seqüência da película de Wes Craven, esta sendo realizada pelo próprio. Mas não foi apenas o ilustre diretor que retornou em tal produção, o roteirista e os atores de destaque da produção original também estiveram presentes. Nada poderia dar errado.

Esperançoso, entrei na sessão do filme tentando não criar uma grande expectativa sobre o mesmo, mas isso era simplesmente impossível, afinal a crítica e o público vangloriaram tal obra de modo que eu sabia que o resultado seria bom. Posso dizer que não me arrependi.

Talvez seja porque eu não me recordo das películas anteriores da franquia, mas eu simplesmente amei “Pânico 4” e me surpreendi com todos os pontos apresentados no mesmo.

Devo admitir que no momento que a obra teve seu início, me arrependi te ter esperado tanto pela mesma. Parecia apenas uma paródia cinematográfica que tentava ser levada a sério, ao menos em minha concepção. Mas a partir daí, tudo começou a mudar de face, e tive a impressão que o que antes parecia ridículo, agora parecia ótimo e sem pretensão de ser analisado com seriedade.

Surpreendi-me com o fato que “Pânico 4” não foi concebido em três dimensões. Esta surpresa, no entanto, foi positiva. Afinal, um 3D mal feito pode ser crítico a qualquer película, até mesmo a uma incrível com esta que vos falo.

Eu não recomendo, porém, esta obra de Wes Craven há todos os apreciadores do cinema. Não digo que a apreciação da mesma é restrita. Mas há sempre aqueles que têm aversão a filmes de horror atuais destinados, especialmente, aos adolescentes. Eu, contudo, não tenho nada contra tais produções, desde que elas sejam bem feitas, eu não me importo se são destinadas a idosos ou a infantes.

Sem Limites – A Busca de Inspiração de Eddie Morra

2011-04-22T20:50:00.000-03:00

Um escritor precisa procurar inspiração em algo, qualquer que seja. Portanto, quando o mesmo não a consegue, há de ser tomada providência. Alguns buscam inspiração na bebida, outros no amor, enquanto outros em drogas. E esse último exemplo que o recém lançado “Sem Limites” explora.

A história deste é, com certeza, promissora. Eddie Morra, um escritor que não vê inspiração em praticamente nada encontra seu ex-cunhado que o oferece uma droga experimental ainda em fase de testes. A droga, nomeada NZT, tem a capacidade de fazer com que seu usuário use cem por cento de seu cérebro, não os habituais vinte do qual temos acesso.

Encantado pelo produto, o personagem vê a salvação no mesmo, porém, como em toda a película decente, nem tudo é a maravilha que parece ser. O NZT, apesar dos problemas que causa, salva o protagonista de sua vida medíocre e, em seu apartamento funesto, faz com que este arrecada milhões em poucos dias.

Toda a vez que o até então escritor esta sob o efeito da droga, a iluminação do filme muda drasticamente. O tom fúnebre e esverdeado presente no início da obra, torna-se iluminado e transmite a autoconfiança adquirida por Eddie.

O trabalho visual do diretor Neil Burger e de seu diretor de fotografia Jo Willems certamente deve ser recompensado. Este esta simplesmente impecável, embora não seja a única qualidade presente na película. Não podemos menosprezar a ótima atuação de Bradley Cooper e do já veterano Robert De Niro, além do trabalho competente do resto do elenco.

Talvez seja por que eu o tenha visto sem pretensão alguma, mas eu realmente me surpreendi com o resultado de “Sem Limites”. Com certeza tal filme é altamente recomendado e, provavelmente, o melhor em cartaz – embora eu ainda não tenha tido a chance de verificar o elogiado “Pânico 4” de Wes Craven.

Cães de Aluguel – Assalto, Traição e Desconfiança Cinematográfica

2011-04-15T18:47:00.000-03:00

Um assalto, um traidor e desconfiança. Estes três elementos soam tão clichês, mas nas mãos de um diretor como Quentin Tarantino tornam-se originais e introspectivos. A história de “Cães de Aluguel” trata exatamente destes três temas de forma eficiente, ou seja, até o final do filme o espectador não percebe quem é o traidor.

Os personagens apresentados na trama, magistralmente escrita por Tarantino, são todos bem desenvolvidos e extremamente interessantes. O filme tem a façanha de não apresentar nenhuma figura que se destaque em relação às outras, todas estas são representadas com interpretações igualmente incríveis de Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, entre outros.

Na película é interessante notar que não há um lado bom nem um ruim, como na maioria das obras, há apenas dois lados, o dos criminosos e dos policias – e quando estes se misturam, os problemas começam.

Tal filme fez sucesso considerável e, como resultado, provocou a ascensão de seu diretor e da grande maioria dos atores presentes aqui. Sendo assim, não é preciso afirmar que o mesmo foi elogiado pela crítica, de fato, a revista Times inclusive nomeou o filme como o “melhor filme independente de todos os tempos”.

A influência que a produção obteve na cultura pop foi tanta que inclusive um jogo eletrônico baseado no mesmo foi lançado e a polêmica arredor do título foi imensa, tanto que o mesmo foi proibido na Austrália. Tal produto é tão brutal que no mesmo é possível fazer um policial de refém e torturá-lo cruelmente.

“Cães de Aluguel” é definitivamente um filme mais que recomendado, aposto que o mesmo não decepcionou nenhum de seus telespectadores – exceto aquelas odiáveis pessoas contra a violência cinematográfica.

Sexta-Feira 13 – Parte VI: Jason Vive

2011-04-08T19:29:00.001-03:00

O ano era 1986, o auge do gênero dos filmes de terror adolescentes, mas havia uma franquia que precisava recuperar a (pouca) qualidade de seus primeiros filmes, pois se tudo continuasse do jeito que estava, esta iria terminar de forma infame e desonrosa. Tal franquia chama-se “Sexta Feira 13”.

Foi por sorte que Tom McLoughlin conseguiu ressuscitá-la de forma divertida e gloriosa com sua mais nova criação, “Sexta-Feira 13 – Parte VI: Jason Vive”.

O filme, diferentemente dos outros da série, não buscou entreter buscando influencias no gênero horror, mas sim na comédia. Isso seria um erro, se o resultado não fosse tão bem executado, o que, definitivamente, não é o caso. Longe disso, a película provoca muito mais risadas que grande parte das “comédias” românticas de hoje em dia.

O roteiro apresentado aqui é longe de ser criativo, porém é indiscutivelmente bem escrito. De fato, os personagens apresentados ao longo da película fogem do padrão da franquia. Por exemplo, o ilustre casal que passa o filme inteiro tendo relações sexuais não esta presente, assim como o fracassado obcecado por uma mulher linda que dificilmente ira conquistar.

Como já era tradição desde a parte quatro, esta película segue a história no momento que a anterior parou, embora a mesma ignore alguns dos fatos apresentados na parte cinco. O que é uma benção, pois tal parte foi, no mínimo, sofrível.

Os efeitos especiais, como em grande parte da série, são muito bons – mesmo com a ausência da maquiagem característica produzida por Tom Savini, presente nas primeiras duas partes.

“Sexta-Feira 13 – Parte VI” não é uma obra de arte cinematográfica, de fato, esta longe disso. Mas é indiscutível o fato de que a mesma é divertida e bem concebida, ou seja, um exemplar perfeito de como produzir um filme com o icônico Jason.

Gran Torino – Clint Eastwood no Possível Melhor Filme de 2008

2011-04-01T19:33:00.004-03:00

O estadunidense, em geral, procura cada vez mais adotar uma política liberal e prezar a juventude atual (embora o preconceito e predomine no país). Porém, como sempre, há aquelas almas conservadoras que desprezam tais “virtudes” e, como conseqüência, são pressionados a participarem de um solitário asilo. Sim, estes são os velhos estereotipados do cinema contemporâneo que tendem a cada vez mais aparecer como o alívio cômico de Hollywood em filmes de drama. E não há ninguém melhor para interpretar tais seres do que Clint Eastwood.

Em “Gran Torino”, o ator encarna Walt Kowalski, quase que um “Dirty Harry” envelhecido e com problemas de saúde, que tem como distração desprezar seus vizinhos imigrantes e beber uma cerveja na varanda. Até que o personagem, acidentalmente, torna-se o herói da vizinha e atrai a admiração de seus odiados vizinhos.

A trama parece simples e, de fato, não há muito a ser desenvolvido aqui. Mas a forma que a mesma é retratada na película compensa e, em diversos momentos, provoca risadas.

Com exceção de Eastwood, o resto do elenco não surpreende e, de fato, é inclusive um tanto quanto fraco – com a exceção da ótima Ahney Her no papel de uma das imigrantes. Parte deste meu pequeno desgosto pelos atores aqui presentes é provocada pela participação das gangues retratadas na trama, que estão extremamente estereotipadas e exageradas.

A direção aqui presente também esta impecável, provando que quando Eastwood estiver débil demais pra atuar – ou simplesmente cansar-se de tal ocupação –, poderá muito bem seguir sua Carrera cinematográfica como diretor. Mas não posso simplesmente dar todos os créditos ao ótimo diretor, pois os roteiristas Nick Schenk e Dave Johannson não merecem demérito algum graças ao trabalho espetacular da dupla.

“Gran Torino” é, sem dúvida, uma das mais gratificantes produções de 2008 e seu fado é tornar-se um clássico daqui a alguns anos.

O Poderoso Chefão – Um Retrato Brilhante do Lado Humano da Máfia Italiana

2011-03-25T18:53:00.004-03:00

Criou-se uma lenda sobre as máfias que atuam no cenário americano que dificilmente poderá ser esquecida. O estereótipo de chefão italiano é, provavelmente, o mais usado na história do cinema e, pelo que se tem registro, foi criado por Francis Ford Coppola em “O Poderoso Chefão”.

Não é exagero dizer que o filme é perfeito, principalmente se levarmos em conta que o diretor e o roteirista do mesmo é o genial Coppola. Tudo apresentado aqui é impecável, desde a atuação, até o enredo e a direção.

A máfia apresentada aqui, ao contrário do que em outras películas, mostra o seu lado humano como predominante. E questões como honra e proteção familiar têm papel importante no desenvolvimento da envolvente história.

A atuação presente no filme é, definitivamente, impecável. Atores como Al Pacino e Marlon Brando estão impecáveis em seus respectivos papéis, e os personagens que interpretam são carismáticos e cativantes ao telespectador.

Com uma trama de quase três horas, a película conta a comovente história dos poderosos chefões da máfia italiana de forma magistral, possuindo algumas das mais icônicas cenas da história da sétima arte.

“O Poderoso Chefão” provavelmente é o melhor filme que trata de associações criminosas de sempre. De fato, considero-o melhor até do que “Scarface” e “Os Bons Companheiros” – apesar de não lembrar muito bem deste segundo – outras duas grandes obras do gênero. Assista-o se estiveres procurando por uma produção que reúna uma ótima história, atuação impecável e uma qualidade artística absurda.

A Hora do Espanto – O Clássico Oitentista dos Filmes de Vampiros

2011-03-18T18:45:00.001-03:00

Nos anos oitenta os até então populares filmes de horror com a presença de monstros estavam praticamente falecidos, e havia tempos que uma adaptação ou seqüência do Drácula ou de Frankenstein não estreava mundialmente nos cinemas. O gênero precisava ressuscitar, e assim aconteceu – graças ao divertido “A Hora do Espanto”, escrito e dirigido pelo ótimo Tom Holland.

A primeira cena da película, com uma muita bem executada câmera filmando uma casa á noite, sobreposta por um interessante diálogo ao fundo, mostra o caminho que ira ser seguido no resto do filme. O diálogo, na verdade, vinha de um programa televisivo e, o que realmente estava ocorrendo no interior da casa, era o encontro amoroso do protagonista Charley e de sua namorada Amy.

Ambas as personagens tem um papel essencial para o decorrer do roteiro, o que é realmente muito bom, afinal, os dois são extremamente carismáticos e é possível identificar-se com ao menos um deles.

Os efeitos especiais apresentados aqui são um grande destaque da obra, principalmente pelo fato de que estamos falando de uma produção da década de oitenta. Mas, apesar da época em que foi filmado, o filme supera muitas películas de hoje em dia em relação aos efeitos visuais, graças à excelente maquiagem feita pela "Richard Edlund´s Film Corporation", também responsável pelos efeitos em Caça-Fantasmas.

Mesmo com a presença de uma excelente maquiagem, o orçamento do filme foi de apenas 9,5 milhões de dólares, acabando por render a merecida quantia de 25 milhões.

“A Hora do Espanto” é mais que uma obra divertida e com bons personagens, mas também é um clássico insuperável e, definitivamente, merece ser vista.

Frankenstein de 1910

2011-03-12T18:20:00.001-03:00

Em tempos remotos, a arte cinematográfica não era tão prestigiada quanto é hoje em dia e ninguém se importava com a preservação das películas produzidas na época. Sendo assim, muitas fitas foram perdidas ou, até mesmo, destruídas.

Por essa razão, é quase um milagre quando um filme de mais de noventa anos ainda se encontra no acervo cinematográfico de alguns países. Sendo ainda mais gratificante quando alguém encontra uma película perdida há tempos e a distribui livremente para todos os públicos.

Um excelente exemplo de um filme que, por hora, havia sido considerado perdido e então, achado pela sorte de um homem qualquer é a curiosa primeira adaptação cinematográfica do romance “Frankenstein ou o Moderno Prometeu” de Mary Shelley.

Produzido por Thomas Edison em 1910, o filme conta a trajetória do cientista Frankenstein que, após muitos estudos, finalmente obtém a fórmula da vida. Mas, como tal fórmula é divina, o criador é castigado e sua criação é transformada em um homem com pouca inteligência e beleza física.

Além disso, o preconceito também é levemente abordado na película, pois todos julgam a pobre criação como uma terrível criatura apenas por causa de sua aparência. Outro tema tratado aqui também é a injustiça, embora com menos ênfase que este outro.

Frankenstein não é exatamente um filme excelente, mas sua importância na história cinematográfica é perceptível, podendo este ser considerado uma das primeiras produções de horror já feitas. Portanto, é uma curiosidade presenciar esta primeira aparição da famosa criatura na tela grande.

Kick Ass – Quebrando Tudo

2011-03-04T20:36:00.001-03:00

Todos queremos ser especiais, queremos ser lembrados por algo que fizemos e gostaríamos de servir de inspiração para grande parte da população. Esse é um dos principais desejos da maioria dos seres humanos. Claro que há algumas exceções, mas, no geral, queremos atingir a perfeição.

Este tema de abordagem tão difícil é tratado de forma leve no filme “Kick Ass – Quebrando Tudo”, de Matthew Vaughn, baseado nos quadrinhos de Mark Miller e John Romita Junior.

Tanto a película quanto a obra em que se baseia contam a história de Dave, um adolescente comum que, como todos, quer a garota mais bonita da classe, livrar-se daqueles que o abusam e, principalmente, ser lembrado por seus atos heróicos. Com esse desejo em mente, o personagem encontra apenas uma forma de obter o que deseja – vestindo uma máscara, uma roupa colorida e combatendo o crime.

O que parece simplesmente uma idéia estúpida torna-se um dos mais perigosos meios de atingir o sucesso, isso graças ao assassínio de dezenas de criminosos nas mãos uma discreta dupla de vigilantes. Como tal dupla trabalha nas sombras e não deixa pistas de sua existência, a população mundial conclui que quem esta por trás dessa onda de homicídios é Dave, o inocente personagem principal.

Embora não possa comentar as diferenças entre o filme e a obra em que ele se baseia, pois tive uma leitura muito superficial dos quadrinhos, deixando de ler a maioria de seus capítulos, devo dizer que, pelo que observei, a trama do gibi me parece muito mais matura e desenvolvida. Enquanto que na película, há um festival de clichês na seqüência final.

Há também que elogiar a brilhante atuação da atriz mirim Chloe Moretz, no papel da vigilante "Hit Girl". Parece até que o papel foi realmente feita para esta menina.

Kick Ass é um filme perfeito para uma noite qualquer, onde a vontade de entreter-se predomina na mente do espectador.

Deixe Ela Entrar – Versão Sueca

2011-02-25T09:45:00.000-03:00

Desde os primórdios da sétima arte, a lenda dos vampiros era constantemente explorada para criar as mais diversas histórias fictícias. Naqueles tempos remotos, filmes como “Nosferatu” e “Drácula” assustaram toda uma população com a macabra história de um ser que vive em um misterioso castelo em meio às montanhas.

Anos mais tarde, a população mundial teve o prazer de presenciar o início do século XXI e, pode se dizer, o mundo mudou completamente. Não só o mundo real, mas também o mundo fictício, o mundo da fantasia. Pois enquanto antigamente os vampiros eram seres mitológicos utilizados para transmitir medo, hoje em dia eles são sinônimos de filmes adolescentes de pouca qualidade.

Felizmente, alguns filmes de terror ainda tendem a explorar estes seres tão misteriosos em sua forma clássica. Um exemplo disso pode ser visto no filme sueco “Deixe Ela Entrar”, de 2008.

A produção é baseada em um livro de contos do também sueco escritor John Ajvide Lindqvist, que retrata a história de um menino de doze anos nomeado como Oskar, que se aproxima de um vampiro castrado de feições extremamente femininas, Eli.

Enquanto que no livro o escritor deixa bem claro que o vampiro apresentado na trama é um menino, só que com seu órgão sexual mutilado, na película baseado no mesmo este detalhe torna-se imperceptível a maioria dos espectadores. Isso porque para a filmagem da cena de mutilação, era preciso mutilar um animal vivo – no caso, um porco. Porém, Tomas Alfredson, o diretor responsável pela filmagem desta seqüência, sentiu certo dó pelo pobre porco a ter um de seus principais órgãos cruelmente arrancado, assim deixando o animal com seu precioso pertence.

A produção fez um sucesso considerável pelo mundo todo, e a crítica só pôde reclamar da exclusão da cena de mutilação, sendo assim uma versão americana baseada no mesmo livro de contos que “Deixe Ela Entrar” foi lançada. E não, não foi incluída a cena de mutilação na versão americana.

Este inspirado filme sueco é marcado por sua direção e fotografia inspiradas e, obviamente, uma atuação beirando ao excelente. É sem dúvida uma produção para ser lembrado nas próximas gerações e deve ser usado como inspiração para novas películas nacionais e internacionais.

Os Cinco Filme Mais Violentos de Todos Os Tempos

2011-02-20T20:00:00.004-03:00

Até o final da década de sessenta, o cinema raramente apresentava cenas de violência explícitas. Isso devido ao chamado Código Hays, que tinha o objetivo de proteger a população mundial em relação a cenas explícitas e desvirtuamento de valores.

Porém, por volta de 1968, tal código foi esquecido, e o banho de sangue nas telas teve seu início, principalmente nas películas de horror.

A seguir, a lista de alguns dos filmes que mais chocaram e criaram polêmica em sua época, indo do terror aos filmes de gangsteres.

Quinto Lugar – SCARFACE (Scarface, EUA, 1982)

Esta refilmagem do polêmico clássico “Scarface – A Vergonha de Uma Nação” de 1932 é marcado por um número exagerado de palavras de baixo calão, ao todo, 182 vezes foram usadas a palavra “fuck”.

A película também é marcada por uma clássica cena onde o personagem principal assiste seu amigo sendo cortado por uma serra elétrica, além da presença de diversas outras cenas de violência.

Quarto Lugar – LARANJA MECÂNICA (A Clockwork Orange, RU, 1971)

A película conta a história de um grupo de adolescentes cultos e ricos que tem como passatempo sair à noite para cometer atrocidades. Então, se tu quiseres ver este filme, prepare-se, pois violência física e psicológica não falta aqui.

Terceiro Lugar – ANIVERSÁRIO MACABRO (The Last House on the Left, EUA, 1972)

“Aniversário Macabro” é um filme tão violento, mas tão violento, que eu nunca tive coragem de vê-lo. Na verdade, eu nunca vi tal película, pois eu não a encontro em lugar algum, além do pequeno fato de eu achar que a produção não é exatamente do meu tipo.

A história basicamente mostra o aniversário de dezoito anos da pobre Mari. Acontece que o que era para ser uma grande celebração torna-se um dos piores dias da vida da jovem, que acaba sendo estuprada, espancada e tem seus órgãos arrancados. Lindo isso, não?

Segundo Lugar – CANIBAL HOLOCAUSTO (Canibal Holocaust, ITA, 1980)

Dirigido pelo italiano Ruggero Deodato, “Canibal Holocausto” é marcado por um número exagerado de cenas de gore, violência sexual e desvirtuamento de valores. O diretor foi até mesmo preso pela obscenidade usada em seu filme. De fato, as cenas de violência mostradas aqui foram consideradas tão reais, mas tão reais, que Ruggero teve de provar que os atores que trabalharam na película realmente não morreram.

É curioso o fato que foram usadas seis mortes de animais reais para a filmagem desta produção, tudo com o intuito de chocar ainda mais a sociedade.

Primeiro Lugar – A HISTÓRIA DE RICKY (Riki – Oh, China, 1991)

Baseado na obra de Masahiko Takajo, “A História de Ricky” é, provavelmente, o filme mais violento já feito. A violência aqui não é psicológica e nem verbal, mas sim extremamente exagerada. Por exemplo, há uma cena onde um presídiario tenta enforcar seu inímigo com suas próprias tripas. Sem dúvida este é um filme romântico, assim como todos os outros listados aqui.

Jogos Mortais – O Final

2011-02-13T13:30:00.002-02:00

Em 2003 foi marcado o início da franquia contemporânea de filmes de terror mais lucrativa de todos os tempos. Dirigido por James Wan, uma pequena curta metragem marcou o início dos jogos. Nela, o jovem David tem o cruel trabalho de assassinar um pobre homem para salvar sua vida.

Passaram-se anos e, em 2010, a franquia finalmente chegou ao seu fim com “Jogos Mortais – O Final”. Produzido em 3D, o final foi marcado pelo maior número de armadilhas de toda a série – onze ao todo.

A história mostrada aqui é, como sempre nos filmes da série, muito boa, embora um tanto quanto confusa para quem não se lembra das películas anteriores. Além disso, os efeitos especiais nas armadilhas foram bem elaborados.

Infelizmente, não tive a oportunidade de assistir a cópia em 3D, mas devo dizer que este efeito não fez falta.

Há também muita violência aqui, sendo este provavelmente o produto com mais violência explícita de toda a série, devido ao número exagerado de armadilhas.

“Jogos Mortais – O Final” definitivamente não é o melhor filme da franquia, assim como também não trás muita qualidade cinematográfica, mas mesmo assim, é uma película que garante muita diversão e entretenimento.

Oscar 1929 – A 1ª Entrega dos Prêmios da Academia

2011-02-08T13:55:00.003-02:00

Antigamente, o Oscar não era este lucrativo evento televisivo que é comentado freqüentemente pelo ano inteiro, mas sim um modesto festival com cinco júris, doze categorias, e sem transmissão ao vivo. Naquela época, ninguém poderia pensar que anos mais tarde este pequeno evento se tornaria um fantástico acontecimento.

Ocorrendo em 16 de maio de 1929, a primeira cerimônia foi marcada pela sua pouca duração, apenas quinze minutos constituídos por entrega de prêmios. Aproximadamente 250 pessoas compareceram ao local, pagando cada uma cinco dólares para entrar no evento.

O júri era composto por cinco cinéfilos, que decidiram quais os ganhadores e concorrentes de doze categorias.

Dois prêmios especiais foram entregues naquela ilustre noite, sendo um para Charlie Chaplin, graças a sua atuação, direção, produção e roteiro escrito para o filme mudo “O Circo”. E o outro para os irmãos Warner, pela produção da primeira longa metragem falado da história cinematográfica, “O Cantor de Jazz”.

Na categoria de melhor película, apenas três concorreram – “Asas”, “O Sétimo Céu” e “A Lei dos Fortes” –, sendo “Asas” a ganhadora. Enquanto que na categoria de melhor ator, Emil Jannings ganhou de seu rival Richard Barthelmess (concorrendo por “Segredo da Morte” e “The Patent Leather Kid”), graças a sua brilhante atuação em “Tentação de Carne” e “O Último Comando”.

Curiosamente, ouve também uma categoria de melhor filme de produção de qualidade artística. Os concorrentes a este prêmio foram os filmes “A Turba”, “Aurora” (que foi o ganhador) e “Chang”.

A ganhadora da categoria de melhor atriz foi Janet Gaynor, por sua atuação em “Sétimo Céu”, “O Anjo das Ruas” e “Aurora”. Concorrendo junta a Louise Dresser e Gloria Swanson, pelos filmes “A Outra Pátria” e “Sedução do Pecado”, respectivamente.

O prêmio de melhor diretor de uma película dramática foi concebido a “Frank Borzage” por “Sétimo Céu”. Os outros concorrentes foram Herbert Brenon, por “Lágrimas de Homem”, e King Vidor, por “A Turba”. Enquanto que o ganhador de melhor direção em um filme cômico foi Lewis Milestone, por “Dois Cavaleiros Árabes”, concorrendo junto a Ted Wild, pelo filme “Speedy”.

Além destes conhecidos prêmios apresentados em todas as outras cerimônias, também foram concebidos troféus as categorias de melhor roteiro original e adaptado – sendo esta uma categoria extremamente importante até os dias de hoje –, melhor entre titulagem, melhor direção de arte, entre outros.

Atualmente, estamos todos ansiosos para a próxima edição deste popular evento, mas será que esta 83ª Entrega dos Prêmios da Academia valerá realmente à pena e será tão interessante quanto à primeira edição? Só nos resta esperar para ver.

Tempos Modernos - Análise da Obra Prima de Charlie Chaplin

2011-01-31T00:55:00.001-02:00

Por volta de 1915, os Estados Unidos era um país triste e que vivia em meio de fome, crise e violência. Era preciso que alguém alegrasse não só aquele país, como também o resto do mundo. Então veio Charlie Chaplin e, com muito bom humor, teve a honra de provocar toneladas de risadas neste mundo deprimente. E, pouco mais de 20 anos depois, o humorista, mesmo com a depressão pós guerra, ainda fazia o que nasceu para fazer – a comédia.

Em seu quinto filme junto a produtora United Artists, Chaplin critica a modernidade industrial e passa as mensagens que as máquinas podem ser boas, mas apenas se usadas para o bem da humanidade, não por dinheiro. Não é preciso de uma industrialização, por exemplo, é muito mais fácil tirar o leite direto da vaca.

As máquinas consumem o protagonista Carlitos até a sua loucura, quando o homem percebe que viver ao lado destes instrumentos não é viver, e assim decide fazer tudo de seu próprio jeito.

Como sempre, há uma mulher, ou melhor, várias mulheres. Mas apenas uma delas, a mais pobre e solitária, não compartilha da frieza e arrogância das outras. Aquela era a mulher perfeita, a mulher pela qual o protagonista arrisca sua vida.

Os policiais aqui são retratados como os vilões, enquanto os ladrões são os bonzinhos. Por quê? Porque para eles não há oportunidades, não há comida, tudo que eles querem é comer, e é por isso que eles roubam.

“Tempos Modernos” é uma obra de valor, e talvez uma das melhores comédias de todos os tempos. Não vejo porque colocar uma nota numérica para definir a qualidade deste filme, não vejo por que fazê-lo. Palavras sempre valem mais do que números.

Dracula de Bram Stoker

2011-01-26T00:08:00.002-02:00

Em meio às montanhas, em um obscuro castelo na Transilvânia, uma criatura sobrenatural, aprisionada entre as trevas, espera impacientemente o momento de alimentar-se novamente. Porém, as isoladas terras de parte da Romênia não costumam proporcionar muitas refeições. Sendo assim, o vampiro Drácula, vê como solução mudar-se para Londres e, assim, encontrar não somente o saboroso sangue que procura, mas também seu amor verdadeiro.

Esta premissa soa como extremamente clichê, porém se desenvolva de forma maravilhosa nas mãos de Francis Ford Coppola (renomado diretor da trilogia “O Poderoso Chefão”).

A atuação aqui fica por parte dos famosos Gary Oldman, Anthony Hopkins, Keanu Reeves, além de outros. Este ponto é quase impecável, se não fosse pela presença do pouco inspirado Keanu Reeves no papel de um dos protagonistas.

A direção, obviamente, também é ótima, afinal ela é assinada por Coppola, e ele nunca errou em nenhum de seus filmes de Hollywood.

Drácula de Bram Stroker é, definitivamente, um filme que realmente vale à pena. Com certeza esta é uma grande obra do cinema do horror e merece uma Nota 10.

Monty Python – O Sentido da Vida

2011-01-16T18:10:00.000-02:00

Quem sou eu? Quem é você? Por que estamos aqui? Seria a raça humana uma piada feita por Deus? Por que vivemos? Seria o Monty Python o grupo mais adequado para explicar tudo isso? Pois é exatamente todas estas questões que o grupo humorístico britânico tenta explicar nesta sua obra hilária do cinema britânico.

Dividido em diversos capítulos, cada um representando um período distinto da vida humana, humoristas brilhantes ao exemplo de Eric Idle, John Cleese, Graham Chapman, Terry Jones e Michael Palin fazem papéis inesquecíveis e hilários protagonizando, cada um, em torno de três ou quatro personagens.

Aqui a direção fica por conta do também ator Terry Jones e, em parte, do brilhante Terry Gilliam – que mais tarde viria a produzir obras de arte cinematográficas como “Brazil – O Filme” e “Os 12 Macacos” –, esta sendo um dos pontos mais brilhantes do filme, junto ao excelente roteiro escrito pelo grupo composto por Graham Chapman, John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle e Terry Jones.

Durante os 107 minutos de projeção o espectador é apresentado a cenas antológicas que apenas os Pythons têm a capacidade de apresentar. Há também muita crítica e humor negro embutido aqui, resultando em um impressionante festival de desvirtuamento de valores éticos.

“O Sentido da Vida” é sim um dos trabalhos mais irregulares do grupo, mas diverte de um modo único, do jeito que só o Monty Python sabe fazer. A Nota 8,8 é mais do que merecida para esta película.

O Massacre da Serra Elétrica – O Início

2011-01-09T21:20:00.001-02:00

Nunca houve retrato mais brutal do inferno do que o mostrado na grande obra de Tobe Hooper, “O Massacre da Serra Elétrica”. Aquilo era horrível – humano algum merecia qualquer tipo de experiência como aquela. Esta não é uma história real, isso é fato, mas se fosse, ninguém teria razão alguma de duvidá-la.

Mas toda a história tem um começo, assim como a maioria das franquias cinematográficas de sucesso tem um produto com subtítulo de “O Início”. Não podendo deixar de ser, essa horripilante obra de Hooper ganhou sua origem em 2006 – o que parecia incrivelmente desnecessário há alguns anos atrás.

Tudo que não havia sido explicado nos filmes anteriores da série havia de ser detalhadamente contado no “Início”, porém tais películas não deixaram muitos fatos sem explicação. Tudo que restou foi explicar como “Leatherface” conseguiu sua máscara e quem era sua mãe, mas ninguém realmente parecia interessado por isso.

Graças aos céus o diretor responsável pela origem de uma das mais macabras produções da história da humanidade realmente sabia o que estava fazendo, e o seu filme tornou-se uma enorme homenagem ao cinema de Tobe Hooper.

Tudo que havia na obra original foi traduzida em sua adaptação, só que em menor quantidade – há menos suspense, diversão e brutalidade, mas tudo continua ótimo como antigamente.

A história transmitida aqui conta a emocionante trajetória de um inocente grupo de adolescentes que fizeram uma viagem acidental a caminho de uma casa de canibais e, simultaneamente, a curiosa ascensão do famoso “Leatherface”. De fato, tal personagem é tratado nesta película com muito mais profundidade do que no filme original.

Dirigido por Jonathan Liebesman, a obra conta com um incrível nível de violência extrema – incomum em outras produções hollywoodianas atuais. Os efeitos especiais também cumprem seu papel, principalmente por causa da bem feita maquiagem.

“O Massacre da Serra Elétrica – O Início” é uma ótima tentativa de reproduzir o típico cinema de horror setentista com uma leve mistura do cinema atual. Embora este seja um tanto quanto superficial – principalmente em comparação a obra de Tobe Hooper – merece ao menos uma Nota 8.

Scarface - A Obra Definitiva dos Filmes de Gangsteres

2010-12-30T23:15:00.001-02:00

Todo homem já teve a idéia de fugir até os Estados Unidos e iniciar uma carreira criminosa. Contudo isso é uma tarefa difícil e faltaria muita coragem para concluir o processo – ou até começá-lo. Graças a este desejo irrealizável foram criados os filmes de gangsteres, onde podemos chegar o mais próximo possível deste sonho. E não há maior exemplo deste tipo de película do que em “Scarface” de Brian de Palma.

Toda vez que eu olho essa pérola tenho a sensação de que meu nível de masculinidade houvesse aumentado. Sinto-me como se eu estive repentinamente no mundo do tráfico e da violência, com mafiosos gananciosos por todos os lados. É incrível!

Grande parte desta sensação se deve ao fato de que Al Pacino esta presente como protagonista nesta obra, e Deus sabe como ele atua bem.

Também é importante relatar que “Scarface” é a refilmagem do filme homônimo de 1932. Filme este que nunca foi visto por mim, mas se o mesmo tiver ao menos um quarto da qualidade de sua releitura, eu o amarei.

O vocabulário usado na fita é fino e respeitoso, só a palavra inglesa “fuck” é usada 182 vezes ao longo da obra. Contando ainda com muitos “shits” e “pussys”.

O roteiro presente nesta perola é inesquecível, tanto que diversas falas usadas no mesmo tornaram-se popularmente famosas e usadas em outras películas. Há também muitas cenas clássicas e copiadas por outros filmes aqui – destacando principalmente a invasão final presente aqui.

Podemos facilmente concluir que ”Scarface” não é só uma obra revolucionária e merecedora de uma ilustre Nota 10, como também é um clásico insuperável do cinema americano.

Cinco Refilmagens de Filmes de Terror ou Suspense Para Não Assistir Antes de Morrer (E Nem Depois)

2010-12-20T19:00:00.002-02:00

Assistimos ao mesmo filme diversas vezes ao longo de nossas, isso se tal filme demonstrar uma boa impressão na primeira assistida. Não importa se nós já sabemos de cor o que ira acontecer no início, no meio e no fim – assisti-lo sempre será uma agradável surpresa.

Contudo, em alguns casos, as fitas tão amadas continuam a dar lucro mesmo anos depois de serem lançadas. Assim sendo, gananciosos semi-diretores decidem se aproveitar de todo o sucesso de uma franquia lançando um produto com o nome idêntico e um roteiro muito semelhante à mesma, porém com uma qualidade completamente nula.

O mundo esta cheio de refilmagens péssimas e sofríveis, contudo citarei neste catálogo apenas cinco exemplares destes pratos cheios pra quem gosta de bosta.

PSICOSE (Psycho, EUA, 1998, cor, 109 min.)

“Psicose” de Gus Van Sant é – além de uma lamentável releitura da fantástica obra de Alfred Hitchcock – essencial. Essencial porque mostra exatamente como não fazer uma refilmagem. De fato, esse troço quase nem é uma refilmagem, é praticamente uma cópia mal feita do filme original.

Tudo que encontramos em “Psicose” de 1960 também encontramos aqui, no entanto, o roteirista teve ainda a infame idéia de adicionar cenas de nudeza e masturbação a trama.

A HORA DO PESADELO (A Nightmare on Elm Street, EUA, 2010, 95 min.)

A Hora Do Pesadelo de Wes Craven não era só um filme de terror – mas sim era uma obra de arte mágica e encantadora. Provavelmente eu só digo isso, pois esta foi a primeira película de horror que eu vi em toda minha vida, mas eu simplesmente a amo.

Filmá-la novamente em 2009 com um roteiro mais fraco e apelativo, atores ruins e, impressionantemente, efeitos especiais de quinta categoria não me pareceu uma boa idéia. Pois é, ainda mais porque a pessoa que dirigiu isso foi um diretor de videoclipes.

O CHAMADO (The Ring, EUA, 2002, 115 min.)

A versão norte americana do filme japonês “Ringu” não é ruim, mas é desnecessária. Afinal, o filme original foi lançado apenas quatro anos antes da releitura e tudo que os americanos fizeram foi adicionar uma quantidade considerável de clichês e efeitos especiais desnecessários à trama.

O GRITO (The Grudge, EUA, 2004, cor, 96 min.)

A refilmagem do fantástico filme oriental “Ju-On” é talvez uma das mais lucrativas – acontece que lucro não é sinônimo de qualidade. “O Grito” até se esforça para ser levado a sério, mas não tem um pingo de qualidade em comparação a película em que se baseia. Some isto a maquiagem ruim e roteiro incoerente e temos um dos piores remakes já lançados neste planeta.

O PADRASTO (The Sterfather, EUA, 2009, cor, 101 min.)

Devo admitir que nunca tive a oportunidade de assistir “O Padrasto” de 1987, pois não encontro o filme em lugar algum. Mas se essa pérola oitentista tiver noventa por cento da “horribilíssimidade” – provavelmente esta palavra nem existe, mas não encontrei algo melhor para me expressar – de sua refilmagem de 2009, foi passar bem longe desta.

Acontece que “O Padrasto” é tão ruim que eu nem me lembro de ter assistido a esse filme até o final. De fato, todas as refilmagens citadas aqui são tão horríveis que eu não me lembro de ter assistido nenhuma delas até o final.

Titãs - A Vida Até Parece Uma Festa

2010-12-12T20:15:00.000-02:00

Três jovens unidos pelo mesmo sonho, tornar-se uma estrela do rock. Assim começa a emocionante história de um dos maiores e mais influentes grupos da história da música brasileira.

Formado por Branco Mello, Marcelo Fromer e Tony Bellotto, o “Trio Mamão e as Mamonetes” tinha tudo para fazer sucesso – menos um som maduro e relevante. Lembrando uma cópia do Blitz, o trio percebeu que não era bom logo em 1981, decidindo por formar um novo conjunto maior e mais ambicioso.

O conjunto ficou conhecido como “Titãs do Iê, Iê, Iê” e – posteriormente – somente como “Titãs”. Com um som mais amadurecido em relação à banda passada, os antes três – agora nove – correram pela oportunidade de gravar um álbum e adquirir seguidores.

Com o primeiro álbum lançado, convites para apresentações na televisão passaram a serem mais freqüentes para os jovens e, rapidamente, estes já tocavam para milhares de pessoas agrupadas em imensos estádios.

O sucesso parecia eterno, aquilo precisava ser registrado e lançado ao grande público. Assim sendo, Branco Mello decidiu por equipar sua câmera de vídeo e filmar um documentário retratando o dia a dia de seu grande grupo.

Intitulado como “Titãs – A Vida Até Parece Uma Festa”, o filme tem a benção de retratar detalhadamente a trajetória do antes e do agora do grupo.

A direção é feita exclusivamente por Branco Mello e pelo renomeado Oscar Rodrigues Alvez – que já havia dirigido o clipe de “Epitáfio”. A dupla teve a sorte de dispor milhares de fitas para a produção da película, retratando de forma épica momentos mais íntimos da banda.

A edição do filme é tão ágil que quando o mesmo chega ao fim temos aquela frustrada sensação de “Ué? Já acabou?”. Mas isso não importa, afinal, nesses preciosos noventa e cinco minutos de pura diversão, emoção e – por mais incrível que pareça – tristeza, vemos tudo o que esperamos ver em relação a este grande conjunto musical.

Resumir tudo isso em uma nota não é tarefa difícil. Afinal, só um ser completamente contra a música e o cinema brasileiro, daria ao filme uma nota menor que 9,5 (ou não).

Janela Secreta - Uma Obra de Arte Pouco Valorizada

2010-12-05T00:31:00.001-02:00

Johnny Depp faz parte de um pequeno grupo de atores que podem dizer que em mais de vinte anos de carreira, raramente participaram de um filme ruim. “Janela Secreta”, não é uma exceção.

Baseado no famoso livro de Stephen King, “Janela Secreta” poderia ser apenas mais uma película noturna que, apesar de proporcionar alguns sustos, seria esquecida logo ao amanhecer do dia seguinte. Mas Depp tem tanto estilo e presença em tela, que a obra se torna algo mais.

A história de tal obra gera em torno de um interessante escritor, que embora desfrute do sucesso comercial, tem a vida marcada por problemas com divórcio e traição. Porém, tudo passa de mal a pior na vida do escritor quando este se depara com um curioso personagem de Mississipi que alega ter sido plagiado pelo protagonista.

O roteiro, apesar de não transparecer originalidade e qualidade a primeira vista, mantém o espectador entretido do início ao fim.

A atuação, principalmente – mas não exclusivamente – por parte de Depp, é perfeita. Os atores realmente se incorporam dentro do papel. É possível facilmente perceber que noventa por cento do que vemos na tela é improvisação, não somente um simples decoreba do que estava escrito no roteiro.

Aparentemente poucos valorizaram a qualidade de “Janela Secreta”. A crítica, no geral, não foi positiva, e menos que metade dos críticos americanos elogiaram este filme. O que é uma pena, afinal tantas películas extremamente deploráveis e comerciais receberam uma recepção incrivelmente maior por parte dos jornais e das revistas especializadas do que esta pequena obra de arte.

Esta exímia produção de suspense merece muito sucesso, reconhecimento e, é claro, uma merecida Nota 9. Isso por que tal filme é realmente muito bom, mas também não é perfeito.

Harry Potter e As Relíquias da Morte - Parte 1

2010-11-30T22:00:00.002-02:00

Acompanhei a saga desde seu começo, li todos os livros e assisti a todos os filmes. E posso dizer que Harry Potter irá fazer falta, afinal o mesmo será substituído temporariamente por “Crepúsculo” – que definitivamente não é uma grande série.

Após meses de espera para um novo filme, a saga do bruxo provavelmente mais famoso do planeta finalmente tem seu retorno triunfante e chega a seu quase final.

Lançado em duas partes – a segunda a ser lançada no ano que vem – a adaptação cinematográfica de “Harry Potter e As Relíquias da Morte” deixa de lado os elementos extremamente fantasiosos dos primeiros filmes da saga e apela para um lado mais sombrio, deixando de lado o público infantil. Há ainda elementos de drama e suspense presentes em toda a película.

O roteiro do filme é excelente e impressionantemente fiel ao produto em que se baseia. Por isso vá ao cinema esperando menos ação e muito mais falatório e embromação do que nos outros filmes da série – não que isso seja um ponto ruim, afinal as outras adaptações, com exceção as três primeiras, sempre tiveram um tom de resumo.

Outro detalhe que chama atenção nas “Relíquias da Morte” é sua direção e fotografia, extremamente semelhante a do filme anterior. Há também uma ótima trilha sonora presente na película, junta com excelentes efeitos especiais – um dos melhores na série.

“Harry Potter e As Relíquias da Morte Parte 1” é, até o presente momento, a melhor obra cinematográfica envolvendo o menino Potter. Eu sei que muitos irão discordar, mas uma Nota 10 é indispensável para esta.

Terror Urbano - Pombas, Tribos Urbanas e Maconheiros

2010-11-20T00:20:00.000-02:00

Nunca entendi por que a pomba é considerada o símbolo da paz. Quer dizer, quando eu penso neste ser, não me lembro exatamente de paz e amor – mas sim de repugnância, miséria e violência. Por quê? Ora, pois estas insistem em assombrar a vida dos seres humanos depositando suas fezes em nossas cabeças, isso graças a sua precisa mira anal – da qual o tiro sai sempre certeiro.

É triste sair ao centro da cidade grande e ter de tomar extremo cuidado com pequenas aves brancas. Santo Deus, como é ruim saber que as ruas mais movimentadas de nossos lares estão cada vez mais inabitáveis.

Mas infelizmente, a pomba não é o único infortúnio que encontramos ao rondar qualquer área urbana, afinal, o humano ainda desfruta do poder dos maconheiros e dos jovens assaltantes – aqueles que são capazes de matar por um pedaço de pizza. Diferenciar um maconheiro de um jovem assaltante é simples: já que enquanto o maconheiro precisa de dinheiro para consumir maconha, o jovem assaltante precisa de dinheiro para não apanhar do pai. Lindo isso, não?

Maconheiros e pombas são ruins, isso é fato, mas estes não são tão ruins quanto às tribos urbanas. Mas então, o que diabo é uma tribo? Ora, uma isso é, basicamente, um grupo de adolescentes revoltados por nenhum motivo aparente. Nada que pareça infernizar muito a vida dos habitantes de uma cidade grande, não é? Porém, acontece que de vez em quando duas destas tribos decidem brigar simplesmente para lutar por algo, resultando em caos e irritação ao cidadão honesto e trabalhador.

Pois então, significa que ao andar inocentemente por áreas urbanas encontramos pombas repugnantes, maconheiros, jovens assaltantes e tribos de adolescentes revoltados? Pois é, com tanta “horroridade” por aí, quem precisa de filmes de terror para se assustar?

The Killing - O Grande Golpe

2010-11-07T12:40:00.000-02:00

Em 1956 Stanley Kubrick ainda não era o cineasta experiente e grandioso que se tornaria anos depois, mas já era perceptível que o mesmo tinha talento. Prova disso é sua obra “O Grande Golpe”, que anos depois influenciaria grandes mentes do cinema a produzirem seus próprios filmes de crime.

Pois então, o que teria esta película cinematográfica de tão especial? Praticamente tudo que um filme do Kubrick tem de especial, só que em doses um pouco menores, afinal o mesmo era novato e inexperiente, não tendo ainda uma oportunidade de mostrar seus talentos para o público em geral. Mas mesmo assim, este conseguia agradar ao público muito melhor do que outros diretores com anos de experiência.

Dirigido pela dupla Harris-Kubrick – que mais tarde viria a produzir outros dois filmes –, “O Grande Golpe” consegue atrair o espectador apenas após os primeiros vinte minutos de projeção, afinal o começo de tal obra é confuso e não lembra em nada uma boa película – principalmente pelo fato da narração em terceira pessoa. Porém, por sorte a inicialmente irritante forma de narração parece um ponto imperceptível ao longo do filme e o roteiro começa a ficar cada vez mais interessante.

E falando em roteiro, este é escrito pela brilhante dupla Jim Thompson e Stanley Kubrick, adaptando magistralmente o romance de Lionel White, “Clean Break”. É indiscutivelmente ótimo, principalmente pelo seu intrigante – e até mesmo cômico – final.

A atuação presente na película, apesar de não ser tão magnífica quanto a de projetos posteriores do diretor, também não deixa a desejar – contando com atores pouco conhecidos, porém competentes.

É curioso o fato que este “O Grande Golpe” não foi sucesso de bilheteria, e nem ao menos de crítica. Embora anos depois, o mesmo acabou por ser tornar um clássico absoluto do cinema Cult.

“O Grande Golpe” não é uma obra de arte perfeita, mas ao menos tem a capacidade de agradar o espectador do início ao fim. Uma Nota 9 seria perfeita para este.

Pulp Fiction - A Obra Prima de Quentin Tarantino

2010-10-31T21:30:00.001-02:00

Em 1992 Quentin Tarantino provou a indústria cinematográfica que era um ótimo diretor, mas foi apenas dois anos depois que o mesmo provou ser um dos melhores cineastas de todos os tempos. Uma prova de toda sua genialidade é justamente seu segundo filme profissional, “Pulp Fiction”. Por quê? Ora, pois este é um dos melhores filmes já feitos em todos os tempos.

Produzido de forma independente por Lawrence Bender – que já havia participado de outro filme com o diretor –, tal película se revela como uma verdadeira obra de arte logo em seu início, com direito a diversas referências a cultura pop. Mantendo-se ótimo e incansável até seu final.

O roteiro escrito por Roger Avary e Quentin Tarantino, assim como a direção de Tarantino, são os que mais contribuem para a excelência de tal película. Embora a atuação da mesma também seja ótima, com direito a uma das melhores performances de John Travolta em toda sua carreira – além de, é claro, as interpretações excelentes de Samuel L. Jackson, Uma Thurman e Bruce Willis.

Também é perceptível ao espectador que tal obra – apesar de ser uma das primeiras do diretor – mostra todas as características que Tarantino usaria em seus próximos filmes. Revelando desde sua fascinação por pés humanos – que seria ainda mais explorada em “Kill Bill” –, até sua narrativa fora da ordem cronológica.

É também extremamente visível nesta película as influências por parte do clássico “O Grande Golpe”, “Kiss Me Deadly” além de outras produções cinematográficas de sucesso. Sendo também perceptível o uso de diversas características das revistas alternativas americanas neste “Pulp Fiction”.

Sem dúvida, esta obra de arte não só é uma ótima diversão, como também é um marco na cultura pop. Tanto que tal fita na possui apenas uma, como mais de três cenas marcantes e bem elaboradas. Quer dizer, quem não acha bacana ver Samuel Jackson recitando segmentos da bíblia antes de executar friamente um pobre indivíduo. Sem tirar o crédito também da hilária cena de dança protagonizada por John Travolta e Uma Thurman.

Tanto por suas cenas marcantes, quanto por sua ótima direção e roteiro, “Pulp Fiction” merece entrar na lista dos melhores filmes de gangsteres de todos os tempos. E é por isso que considero este uma película Nota 10 de primeira categoria que vale à pena ser conferida.

Meus Cinco Diretores de Cinema Favoritos

2010-10-25T23:34:00.003-02:00

Seja na literatura, na música, ou em qualquer tipo de mídia há sempre alguém que se destaca mais que outros - seja por sua originalidade ou ousadia. Sendo assim, é possível destacar grandes personalidades em qualquer forma de arte, principalmente no cinema.

Mas então, como determinamos qual é o homem mais talentoso que se destaca em qualquer forma de entretenimento? Simplesmente pelo nosso gosto pessoal. Por exemplo, Alfred Hitchcock é uma grande e bastante conhecida personalidade cinematográfica, mas não é por isso que todos o acham grande e talentoso.

Mas quanto a mim, o escritor desse blog, qual seria o diretor cinematográfico que eu acho mais talentoso e importante? Ora, determinar apenas um ser é tarefa para poucos. Portanto listarei cinco dos diversos grandes diretores de cinema que já existiram. Mas lembre-se, esta é minha opinião, se a sua é diferente, não tenha vergonha e a mencione na barra de comentários abaixo.

Alfred Hitchcock ("Psicose", "O Homem Que Sabia Demais", "Vertigo", "Janela Indiscreta")

Quando tinha quatorze anos, Alfred Hitchcock nunca iria imaginar que viria a se tornar o mestre do suspense anos depois. Afinal o jovem havia acabado de deixar a escola e de perder o pai, tendo que sustentar sua família com o insignificante salário de um fabricante de cabos elétricos.

Mas em 1920, Alfred milagrosamente iniciou carreira como editor, tornando-se responsável por fazer as telas de texto que identificavam os diálogos dos filmes mudos produzidos pela “Paramount Pictures”. Até que em 1925 o mesmo foi promovido a diretor, graças a sua impressionante criatividade, lançando um ano depois seu primeiro suspense.

Desde então, as principais características do cinema de Hitchcock começariam a aparecer. E à medida que o tempo passou, suas características tornaram-se tão gritantes, que era extremamente fácil identificar um filme do diretor apenas após alguns minutos de projeção.

Stanley Kubrick ("O Iluminado", "Laranja Mecânica", "2001", "Nascido Para Matar")

Assim como Hitchcock, os filmes de Kubrick são facilmente identificáveis graças aos seus traços demasiadamente gritantes. Porém ao contrário do mestre do suspense, Stanley não agradava a todos os públicos graças às constantes cenas de violência física e psicológica presentes em seus filmes. E como se isso não bastasse, tal cineasta tinha o costume de adaptar livros para o cinema, deixando os escritores das obras originais furiosos pelas mudanças de roteiro que o mesmo costumava fazer.

Mas mesmo com tantas controvérsias, Kubrick é considerado como uma das mentes mais brilhantes (e enigmáticas) da história. E eu digo que ele também é um dos melhores diretores da história. Quer dizer, cite ao menos dois filmes horríveis em sua filmografia. Tu encontraras no máximo um, garanto.

Francis Ford Coppola ("Apocalipse Now", "Trilogia O Poderoso Chefão", "Drácula de Bram Stoker")

Apesar de ser conhecido popularmente como o ilustre diretor da trilogia “O Poderoso Chefão”, da película de guerra “Apocalipse Now” e da incrível adaptação literária “Drácula de Bram Stoker”, Coppola ainda tem inúmeras outras pérolas presentes em seu currículo.

Nascido em Detroit, em 1939, e criado por uma família ítalo-americana em Nova Iorque, o diretor já foi criado como um artista – afinal, sua mãe era atriz e seu pai compositor. Iniciando a carreira cinematográfica em 63. Mal sabia ele que anos depois se tornaria um dos maiores diretores de Hollywood e produziria diversos clássicos importantíssimos para a história cinematográfica.

Quentin Tarantino ("Kill Bill", "Cães de Aluguel", "Bastardos Inglórios", "Pulp Fiction")

Quando jovem Quentin Tarantino era um aficionado fã de cinema graças a seu emprego muito próximo aos VHS – atendente de uma locadora. Como empregado no local, Tarantino tinha qualquer fita que não fosse locada por algum cliente a sua disposição. Assim então a paixão pelo cinema alternativo cresceu no futuro cineasta, e anos depois, o mesmo traria toda a magia de uma película alternativa ao mundo “mainstream”, com obras de arte como a saga “Kill Bill”, “Pulp Fiction”, “Cães de Aluguel” e o recente filme “Bastardos Inglórios”.

Tim Burton ("Ed Wood", "Sweeney Todd", "Batman", "O Estranho Mundo de Jack", "Edward Mãos-de-Tesoura")

Tim Burton nunca foi uma pessoa muito normal, afinal este descreve sua infância como “peculiar, imaginativa e perdida em seus próprios pensamentos”. Desde cedo apresentando paixão ao terror e aos filmes de baixo orçamento.

Anos depois, o já crescido Burton – agora empregado em Hollywood – decidiu inovar na indústria cinematográfica, transformando o famoso “Batman” em um sombrio vigilante assassino. O resultado apesar de polêmico e controverso, foi que o filme sobre as aventuras do herói tornou-se uma das melhores películas baseadas em quadrinhos de todos os tempos. Garantindo então uma promissora carreira para o cineasta que faz sucesso até hoje e de tempos em tempos lança alguns clássicos amais para o deleite da população mundial.

Tudo bem que esta foi uma lista meio pobre, e acabei não incluindo muitos excelentes diretores dos quais eu aprecio ou simplesmente conheço a importância para a história fílmica, mas não tive tempo de dar uma conferida geral em suas obras. Mas mesmo assim, comenta logo abaixo sobre sua opinião quanto ao texto que acabou de ler.

Retrospectiva O Diário de Um Estripador - Pois Não Tenho Nada Melhor Para Postar

2010-10-17T21:36:00.002-02:00

Agora eu olho novamente a meus primeiros artigos publicados aqui no “Diário de um Estripador” e vejo como escrevia mal. Tanto que tenho repulsa destes meus primeiros textos! De fato, minha repulsa é tão grande que ando reescrevendo minhas primeiras postagens e as republicando com se eu nunca tivesse escrito nada daquilo.

Penso também como este blog era pequeno e desconhecido antigamente. Quer dizer, este blog que tu acessas também não é lá tão conhecido. Mas tinha uma época que eu desfrutava de apenas três seguidores eu, o Alexandre A. e mais alguém que eu não fazia idéia – me recuso a escrever idéia sem acento! – de quem era.

Então o tempo pensou, e o blog foi crescendo e fiz parceria com outros blogs. Acabando que eu criei o “O Outro Diário de Um Estripador”, que logo foi excluído por mim dois dias depois de sua criação para então eu fazer parte do “Flying Eyes” junto a minha irmã.

A proposta deste “Flying Eyes” era simples: um blog sobre música como tantos outros. Porém, infelizmente o blog foi impiedosamente deletado devido à imperdoável irresponsabilidade da criadora do mesmo (minha irmã). Que se esqueceu que quando alguém fica muito tempo sem entrar em sua conta online, ela é apagada.

Ou seja, com o blog musical apagado, tudo o que me restou foi recriar uma página da internet com tema semelhante à deste “Flying Eyes”. E também com o mesmo nome.

Com isso, o tempo passou mais um pouco e acabei criando o “Submundo Psicodélico”, “ a união das mentes mais brilhantes do mundo blogger, com o dever de divertir os leitores com postagens épicas e aleatórias” – como eu mesmo descrevi aqui.

Hoje em dia, o blog cresceu um pouco – não muito – e ele se encontra com quarenta postagens e vinte e três seguidores até agora. Ou seja, talvez possa parecer um pouco cedo para retrospectivas. Mas cara, mês que vem “O Diário de Um Estripador” comera um ano, e não estou com a mínima vontade de esperar mais de quinze dias para publicar este texto.

Então feliz aniversário adiantado ao “Diário de Um Estripador”!

Guerra nas Estrelas Episódio IV - Uma Nova Esperança

2010-10-11T19:39:00.003-03:00

A década de sessenta foi extremamente importante para a ficção científica, afinal foi neste período de tempo que Stanley Kubrick lançou nos cinemas seu polêmico "Laranja Mecânica" e, é claro, o novato George Lucas dirigiu o inovador "Guerra nas Estrelas".

Pois bem, este “Guerra nas Estrelas” não era só uma produção de alto orçamento como também era uma produção extremamente problemática. Por quê? Ora, pois esta teve um roteiro recusado por uma série de estúdios e que por causa disto, teve de ser modificado uma dúzia de vezes.

De fato, inicialmente “Guerra nas Estrelas” contava a história de Luke Starkiller, um general de 60 anos de idade amigo de um alienígena verde. Mas graças aos céus George Lucas decidiu deixar esta absurda idéia de lado, modificando tudo que já havia escrito e estendo o argumento – na verdade, o argumento foi tão estendido que teve de ser dividido em seis partes, cada parte equivalendo ao tamanho de um filme.

Mas o roteiro não era o único problema que Lucas sofreu para dirigir tal película, além disso este deve de lidar com as constantes brincadeiras geradas pelos atores, com as discussões por parte da equipe técnica inglesa, problemas com a produtora, entre outros infortúnios. Ou seja, tudo estava pronto para dar errado.

Então foi com muito esforço que “Guerra nas Estrelas” foi lançado em 25 de maio de 1975 nos Estados Unidos. O resultado foi o mais inesperado possível: nada mais que onze “Oscars” foram indicados a película, além de mais quatro indicações ao “Globo de Ouro” e algum tempo depois, esta se tornou o 31ª filme de maior bilheteria da história.

Devo dizer que todos estes prêmios foram extremamente merecidos, já que “Guerra Nas Estrelas” é algo épico. Mais do que épico, este também é divertido, ousado, inovador e nostálgico. Uma experiência cinematográfica de alto escalão e desfrutadora de efeitos especiais de alta qualidade.

A história deste “Star Wars” – nome pelo qual a película é conhecida mundialmente – é tão icônica tanto quanto seus personagens. Tanto que estas figuras estrelaram mais cinco filmes juntas.

Após todos estes elogios, parece até óbvio que darei uma Nota 10 a tal película.

A Razão da Qual "Crepúsculo" Não é uma Obra Literária tão Ruim Assim

2010-10-02T00:00:00.002-03:00

Há algum tempo atrás, foi lançado no mercado um livro denominado “Crepúsculo”. Este não era uma intrigante ou inovadora obra literária, porém tinha o “poder” de divertir e, com isso, agradou uma pequena parcela de leitores, que esperavam por uma continuação da tal obra.

Apesar disso, ninguém nunca iria pensar que tal produto se tornaria uma grande saga, com uma enorme legião de fãs. Afinal, esta era uma história um tanto quanto água com açúcar, por assim classificar. Ou seja, nada instigante. Usando demasiadamente da antiga fórmula de historinha de amor para adolescentes, aquilo não tinha por que fazer tanto sucesso.

Porém, com o passar do tempo, acabou por ser anunciada uma adaptação cinematográfica de tal produto. Que prometia ser uma película que juntaria os famosos filmes adolescentes com o macabro universo dos vampiros. O resultado: uma enorme legião de pré-adolescentes e adolescentes sentiu-se encantada pelo que acabara de ver, provocando assim, uma enorme série de seqüências baseadas nos livros da autora Stephenie Meyer, escritora deste “Crepúsculo”.

Mas será que todo este alarde em relação a tal produto era realmente necessário? Eu digo que não. Mas será que tal obra é realmente ruim? Ora, a resposta é simples: é claro que não!

Claro, tudo bem que os livros desta saga não têm uma enorme qualidade literária. Mas, isso é realmente preciso? Afinal, penso eu que tal obra foi feita apenas para divertir o público infanto-juvenil, sem qualquer grande ambição ou pretensão.

Porém, acontece que um grande grupo de pessoas provavelmente rejeitadas e revoltadas com o mundo e com a sociedade decidiu descontar toda a raiva que tem da população em geral neste livro, acabando por criar críticas sem o menor sentido, do tipo: “O Edward vai virar purpurina quando morrer. Pois este é um homossexual que brilha quando tem sua pele em contato com o sol.”

Mas então, qual é o maldito problema de um vampiro brilhar na luz do sol? Alguns alegam que isto descaracteriza o verdadeiro significado destes seres mitológicos. Mas, e daí? Eu penso que a escritora Stephenie Meyer só queria inovar um pouco, mesmo que de forma discreta, os costumes fictícios adotados por estas significantes figuras.

Então eu concluo: esta saga denominada “Crepúsculo” não é algo inovador. De fato, histórias de amor desse tipo não costumam ter um pingo de originalidade. Mas este não era o objetivo, o objetivo era criar algo de sucesso que atraísse, no mínimo, uma pequena legião de seguidores – apesar de que no final, esta “pequena” legião acabou por tornar-se um pouco mais extensa -, sem a pretensão de inovar a literatura em nenhum aspecto.

Então, se tu decidir por continuar criticando esta obra como algo realmente sério, tu és um completo retardado mental. Mas, porém, se tu defender esta obra acima de tudo, fazendo declarações raivosas a quem não goste desses livros, tu também não é muito mais inteligente que o retardado mental citado anteriormente.

Laranja Mecânica - A Obra de Arte Suprema de Stanley Kubrick

2010-09-26T00:00:00.000-03:00

A década de setenta foi extremamente significativa para a história cinematográfica. Foi aí que jovens diretores de cinema decidiram tomar vergonha na cara e produzir películas extremamente ousadas - ao menos para a época -, sempre carregando uma enorme crítica social junto à mesma. Nasciam então obras de arte polêmicas como o inferno, que iam contra tudo que o cinema profissional já havia mostrado. Desde "Taxi Driver" ou "Zabriskie Point" a "Apocalypse Now" ou "Último Tango em Paris", aquilo era uma experiência extremamente nova para a população mundial.

Mas esta revolução na arte não beneficiou somente os novos diretores, como também permitiu que muitas pessoas, já veteranas neste ramo, produzissem o que não poderiam produzir a dez anos atrás. Este é tanto o caso de Alfred Hitchcock, que encheu seu filme "Frenesi" com linguagem obscena e nudeza, quanto o caso de Stanley Kubrick, que no começo dessa animadora década produziu sua obra de arte suprema: "Laranja Mecânica".

Porém, este "A Clockwork Orange" - como é conhecido em seu país de origem - estava disposto a ser um desastre devido às condições em que foi feito. Por exemplo, o ator Malcolm McDowell, que interpreta o protagonista da película, arranhou a córnea de seu olho, ficou temporariamente cego, teve costelas quebradas e quase morreu afogado durante as filmagens da película. E além disso, o filme, produzido com apenas dois milhões de dólares, foi proibido em uma duzia de países na época de seu lançamento.

Mas, no final de tudo, todos estes fatos só deixam esta obra mais curiosa. Pois, é com prazer e certeza que digo que "Laranja Mecânica" é um dos melhores filmes já feitos em todos os tempos - se não é o melhor.

A começar por seu roteiro, baseado em um romance de Anthony Burgess, que conta a história de Alex líder de uma gangue de rebeldes levemente baseada nas gangues de delinquêntes juvenis da Inglaterra. Além disso, tudo neste ponto é uma trabalhada e inteligente crítica ao conservadorismo, ao behaviorismo, a religião e a sociedade.

Porém, é preciso alertar que a magia de tal filme não esta em torno apenas de seu brilhante roteiro, mas também das brilhantes atuações de Malcolm McDowell e sua trupe de "droogies" e, é claro, da brilhante direção de Kubrick.

Além disso, a música também é extremamente importante aqui. De fato, esta é um dos elementos mais importantes de toda esta obra, parecendo que certas cenas estão em perfeita sincronia com as canções ali tocadas.

Então, é com prazer de anunciar, que "Laranja Mecânica" não é apenas minha obra de arte favorita, como também, em minha opinião, a melhor película do talentoso Stanley Kubrick e um sádico e macabro filme Nota 10.

Cinco Refilmagens de Filmes de Horror ou Suspense Que Deram Certo

2010-09-20T14:30:00.001-03:00

Faz tempo que não publico alguma lista aqui em meu blog. Ok, não faz tanto tempo assim. Porém, nos primórdios deste "O Diario de Um Estripador", seleções de filmes ou personagens específicos eram feitos todos os mêses. De fato, estava fazedo tantos catálogos que isso me encheu o saco. Revivendo essa minha mania apenas mêses depois, quando fiz o "Mais 10 Filmes de Terror Que Você Tem Que Ver Antes de Morrer".

Porém, agora decidi reviver os velhos tempos, produzindo uma postagem que lembrará o que escrevia no início do blog. Da mesma forma como fazia antigamente: uma lista fora de ordem.

O HOMEM QUE SABIA DE MAIS (The Man Who Knew Too Much, EUA, 1956, cor, 120 min.)

Em Hollywood, não é costume um diretor refilmar sua própria obra, porém existe um homem que o fez. Este é Alfred Hitchcock, alguém que decidiu reproduzir uma idéia que já havia usado em 1934 neste "O Homem Que Sabia de Mais".

Penso que não é preciso nem dizer que o resultado final é magnífico. Afinal, isto é um filme do Hitchcock!

CASA DE CERA (House of Wax, EUA, 1953, cor, 88 min.)

Sabe como melhorar qualquer filme de horror? Botando algum ator clássico no meio. Já que assim como existem filmes que nós só assistimos, pois sabemos que tem alguém famoso envolvido no meio, existem películas que só gostamos, pois tem alguém simbólico envolvido no meio. Ainda mais se este alguém simbólico for Vincent Price ou Charles Bronson!

Pois é, este "Museu de Cera", refilmagem de "Os Crimes do Museu" - "Mystery of the Wax Museum", no original -, parece um clássico justamente por ter Vincent envolvido no meio. E como se isso já não bastasse, até Charles Bronson faz significativas pontas na película. O Charles Bronson!

DRÁCULA DE BRAM STOKER (Bram Stoker's Dracula, EUA, 1992, cor, 128 min.)

Julgar alguma coisa sem nem mesmo conferi-la não é uma atitude muito respeitosa. Porém, eu não consigo resistir à vontade de adicionar “Drácula de Bram Stoker” à lista. Já que não é preciso nem ver tal filme para classificá-lo como excelente. Afinal, qualquer coisa com vampiros, Francis Ford Coppola, Gary Oldman, Anthony Hopkins e Tom Waits não tem como ser ruim.

KING KONG (King Kong, EUA, 2005, cor, 187 min.)

A formula mais usada em qualquer filme de animais gigantes é o efeito especial. Às vezes esta "arte" é usada de forma deplorável, outras vezes de forma magistralmente brilhante. Pois bem, um exemplo de como usar os efeitos especiais de forma irrepreensível em um filme é a refilmagem da clássica película "King Kong", lançada em 2005 e dirigida, produzida e roteirizada pelo talentoso Peter Jackson.

De fato, o filme é tão perfeito, visualmente falando, que impressiona até mesmo nos tempos de hoje em dia. Mesmo com a enorme quantidade de smurfs gigantes perfeitamente reais que encontramos ao ir ao cinema ou ao ligar o televisor.

EU SOU A LENDA (I Am The Legend, EUA, 2007, cor, 101 min.)

A película "Eu Sou a Lenda" não é justamente uma refilmagem. Mas sim um filme baseado em um livro. Acontece que o livro do qual este filme foi adaptado já havia recebido outras duas adaptações cinematográficas. Então era inevitável inspirar-se nestas duas produções antigas ao produzir esta nova.

A verdade é que este não é só mais um remake hollywoodiano de alto orçamento como outro qualquer, mas sim uma grande e bem atuada fita que merece ser conferida.

E desculpe se eu esqueci alguma película - e eu tenho certeza que esqueci muitas -, mas eu não vi nem o remake da "Bolha Assassína", nem o de "O Monstro do Ártico" (denominada como "A Coisa"). Filmes que, a meu ver, parecem ser as refilmagens favoritas. Então, me perdoem pela postagem pobre de hoje.

O Silêncio dos Inocentes

2010-09-11T15:32:00.000-03:00

Quando em 1986 foi lançado um filme baseado em um livro com um protagonista denominado "Hannibal" ninguém nunca imaginaria que tal película iria tornar-se uma franquia de sucesso anos depois. Profundo engano, já que anos depois foi lançada uma seqüência ganhadora de diversos "oscars" para esta produção. Seqüência esta denominada como "O Silêncio dos Incoentes".

Este thriller, do qual vou comentar no texto de hoje, se passa logo depois dos aconcetecimentos do primeiro filme, contando a história de Clarice Starling - interpretada magistralmente por Jodie Foster -, uma jovem estagiária do FBI que recebe a missão de entrevistar Hannibal Lecter - interpretado com experiência pelo elogiado Anthony Hopkins -, um assassíno serial psicopata que tem a peculiaridade de comer carne humana, com o intuito de coletar informações quanto ao caso "Buffalo Bill".

O roteiro, apesar de parecer simples e mediano há primeira vista, mostra-se espetacular com o passar do tempo. Tanto que venceu na categoria de melhor roteiro adaptado da "Academia de Artes e Ciências Cinematográficas" (Oscar).

A direção do filme também não peca, assim como sua trilha sonora e seus efeitos especiais com garantia de muito sangue. Tanto que chega a ser gratificante. Claro que nem se compara a quantidade de gore dos filmes de horror da década de sessenta. Mas veja bem, o cinema hollywoodiano em 1991 não produzia filmes com censura maior de que "R Rated", então não há porque esperar ver líquido vermelho em tão grande quantidade.

A tensão é magistralmente presente no filme inteiro, principalmente nas cenas finais, onde o espectador é apresentado a uma interessante perseguição do vilão com a mocinha. E quando o sentimento explorado aqui não é a tensão, é a curiosidade, muito presente nas enigmáticas conversas de Clarice Starling com assassino Hannibal.

Já o final de tudo isso, não chega a ser surpreendente, mas também não peca em deixar uma brecha perfeita para mais uma seqüência.

De fato, este filme é tão excelente que merece, sem dúvida alguma, uma gratificante Nota 10 por ser uma película ganhadora de cinco oscars, como também uma obra altamente recomendável para qualquer fã de filmes de suspense, terror ou qualquer que seja o gênero.

O Sexto Sentido - Elogiando o Filme e Seu Diretor

2010-09-09T03:00:00.000-03:00

Há quem diga que M. Night Shyamalan seja um diretor ruim, já eu discordo totalmente de tal colocação. Tudo bem que o mesmo tem filmes ruins, porém a filmografia de alguém não é feita apenas de glória, todos temos maus momentos ou, no caso de alguém do ramo cinematográfico, maus filmes. Mas pense bem, quantas películas realmente ruins o mesmo já participou? Três no máximo, isso faz dele um diretor ruim? Pois é, grande parte da crítica americana despreza este homem. Bom, esses caras deviam ao menos se dar conta que M. Night ao menos tem talento, ao contrário destes.

Bom, agora chega de elogios para este, não escrevo aqui para defender ninguém. Na verdade, escrevo este texto para dar elogios a um filme, algo que já foi feito milhares de vezes por milhares de pessoas diferentes. Acontece que este "O Sexto Sentido" merece todos os elogios que lhe é dado. Por quê? Ora, pois o filme é espetacular!

Há começar pelo roteiro, magistralmente escrito por Shyamalan, uma obra de arte por si só. Destacando aqui principalmente o final, que não é só espetacular, como também é imprevisível, talvez um dos melhores de todos os tempos. Com certeza quem disse que já tinha sacado tudo desde o começo da película, ou estava mentindo, ou é o próprio Shyamalan.

Quanto a atuação por parte do elenco é, quando não excelente, no mínimo competente. Destacando principalmente o desempenho espetacular de Haley Joel Osment no papel de Cole Sear, revelando-se um ator que ainda tem muito para dar.

Muito provavelmente, ocuparia um livro inteiro se quisesse comentar todas as inúmeras qualidades de tal película, mas procuro ser o mais breve o possível. Afirmando apenas: vejam este filme, mas não esperem a melhor obra do mundo. Já que o mesmo, apesar de ser fantástico, não cumpre o papel de maior suspense do mundo, apesar do que muitos afirmam.

É curioso também notar que M. Night ao escrever o roteiro, não deixou pistas do que viria acontecer no final do filme. Poderia me aprofundar em maiores detalhes aqui, mas não quero revelar nada do roteiro aos leitores que não viram tal obra. Pois, igualmente a "Psicose", outro grande clássico dos filmes de suspense, qualquer detalhe revelado ao espectador antes da hora pode estragar a experiência que a trama proporciona.

Como já é costume, termino aqui o meu texto declarando: Veja esta obra merecedora de uma Nota 10, e surpreenda-se com o final genial.

PS: O meu antigo blog sobre música foi reaberto sob o nome de "The Flying Eyes Music Blog". Vale a pena dar uma conferida! O endereço é http://theflyingeyesmusicblog.blogspot.com/

Família Addams - Da Folha do Jornal Para a Tela Grande

2010-08-29T18:57:00.000-03:00

Em 1930, o horror deixou de ser um gênero cult e pouco explorado no cinema para tornar-se um fenômeno super lucrativo hollywoodiano. Então não foi preciso nem esperar o passar do tempo para presenciar sátiras cômicas em relação a esta espécie de película. Aqui então era nascido algo posteriormente chamado de "terrir", nada mais que um trocadilho infame, porém definível.

Entre os tantos exemplares desta mistura um dos mais aclamados era uma cartunesca história envolvendo uma família composta por espécies clássicas de seres estranhos que encontramos no horror em diversas aventuras publicadas eventualmente pela revista americana "The New Yorker", considerada como uma sátira à família típica americana, fazendo o papel que seriados como "Os Simpsons e "Uma Família da Pesada" fazem hoje em dia.

Estas pequenas tiras apresentavam alguns personagens que, com o passar do tempo, tornariam-se definitivos. Passando desde o terrivelmente cômico mordomo Tropeço, até a fúnebre Vandinha e até o pai de família Gomez e sua esposa Morticia, entre outros. Todos estes tendo um papel importantíssimo para o divertimento do leitor - e posteriormente, do telespectador.

Mas foi só em 1964 que essa família encontrou a glória, passando das folhas de uma revista qualquer para a tela descolorida do televisor. Não é preciso nem dizer que a mesma foi sucesso imediato, acabando por anos depois, em 1973, resultar em uma cômica animação produzida pela Hanna Barbera.

Tal produção contava com, além do elenco original dos Addams, a participação de personagens do elenco de "Sccoby Doo", outra famosa série na época. Incluindo até mesmo um filme animado de 40 minutos intitulado como "Wednesday is Missing", onde as figuras de ambas as produções reúnem-se em uma única aventura.

A animação acabou por terminar em 1975, porém nem tudo estava perdido para esta ilustre família, já que dois anos depois iria ao ar o piloto de "The Addams Family Fun-House". Porém, infelizmente a série acabou por não ser realizada, ficando apenas com este piloto. Mas isso não foi problema, já que no mesmo ano os Addams estrelariam em um especial de Halloween direto para televisão. Contando com o elenco original da produção de 1964, a exceção de Blossom Rock, que fazia o papel da vovó, pois a mesma estava muito doente na época não podendo comparecer.

Após este especial, os Addams ficaram mais de dez anos sem participar de nada inédito. Porém, em 1991 foi lançado um filme inédito repleto de humor negro com esta célebre família. Tornando-se um grande sucesso de bilheteria, tanto que dois anos depois uma seqüência já foi lançada. Na verdade, o sucesso destas películas foi tão grande que decidiram ressuscitar a série antiga da Família Addams com novos atores, além de lançarem mais uma animação com estes personagens em 1991.

Nos dias de hoje, infelizmente não temos mais nenhum episódio novo estrelando estas figuras, porém, os mesmos ainda habitam nos nossos corações. E, principalmente nas reprises dos canais da televisão paga.

Slasher$ - Mais Caça-níquel Impossível

2010-08-23T18:21:00.000-03:00

Era uma vez, em 1960, um talentoso diretor que tinha uma eminente vontade de rodar um filme baseado em um livro sobre a vida do famoso assassino Ed Gein quase que de uma forma independente. Após um relativo tempo suplicando aos produtores para que os mesmos dessem sinal verde para prosseguir com o projeto, finalmente este homem conseguiu o que queria e acabou por lançar a película em 1960. Mas afinal, sabe quem era esse homem e qual filme que o mesmo lançou com tanto prazer? Alfred Hitchcok, diretor deste "Psicose". Pois é, quem diria que o "mestre do suspense" iniciaria uma enorme onda de filmes caça níqueis e, muitas vezes, demasiadamente ruins?

Então se passaram quatorze anos e, mais uma vez, um diretor, desta vez não tão talentoso, tem uma eminente vontade de rodar um filme de terror baseado em um personagem criado pela "Coca Cola" conhecido como "Papai Noel" quase que de uma forma independente. De resto, é praticamente a mesma história.

Então, novamente um diretor não tão talentoso tem uma eminente vontade de rodar um filme de terror contando a trajetória de um assassino mudo chamado Michael Myers quase que de uma forma independente. De resto, é praticamente a mesma história.

Neste momento, o leitor já deve ter percebido que os parágrafos acima estão praticamente o mesmo, com apenas a mudança de duas ou três palavras em cada linha. "Por quê?", tu provavelmente perguntas. Pois é, isso que estou fazendo não é uma falta de criatividade de minha parte, mas sim minha forma de simbolizar a "grande" variedade de slasher movies que encontramos por aí. Ou seja, um festival de cópias sem igual.

Peguemos como exemplo "Sexta Feira 13", lançado em 1980 por causa da boa reação que o público teve por parte do "Halloween". Tal filme roubava a idéia da mãe assassina de "Psicose", juntamente com a do assassino silencioso que extermina qualquer coisa que vê pela frente, mas, para não ser acusado de plágio, botou tudo isso em um acampamento de férias. Resultado: um filme bem lucrativo que gerou uma enorme franquia e foi copiado por inúmeros outros slashers. Ou seja, agora a moda era copiar de tudo e mais um pouco, criando vários plágios de plágios.

Mas não me leve a mal! A verdade é que essa onda de slasher movies que a população adolescente oitentista presenciava era a salvação dos filmes de horror, com adição de novos elementos que permanecem até hoje no gênero para atrair o público da nova geração.

Porém, como toda moda tem um fim, esse negócio de copiar cópias perdeu a força logo no começo dos anos 90. Quando o público finalmente percebeu no que estava realmente investindo seu dinheiro. Era o fim de uma moda quase interminável. Ou não, já que em 1996, o talentoso diretor Wes Craven decidiu ressuscitar tal subgênero, lançando o filme "Pânico" nos cinemas de quase todo o mundo.

Devido a excelente reação do público e da crítica quanto a este "Pânico", inúmeros outros diretores decidiram fazer o mesmo, porém nem sempre com um resultado positivo. Um caso de slasher movie falho é o péssimo remake de "Psicose", basicamente um bando de atores sem talento tento refazer o clássico de Alfred Hitchcock quadro por quadro. É pior até que novela da Globo! Sério mesmo, tem que se esforçar muito para atingir pelo menos um quarto da ruindade destas novelas.

Pode se dizer que a moda dos slasher acabou novamente lá pela metade da década de 2000, quando os únicos exemplares contemporâneos deste gênero encontrados eram películas de baixo orçamento lançadas direto para o vídeo e péssimos remakes com elenco juvenil. Sendo que um dos únicos casos de slashers que foram bem recebidos tanto por parte da crítica quanto por parte do público foi "A Casa dos 1000 Corpos", filme do diretor e músico Rob Zombie que eu não faço a mínima questão de ver.

Mas, afinal, por que os slashers saíram da mídia tão de repente? Por uma boa causa, já que estes filmes foram logo substituídos pelos "torture movies". Em outras palavras, filmes de horror que mostram pessoas normais sofrendo os mais variados tipos de tortura nas mãos de um bastardo sádico. Um prato cheio para qualque fã de películas de terror!

PS: Quem adivinhar de qual filme é a primeira foto da postagem ganha um milhão de reais em barras de ouro, com duas semana para vir buscar o prêmio aqui na minha casa.

Ed Wood - Biografia

2010-08-15T17:50:00.000-03:00

Em 10 de outubro de 1924, nasce um diretor como o mundo nunca havia visto anteriormente que, consequentemente, fazia um tipo de filmes que o mundo nunca havia visto anteriormente. Este é Edward Davis Wood, Jr., um diretor que não apenas compreendia as mulheres, como também vestia-se como elas. Pois é.

Desde criança, Ed eram um verdadeiro cinéfilo, começando a filmar suas próprias películas aos onze anos. Passando, em sua adolescência, do estado de cinéfilo fánatico para o de nerd declarado, devorador de romances policiais e colecionador de histórias em quadrinhos.

Misteriosamente, aos dezessete anos, Edward já havia adquirido seis pseudônimos diferentes: Johnny Carpenter, Daniel Davis, Edward Davis, Don Miller, Akdon Telmig e Akdov Telmig (curiosamente, se lermos este último nome ao contrário, pronuncia-se Vodka Gimlet).

Alistou-se nos "marines" em 1941, justamente no período da Segunda Guerra Mundial, lutando em algumas batalhas. Apesar de, como ele mesmo afirma, costumar usar soutien e cuequinhas por baixo da farda de fuzileiro, era considerado um soldado responsável, ganhando importantes condecorações por seu serviço militar.

Na guerra, o mesmo perdeu os dentes da frente e foi baleado nas duas pernas. Interessantemente, o diretor adorava assustar individualidades removendo a ponte móvel que escondia essas falhas.

Começou sua carreira com o western “The Crossroads of Laredo”, seguido do cultuado "Glen or Glenda”, considerado um dos piores filmes da história do cinema. Porém, é importante destacar que foi na produção desta malfalada película que Wood conheceu um ator que viria a ser um de seus melhores amigos, Bela Lugosi.

Lugosi já estava em fim da carreira, não conseguindo mais controlar seu vício com a morfina, porém, mesmo assim, Ed ainda conseguiu trabalhar em vários outros filmes com o ator. Geralmente, bombas infames de ficção científica ou, pelo menos, era isso que os críticos daquela época pensavam.

Junto a Lugosi, Edward havia recrutado um grupo de artistas excêntricos, dos quais participariam da maioria dos filmes do diretor. Entre estes estava Tor Johnson, ex-lutador sueco, Criswell, um adivinhadeiro que acreditava ser mago, e Bunny Breckenbridge, ninguém menos que a excêntrica Maila Nurmi (símbolo sexual dos filmes de horror daquela época), Bunny Breckinridge, um drag queen assim como o diretor, entre outros.

Edward, apesar de ser um travesti assumido, casa-se com Norma McCarty em 1955, separando-se um ano depois para casar-se com Kathy Wood, que alega que o eonismo do marido não a incomodava. Ou seja, Ed não era um homosexual, era apenas um crossdresser por influência de sua mãe. Que o vestia com roupas de mulher dês dos doze anos de idade.

Além de deslumbrar a bizarrice e tudo considerado irregular para aquela época, o diretor era extremamente viciado em sexo, drogas e álcool, tanto que só conseguia escrever seus filmes se estivesse totalmente embriagado.

Sempre desprezado pelos produtores - provavelmente por causa de seu travestismo - o diretor era obrigado a produzir seus próprios filmes, tornando-se argumentista, actor, realizador e produtor de todas suas películas. No final, utilizando sempre de um baixissímo orçamento.

Wood é também realizador a defender o travestismo sem complexos, chegando a produzir, na década de 70, pequenas películas sobre educação sexual, dando um significativo espaço a particularidade dos eonistas. Só uma curiosidade, o mesmo chegava a até mesmo dirigir seus filmes com vestimento feminino, geralmente roubados de sua esposa.

Em 1956, Edward produziria seu mais famoso filme, do qual obteria uma enorme legião de fãs. "Plano 9 do Espaço Sideral", apesar de hoje em dia ser extremamente cultuado, em sua época de lançamento foi exageradamente malfalado, sendo até mesmo considerado "o pior filme de todos os tempos".

Logo depois do lançamento deste "Plano 9" a moda já era outra, agora extraterrestres e cosmonave já estavam ultrapasados. O que realmente agradava os jovens desta nova geração era o horror misturado com sexo e violência, em outras palavras, exploitation. Então, nada mais sensato que Wood deixar-se guiar por tal moda.

Com o passar do tempo, o explotation de Edward acabou por virar horror erótico, misturando prostitutas e stripers com vampiros e zumbis. Resultado: clássicos cultuados do cinema trash.

Mas, como todo a lenda tem um fim, em 1978 o diretor, já cercado por problemas com alcoól e narcóticos, falece após um ataque cardíaco aos 54 anos em North Hollywood. Porém, como todo grande diretor, suas películas cômicas e um tanto quanto ignorantes nunca serão esquecidas.

Zumbilândia

2010-08-08T10:30:00.000-03:00

Por volta de julho de 2009, foi liberado na internet o trailer do que viria a ser uma rara produção americana de alto orçamento envolvendo zumbis. A reação por parte dos internautas, apesar de ocasionalmente variar, era excelente. Inclusive eu, que não costumo julgar um filme por seu trailer, tive uma eminente vontade de conferir tal comédia.

Porém, por motivos que eu não recordo, acabei não conferindo a película, alugando a no formato de DVD apenas por volta do final de 2009. Ao ver o filme, logo pensei: "Pra que tanto alarde para uma cópia de "Shaun of Dead" e de tantas outras comédias de zumbis?". Então, logo fui procurar na internet qual era a opinião quanto ao filme por parte de outros índividuos, com o objetivo de ver se não era eu quem estava a exagerar um pouco em meu conceito em relação a esta comédia.

Fiquei realmente surpreso que, após uma longa diligência pela net, tudo que encontrei a meu favor foram uma ou duas críticas ruins em relação ao filme. Logo decidi refletir um pouco, assim pensando em todas as qualidades que a película oferecia, passando por re-avaliar a produção, considerando desde o divertimento ao roteiro. E, devo admitir, não achei nada realmente gratificante quanto a esta comédia de zumbis que me fizesse mudar de opinião.

"Zumbilândia" conta com um elenco novato, contando com os jovens Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin, de "A Vila", "Superbad" e "Pequena Miss Sunshine, respectivamente. Contando também com Woody Harrelson, que atuou em "2012", além do ilustre Bill Murray, em uma ponta divertidamente ultrajante extremamente atípica em filmes de zumbis.

Em minha opinião, um dos maiores deméritos da película é sua falha mistura de comédia de gêneros dessemelhantes. Incluindo desde comédia romântica e "road movie" à ação e aventura, sem esquecer do terror e das moderadas pitadas de humor negro. Tudo isso, ainda por cima, com enfoque nos zumbis.

Mas é preciso deixar claro de que "Zumbilânida" não é um filme feito apenas de deméritos, tal película inclui também idéias geniais geralmente bem executadas. Como é o caso da brilhante "Zombie Kill of Week" que poderia ser muito bem aproveitada mais vezes ao longo da fita.

É desprazeroso anunciar que "Zumbilândia" começa bem, mas desanda completamente quando os personagens principais têm um encontro com as moçinhas da história, a dupla de caçadoras de zumbis Wichita e Little Rock. Após esse momento, o telespectador é apresentado a um tediante festival de clichês. Contando até com os dizeres "aproveitar as pequenas coisas" em caderneta lá pelo começo do fim do filme. Detalhe: tal pérola é escrita num caderno sob título de "regras de sobrevivência", ou seja, não faz o menor sentido.

Apesar de ótimos efeitos especiais, além de uma ótima maquiagem no rosto dos zumbis, bem que o filme poderia ter um visual menos limpinho. Quer dizer, não há sinal algum de cadáveres em qualquer lugar da cidade, parecendo até que os zumbis levam produtos de limpeza para limpar qualquer prova de assassínio. Sem contar que os personagens principais andem assiduamente de carro, como se combustível não fosse problema algum.

No final, o filme mostra-se uma mistura de comédia com horror infinitamente pior que os exemplares desta mistura que vemos na terra da rainha. Ou seja, qualquer um ganha muito mais vendo comédias de zumbis britânicas do tipo de "Shaun of the Dead" ou "Doghouse", do que assistindo a "Zumbilândia". Sem dúvida alguma, e é claro, em minha opinião, tal filme é uma película merecedora de Nota 6,5.

Farsa Trágica - A Comédia dos Horrores e Uma Breve História Sobre o Gênero "Terrir"

2010-08-01T09:30:00.000-03:00

Antes do ano de 1922, ninguém nunca havia pensado em misturar dois gêneros tão dessemelhantes quanto a comédia e o terror, porém, o filme mudo "One Exciting Night" veio para mudar tal fato. Apesar de ter muito mais elementos que fazem o telespectador rir do que se assustar, este foi considerado o filme precursor na arte de misturar estes dois gêneros tão desiguais.

Mas foi só por volta da década de 40, quando Abbott e Costello, uma dupla de personagens cômicos típica da época, decidiram aventurar-se com monstros e espíritos alegóricos dos filmes de terror. Passando por fantasmas, vampiros e, até mesmo, por homens ínvisiveis, só para citar alguns.

Mas lá por volta dos anos cinquenta, o gênero foi perdendo a força que tinha antigamente, porém, isso não empediu que Abbott e Costello agora encontrassem a dupla Dr. Jekyll e Mr. Hyde e a múmia.

Ainda não sendo impactatente como antigamente, nos anos 60, os filmes cômicos de terror ainda rendiam algum lucro. Ainda mais quando envolviam estrelas hollywoodianas de sucesso no meio, tendo elas um currículo característico de filmes de terror ou de comédias.

"Farsa Trágica" (The Comedy of Terrors nos Estados Unidos) é com certeza um exemplo de produção que mistura comédia com terror e com atores hollywoodianas de sucesso. Trazendo ninguém menos que Vincent Price, Peter Lorre, Boris Karloff e Basil Rathbone em raros papéis cômicos de suas respectivas carreiras. Não é preciso nem dizer que o ponto mais alto do filme é seu elenco de atores.

Porém, é preciso destacar que este Comedy of Terrors tem mais ênfase na comédia do que no terror, podendo ser facilmente considerado apenas comédia pelos menos entendidos no assunto. Mas isso não faz o filme ser mais simples. Pois de simples o filme só tem a direção de Jacques Tourneur, que não poderia se encaixar melhor aqui. Já o roteiro é extremamente detalhista, porém, fácil de entender, ou seja, muito longe do simplismo que o filme parece ter a primeira vista.

Cada ator parece ter sido feito para interpretar cada papel que o filme oferece, Vincent Price e Peter Lorre, que aqui servem como uma versão alternativa de Abbott e Costello, estão voluntáriamente hilários. Assim como Boris Karloff que, apesar de aparecer pouco tempo na tela, esta magistralmente divertido em seu papel. Sem esquecer também Basil Rathbone, que interpretou magnificamente o insano e indestrutível Sr. Black.

Apesar de parecer um tanto quanto repetitivo em certas partes, Farsa Trágica não é um filme perfeito e nem uma obra de arte, mas, mais importante que isso, ele é extremamente divertido e garante boas risadas. Ou seja, uma pérola do terrir e um filme merecedor de, em minha sincera opinião, Nota 8,7.

Mas, se na década de 60 misturar terror com comédia era um tanto quanto atípico, nos anos setenta a moda voltou com tudo. Tendo como destaque tanto paródias, quanto histórias originais.

Um grande exemplo de horror cômico encontrado na década de 70 é o clássico "O Jovem Frankenstein", simplesmente uma das melhores comédias já produzidas em todos os tempos, chegando a até mesmo concorrer a Oscar de melhor som, roteiro adaptado e Globo de Ouro de melhor atriz e melhor atriz coadjuvante, Cloris Leachman e Madeline Kahn, respectivamente.

Outro filme que também merece ser destacado como uma pérola do terror cômico é o excelente Rocky Horror Picture Show, nada mais que um filme que mistura musical, com comédia, com rock & roll, com ficção científica e com filme-B de terror. Com certeza uma mistureba digna de cultuamento.

Se na décade de 70 misturar comédia com terror já era moda, imagine na década de 80. Quando foram lançados filmes como "Gremlins", "Vingador Tóxico" um, dois e três, "Trash - Náusea Total", "Evil Dead 2", "Creepshow" um e dois, "Re-Animator", "A Volta dos Mortos-Vivos", "Beetlejuice", "Street Trash", "Os Caças Fantasmas" um e dois, "O Massacre da Serra Elétrica 2", "Sexta Feira 13 Parte 6", só para citar alguns. Chegam a ser tantos títulos que é impossível escolher apenas um ou dois destaques.

Lá por volta dos anos 90, a moda das sequências e dos remakes estava começando a dar luz, acabando por render filmes como "O Boneco Assassino 2", "Gremlins 2", "A Noiva do Re-Animator", "Uma Noite Alucinante 3", "A Noiva de Chucky", "O Massacre da Serra Elétrica - O Retorno", "A Volta dos Mortos Vivos 3" e mais um monte de continuações. E poucos filmes originais, em exceção à "Buffy, a Caça-Vampiros", "Leprechaun", que vivia reprisando na Globo quando eu era menor, "Drácula - Morto Mas Feliz", paródia de Dracula feita pelo experiente e talentoso Mel Brooks, entre outros.

Mas, pode se dizer que o ano em que misturar comédia com terror realmente virou moda foi o ano 2000, com o lançamento de "Todo Mundo em Pânico". O filme preferiu deixar o horror de lado, e decidiu investir mais na comédia escatológica, também conhecida como humor negro. Apesar de não ser lá uma obra prima, rendeu uma grande quantia de dinheiro para seus produtores, incentivo a novos diretores fazerem suas próprias histórias de terror cômico. O resultado, apesar de algumas raras exceções, foi calamitoso.

Neste ano de 2010, são encontrados poucos exemplares dessa brilhante mistura de terror com comédia, até agora. Porém, já foram anunciados filmes que investem na mistura para daqui a algum curto período de tempo. Um exemplo é Piranha 3D, refilmagem filmada em 3D do clássico homônimo do terror setentista.

Sleepaway Camp - O Acampamento Sinistro

2010-07-28T22:00:00.000-03:00

Existem filmes de terror que não mostram nada realmente relevante do começo até o meio, porém, compensam com um final arrebatador. Em minha opinião, Sleepaway Camp, nunca lançado no cinema brasileiro, é realmente um filme desse tipo. Apesar de ser considerado um dos maiores clássicos do cinema de terror para alguns.

O filme conta a história das aventuras típicas adolescentes da calada e sinistra Angela Baker (interpretada por Felissa Rose) e seu meio-irmão super protetor Ricky (Jonathan Tiersten) no acampamento de verão Arawak. Sendo que logo somos apresentados aos personagens secundários Paul (Christopher Collet), colega de Ricky, a verdadeira vadia Judy (Karen Fields), além de Meg (Katherine Kamhi), amiga de Judy.

Logo nos primeiros minutos de filme, o espectador é apresentado a uma das cenas mais importantes da película, um acidente de lancha envolvendo Angela, seu pai e seu irmão, fato que traumatizaria a garota desde então.

O ponto mais forte da película é, sem dúvida, seu impressionante roteiro extremamente detalhado, sendo que qualquer coisa que escape da mente do telespectador pode ser vital para o entendimento do filme.

Por ser um slasher de acampamento lançado em 1983, é constantemente comparada com o filme "Sexta Feira 13", lançado três anos antes deste Sleepaway Camp. Mas, a verdade é, que apesar de "O Acampamento Sinistro" ter uma história mais elaborada e qualidade cinematográfica superior, "Fryday The 13th" vence de lavada em um dos quesitos mais básicos para um filme de terror, a diversão e os efeitos especiais. E me desculpem aos fãs de carteirinha da série Sleepaway Camp.

O filme bem que podia ser perfeito, porém, o meio e o começo de tal película chegam a até mesmo serem entediantes, sendo que até os primeiros assassinatos são um pouco que água com açúcar. Mas, tudo de ruim é compensado pela surpresa da parte final da fita, os adjetivos perfeitos para resumir este segmento espetacular são "chocante" e "surpreendente". É simplesmente fenomenal!

Então aqui vai a dica para quem deseja se aventurar com um suspensezinho bobo, que não rende muita tensão, mas, pelo menos não deixa um gostinho de "Então é só isso?" no final. Nota 8,0 contando todo o filme, porém, Nota 10 se fosse para avaliar só o final.

Mais 10 Filmes de Terror Que Você Tem Que Ver Antes de Morrer

2010-07-20T04:00:00.001-03:00

Lá nos primórdios do blog, quando tinha meros cinco seguidores por aqui, apresentei a meus leitores, em duas partes, dez filmes mais do que recomendáveis para ver antes de morrer. Porém, havia deixado de fora da lista muitos clássicos do terror tão importantes quanto "Psicose" ou "O Iluminado", filmes que revolucionaram o cinema tanto quanto Che Guevara revolucionou a teoria comunista. Estes são os "Mais 10 Filmes de Terror Que Você Tem Que Ver Antes de Morrer", assim como nos velhos tempos, apresentados fora de ordem.

GREMLINS (Gremlins, EUA, 1984, cor, 106 min.)

Que Gremlins não é uma obra prima do cinema todos concordam, pois o filme não se rebaixa a tal posição, mais importante do que isso, Gremlins é uma obra prima da diversão. Um clássico absoluto da década de 80, com violência, humor negro e tudo que há de bom para um filme de terror.

Produzido pelo mestre em caça-níquelismo Steven Spielberg, o filme não é só uma aventura macabra com monstrinhos, é também uma aventura macabra com monstrinhos horripilantes repleta de efeitos especiais.

TODO MUNDO QUASE MORTO (Shaun of the Dead, RU, 2004, cor, 99 min.)

Todo Mundo Quase Morto não é só uma simples sátira aos filmes de zumbis, é a melhor sátira aos filmes de zumbis que o mundo já presenciou. Roteirizado e atuado pelo comediante inglês Simon Pegg, o filme não se contenta em ser só uma simples paródia, ele decide também mostrar um ótimo argumento e um grande desenvolvimento de roteiro. Fato que já havia perdido a importância dês de que sátiras como "Todo Mundo em Pânico" se tornaram populares.

Junto à exemplares como "Monty Phyton", "A Hard Day's Night" e "The Goon Show", Shaun of The Dead mostrasse uma grande pérola do humor britânico. E que Deus salve a Rainha!

CEMITÉRIO MALDITO (Pet Sematery, EUA, 1989, cor, 103 min.)

Roteiro de Stephen King, trilha sonora dos Ramones, crianças assassinas, demônios, zumbis, atropelamento, efeitos especiais, fantasmas, gatos demoníacos, gente macabra e violência sem desculpa e nem sentido. Preciso dizer mais?

A MORTE DO DEMÔNIO (The Evil Dead, EUA, 1981, cor, 85 min.)

Lançado numa época em que a censura era extrema e rigorosa, A Morte do Demônio ficou engavetado em alguns países durante dez anos, disponível somente através de contrabando ilegal ou por venda clandestina no mercado negro. Foi somente em 2001 que o filme foi lançado internacionalmente com uma versão sem cortes. E é preciso se dizer, Sam Raimi, o diretor do filme, nunca mais teve colhões o suficiente para lançar um filme deste escalão novamente.

SWEENEY TODD: O BARBEIRO DEMONÍACO DA RUA FLEET (Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, EUA/RU, 2007, cor, 116 min.)

Tim Burton é sem dúvida alguma, um dos melhores diretores contemporâneos. E prova disso é Sweeney Todd, um indiscutível exemplar de terror gótico com ótimo roteiro, direção, atuação e garantia de bons sustos. Chocante, brutal e doentio são os adjetivos perfeitos para caracterizar as banalidades do filme. Uma ótima pedida para quem esta cansada dos medíocres filmezinhos atuais de terror e quer se chocar de verdade.

PLANETA TERROR (Planet Terror, EUA, 2007, cor, 105 min.)

Lançado junto a Death Proof como um filme duplo nas terras gringas, Planeta Terror mostrasse uma das melhores homenagens aos filmes de zumbis da década de 2000, sem dúvida, um filme mais que recomendável para ver com os amigos. Mesmo até se seus amigos não gostarem de filmes de zumbis, garanto que eles iram, mesmo assim, adorar este exemplar.

O BEBÊ DE ROSEMARY (Rosemary's Baby, EUA, 1968, cor, 136 min.)

Não faço idéia como tive coragem de deixar o Bebê de Rosemary fora da minha primeira lista de filmes de terror que merecem ser vistos antes de morrer. O filme é simplesmente perfeito! Nada menos que um dos melhores (se não o melhor) filmes de terror de todos os tempos.

O Bebê de Rosemary é um filme tão bom que junto a Jimi Hendrix, Beatles, os Stones, Creedence, Marthin Luther King e entre outros, pode ser considerado uma das pérolas dos anos 60.

NOSFERATU (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens, ALE, 1922, P&B, 94 min.)

Apesar de a primeira vista Nosferatu parecer um filme um tanto chato, sem áudio e nem cor, a medida que se assiste, tal filme mostrasse não só um clássico do cinema europeu, como também uma ótima forma de entretenimento. Se só isso não bastasse, a película também mostra um ótimo roteiro e excelente direção por parte do alemão Friedrich Wilhelm Murnau. Apesar de que os recursos da época não permitirem efeitos especiais ultra realistas, o filme já se da bem com as técnicas cinematográficas primordiais que a década de 20 proporcionava.

POLTERGEIST (Poleteirgeist, EUA, 1982, cor, 115 min.)

Em toda sua filmografia, aposto que Steven Spielberg nunca havia produzido filme tão gritado. Sério, a partir dos trinta e poucos minutos de filme a película tornasse uma gritaria que só vendo, com apenas uma pequena pausa para retomar o fôlego. Mas se já não bastasse o fato de Poltergeist ser um ótimo filme de terror, os cinéfilos de plantão decidiram criar uma chocante lenda urbana envolvendo a película que fez com que os próprios atores do filme não quisessem participar de Poltergeist III, pois ficaram com medinho de tal lenda.

O JOVEM FRANKENSTEIN (Young Frankenstein, EUA, 1974, P&B, 106 min.)

Como disse o locutor do TCM no comercial em que o filme foi anunciado, "há clássicos do terror impossíveis de não rir-se". Essa a frase definitiva para resumir o poder de entretenimento de "Jovem Frankenstein". Praticamente a melhor de paródia aos filmes de terror já feitos por Mel Brooks. Concorrendo ao Oscar de melhor roteiro adaptado e de melhor som, o filme deveria ser obrigatoriamente mostrado à grande parte dos "diretores" da maioria das paródias americanas atuais para eles aprenderem como fazer uma boa sátira.

Vida de Garoto - A Série de TV Mais Perturbadora e Aterrorizante que o Mundo Já Presenciou

2010-07-11T18:41:00.000-03:00

Em todas as minhas 25 outras postagens neste blog, nunca havia mencionado nenhum filme (série, livro, ou qualquer outra porcaria) hardcore o suficiente para assustar gente da laia do Satanás, Lúcifer, ou até mesmo, a Bruxa do 71 (tudo bem que essa gente nem existe, mas, não consegui achar um bom exemplo existente para esse caso). Eu nunca imaginaria que tal puta falta de sacanagem existisse, mas, infelizmente, eu vi o primeiro e segundo episódio de tal produto e, devo dizer, é perturbador.

Já no começo do primeiro episódio da série, somos logo apresentados a um grupo de três maníacos psicóticos que guardam Nescau na geladeira, fazem propaganda á todo minuto para uma tal de seita maligna denominada "Nivea" e falam com o espelho todo tipo de atrocidade.

Vida de Garoto também é responsável por criar termos nunca antes vistos na história do cinema fantástico, entre eles está "revolts", nada mais que uma gíria satânica para revoltado. Outra atrocidade presente na série são os costumes não entendíveis para mentes normais adquiridos pelos personagens principais, entre eles, a extrema afeição por quartos e piscinas, o que provaria que nem mesmo os headbengers entendem os costumes que os seguidores de satã adquirem.

Logo no segundo episódio da série (ou era o terceiro), um dos personagens principais tem a visão de um espírito na praia tentando seduzi-lo. Sem comentários nesta cena! Nunca vi um efeito especial mais assustadoramente escroto! Não sério, é só vendo para acreditar!

Uma frase para resumir toda a história de Vida de Garoto poderia ser: "O Inferno representado por três adolescentes satânicos (e provavelmente virgens) numa mansão pode ser mais perturbador do que parece".

De fato, as práticas satânicas dos três adolescentes são, no mínimo, perturbadoras, envolvendo o uso de códigos infernais em forma de palavras. Por exemplo, como visto no segundo episódio da série (ou era no quarto), um dos personagens inicia uma guerra com o outro escrevendo a palavra "revolts" em suas costas. Com esse sinal de início de guerra, o outro personagem sabota o tênis de seu novo inimigo e a guerra é finalizada com... Eu não sei, pois não agüentei ver o episódio inteiro.

Quanto à trilha sonora, a série mostra no máximo duas músicas até o terceiro episódio. Com direito a um reggae genérico em que os dizeres "Vida de Garoto" são repetidos lentamente quase como em um ritual satânico e um projeto de música techno no comecinho de cada episódio.

Mas horripilante mesmo é a atuação por parte dos desventurosos colírios da Capricho, revista demoníaca que vende atrocidades infernais como Justin Bieber e Restart para as pobres criancinhas. Além disso, a atuação das garotas que vivem na casa ao lado da dos personagens principais também não passa muito longe disso.

A série bem que poderia ter parado no primeiro episódio (na verdade, a mesma nunca deveria ser lançada), mas a maldita Capricho decidiu estender a série por mais de seis capítulos. Então deu no que deu, o fim do mundo está cada vez mais próximo.

Resumo de tudo que eu falei: Não vejam Vida de Garoto! Se quiserem ver, tudo bem, só não digam que eu não avisei!

Sangue Frio (Primetime Murder)

2010-07-05T18:44:00.000-03:00

Sabem aqueles filmecos thriller de suspense com um nome genérico que te, um preço de 9,90 reais e uma capa que deixa qualquer fã de filmes de terror com uma grande sensação de curiosidade, mas, ao comprar o filme e botá-lo para rodar em seu aparelho de DVD, se depara com uma das piores coisas já produzidas em todos os tempos? Pois é, é exatamente tal ruindade que Primetime Murder (aqui no Brasil, traduzido erroneamente como Sangue Frio) proporciona.

Na verdade, o filme até começa bem, com até mesmo um climinha de suspense e uma razoável direção de câmera. Então tudo começa a desandar por completo logo no final da cena de introdução, quando somos apresentados a absurdamente clichê personagem principal, interpretada por uma inexperiente e sem talento atriz. De fato, os atores de tal película são tão ruins que não vale a pena nem ao menos citar seus nomes nesse texto.

Como se não pudesse piorar, o roteiro do filme é ruim, mas tão ruim, que pode ser resumido em algumas poucas linhas. É basicamente a história de uma recém formada modelo que vive em conflitos familiares que tem a oportunidade de se tornar a estrela de um espetáculo de moda, mas fica com medinho de comparecer ao mesmo, já que corre o risco de ser assassinado por um serial killer exterminador de modelos.

Na verdade, o roteiro do filme é tão curto e sem nada a acrescentar que poderia ser resumido em uma curta metragem de quinze minutos e, mesmo assim, provocaria uma enorme sensação de tédio ao espectador.

Porém, o pior de tudo no filme é seu roteiro simplista, que insiste em criar as mais diversas sub-tramas ao longo do filme, ao invés de passar logo para a parte que interessa (violência).

Em compensação, toda a trama que se desenvolve ao longo do filme termina de forma até mesmo razoável (o que acredite, é uma grande façanha para filmes desse tipo), não tão surpreendente assim, mas, também não chega a ser uma conclusão assim tão obvia quanto eu esperava dês do começo da película.

Para concluir logo o texto, - já que se eu falar um pouquinho mais desse filme, provavelmente acabarei vomitando, - vou finalizar dando a infame Nota 4,7 pra esse filmequinho que é ruim (aliás, muito ruim), mas não chega a ser um "Batman & Robin" da vida.

E para compensar o textinho curto desta postagem, tentarei publicar mais cedo meu próximo texto.

O Lobisomen (2010)

2010-06-20T19:00:00.000-03:00

Quando leram na postagem sobre "Psicose" um trecho dizendo "nos vemos semana que vem, quando eu falarei sobre algum filme da "Universal" (que não é dirigido pelo Alfred Hitchcock)", provavelmente pensaram (pelo menos meus leitores mais antigos) que iria elogiar algum dos clássicos de filmes de terror que tanto falo ao longo de meu blog. Porém, devo dizer que vocês acertaram apenas metade do afirmação, já que eu vou sim falar sobre um filme de monstros, porém o caso é que tal filme é um remake de 2010.

No entanto, quero deixar bem claro que ao contrário do que grande parte da crítica diz, "O Lobisomen" não é um filme tão ruim assim, na verdade, até que ele é muito bom e recomendável.

O filme conta a história de Lawrence Talbot, um homen inglês que viaja até a America em busca de retornar a sua terra ancestral, porém quando este homem é mordido por um lobisomen, sua vida muda, e agora em todas as noites de lua cheia, o mesmo se transformará em um terrível e sanguinário lobo em busca de sangue e tripas. Neste ponto do texto, não irei comparar o remake com filme em que ele se baseia, já que faz anos que não vejo o lobisomen de 1941.

Lendo o parágrafo anterior, a história até parece um tanto quanto clichê, mas na verdade, é melhor do que qualquer roteiro de algum filme da saga "Crepúsculo". Respeitando fielmente tanto a lenda real do lobisomen, quanto os filmes mais antigos sobre o assunto. E graças a Deus, os personagens do filme não viram lobo quando estão irritadinhos, mas sim quando a lua cheia aparece.

Infelizmente os efeitos especiais não são tão bons quanto a história do filme, ficando muito artificiais em certas cenas, principalmente o sangue feito digitalmente por computação gráfica. Melhor nem comparar o remake com o filme original neste quesito, já que o original iria vencer de virada, apesar de ter mais de cinquenta anos de diferença em relação ao novo filme, os efeitos do original eram muito menos artificiais.

Para compensar os efeitos especiais, "O Lobisomen" tem uma ótima filmagem e fotografia, porém não tão perfeita a ponto de ser elogiada ao longo de todo o texto.

Outro ponto ótimo neste filme, chegando ser melhor que a fotográfia e a filmagem, é a ótima atuação por parte dos talentosos Anthony Hopkins, Benicio Del Toro, além de Geraldine Chaplin, ninguém menos que a filha de Charles Chaplin. Tendo também Emily Blunt e Hugo Weaving no roteiro, é extremamente fácil dizer que este filme tem realmente um elenco de peso.

Como disse anteriormente, "O Lobisomen" não é um filme ruim como grande parte da crítica disse, mas também não chega a ser uma obra de arte do século XXI, é apenas um filme bom, nada mais que isso. Então vai a recomendação e a Nota 7,6 para o filme, que é competente, mas não o filmaço que eu imaginei que seria.

Psicose - Crítica

2010-06-13T20:43:00.000-03:00

Na linha da postagem anteriror, vou fazer novamente um texto sobre uma obra-prima de Hitchcock, que coincidente, também é preto e branco como o filme anterior. Só que este "Psicose" tem uma grande diferença de tempo em comparação a "Pacto Sinistro", praticamente uma década, isso até pode parecer pouca coisa, se levarmos em conta de que do ano 1990 até o começo da década de 2000 o mundo não evolui tanto. Porém esta não é a questão, a questão é que da década de 50 até a de 60 a tecnologia cinematográfica avançou muito, começando a surgir os filmes coloridos.

Mas lembre-se também que estamos falando de 1960, tempo em que a censura era exagerada (pelo menos para os padrões de hoje em dia) e os cinemas mais chiques só exibiam filmes em sua maioria com censura livre, o sexo e a violência sobrava para os cinemas mais chumbregas e os filmes que continham estes aspectos, geralmente eram totalmente dependentes de uma produtora e eram feitos por símples amadores.

Porém o povo é surpendido quando Hitchcock decide quebrar o enorme tabu que as maiores produtoras tinham com os filmes violentos, decidindo por rodar o seu novo clássico "Psicose" quase como de uma forma independente, sem o envolvimento de produtores para interferir nas idéias do idolatrado "mestre do suspense". E o resultado de tudo isso dá mais do que certo, transformando esse "Psicose" não só no primeiro "slasher movie" que se tem registro, como também em um dos melhores filmes de Hitchcock.

Apesar de serem poucas as cenas de violência extrema em "Psicose", já que o principal objetivo do filme não era chocar o público com sangue, mas sim com altas doses de suspense psicológico, estas cenas já viraram motivo para boicotar o filme e iniciar enormes dirscursos moralistas sobre filmes politicamente incorretos, mais ou menos como ocorre com os video games hoje em dia. Toda essa polêmica sob o filme causou certa agitação até mesmo no próprio Hitchcock, fato que só fez o filme ser mais cultuado através das décadas.

É interessante também notar como o pensamento do mundo moderno mudou em relação há alguns anos atrás, já que hoje em dia, os fãs de cinema reclamam da falta de sangue em um filme de terror, ao invés de protestar contra o excesso de sangue e violência nestes filmes como era feito antigamente.

O brilhante roteiro de "Psicose" se baseou em um livro homônimo que no entanto era baseado na história real do assassino em série americano Ed Gein, condenado pelo assassínio de duas pessoas, mas suspeito de ter matado dez pessoas no total. Não me aprofundarei mais que isso sobre "Psicose", já que um detalhezinho a mais sobre o filme poderia estragar as surpresas que esta obra prima do suspense proporciona.

Quanto à direção e a fotografia do filme, nem preciso dizer que esta excelente, graças a perfeição que Alfred Hitchcock fez questão de utilizar no filme, demorando até mesmo uma semana inteira para filmar a cena de maior impacto, conhecida como a famosa "Cena do Chuveiro", que apartir de então seria homenageada em diversos filmes de terror que viriam a seguir.

O elenco de "Psicose" é composto por atores que mais tarde tornariam-se eternizado na lembrança dos fãs de cinema graças as suas participações neste clássico do suspense, tendo todos eles sidos de certa forma marcados pela imagem de "Psicose". Entre todos estes atores o que mais se destaca é o vilão do filme Norman Bates, interpretado pelo excelente Anthony Perkins, falecido em 1992 em Hollywood devido a uma pneumonia contraída por causa da AIDS.

Outro ator do filme que se destaca devido a sua ótima performance é a atriz Janet Leigh, que recebeu uma indicação ao "Oscar" e um prêmio do "Globo de Ouro" de melhor atriz coadjuvante, graças a sua excelente interpretação como a personagem "Marion Crane". A atriz também é conhecida por dar a luz a também atriz Jamie Lee Curtis, que se tornaria conhecida pelo seu papel no filme "Halloween - A Noite do Terror" de 1978, filme que coincidentemente tornou-se quase tão importante quanto "Psicose" para a história dos filmes de terror.

A trilha sonora do filme ficou a cargo do excelente compositor Bernard Herrmann, sendo que esta é uma das mais conhecidas trilhas sonoras dos filmes de terror e suspense de todos os tempos, principalmente a trilha tocada na famosa "cena do chuveiro" deste filme.

Além disso "Psicose" também foi indicado a uma grande quantidade de prêmios, porém ganhando apenas dois deles, um "Globo de Ouro" de melhor atriz coadjuvante para Janet Leigh e um Prêmio Edgar de melhor filme. Além disso, entre as indicações coletadas por "Psicose" está também quatro indicações ao Oscar (melhor atriz coadjuvante para Janet Leigh, melhor fotografia, melhor direção de arte e melhor direção), injustamente não ganhando nenhuma.

Por todos estes elogios ao longo de todo o texto, ficou meio óbvio que eu daria a Nota 10 para esse filme, não? Então vai a recomendação e nos vemos semana que vem, quando eu falarei sobre algum filme da "Universal" (que não é dirigido pelo Alfred Hitchcock).

Pacto Sinistro - Crítica (Com Revelações sobre o Enredo)

2010-06-05T23:17:00.000-03:00

Como havia dito na postagem anterior, neste post eu voltarei com o conteúdo habital, ou seja, críticas mais ou menos curtas publicadas semanalmentes. Já que, pelo menos na minha sincera opinião, as listinhas de determinados assuntos publicadas com um atrasado prazo de tempo perderam a graça logo depois do "Os 15 clichês supremos de filmes de terror (Parte 1)".

Hoje então, falarei do filme de 1951 "Pacto Sinistro" (como o título do post já explica), dirigido pelo mestre do suspense Alfred Hitchcock, e com roteiro de Whitfield Cook e Ben Hecht, sendo o último não creditado.

O filme baseado no livro honônimo já começa de forma promissora, com dois homens estranhos se encontrando em um trem direto para algum lugar (não lembro aonde e estou com preguiça de procurar na internet), e rapidamente construindo um interessante, bem dirigido e bem filmado diálogo entre si.

Ao desenrolar da conversa, acabamos descobrindo que Haines é um tenista famoso, casado, disposto a fazer de tudo para livrar-se de sua esposa atual e então casar-se com seu verdadeiro amor Anne Morton, filha de um senador estadunidense. E que Bruno Antony, o outro homem do trem, é um psicopata que sonha em algum dia matar seu pai.

Graças as manchetes dos jornais, Bruno reconhece que seu parceiro de vaga é o tenista Haines e, reconhece também, que o mesmo sonha em livrar-se de sua mulher, assim como Bruno gostaria de livrar-se de seu próprio pai. Então o psicopata sugere ao tenista o crime perfeito, ou seja, um maligno pacto sinistro: ele mataria a esposa de Haines, então em troca Haines mataria o pai de Bruno.

Como o tenista não era nenhum psicopata, e assim pensava que seu parceiro de vaga não era tal tipo de ser repugnante, aceita o trato mas o leva como uma piada. Porém não se pode dizer o mesmo quanto a atitude de Bruno, que leva o trato a sério e depois de uma empolgante cena de perseguição, asfixia brutalmente a esposa de Haines, e ainda por cima ensiste que o tenista faça o mesmo com seu pai.

No filme inteiro é perseptivel a boa atuação dos personagens principais, dando destaque a ótima atuação de Robert Walker como o psicopata Bruno em um dos úlimos filmes de sua carreira como ator, já que Robert acabou falecendo com míseros 32 anos em agosto do mesmo ano de estreia do filme, tendo mais apenas o filme "Meu Filho John" em seu cúrriculo, lançado um ano após sua trágica morte.

Com um ótimo roteiro e argumento "Pacto Sinistro" se mostra um grande exemplo de como Hitchcock sabia como dirigir cinema, o filme conclui com uma empolgante perseguição entre Haynes e Bruno no mesmo parque de diversões em que a esposa de Haynes é assassinada, que termina em um duelo até a morte entre os dois homens em cima de um carrosel na velocidade máxima cheio de criancinhas. E, apesar de que ao ler a frase ao lado isso possa parecer um tanto quanto estranho, a verdade é que esta sequência é uma das melhores do filme inteiro.

Após toda essa briguinha, Bruno acaba falecendo devido a um fatal acidente que levou o carrosel em que os dois homens lutavam em pedaços, e seu corpo fica esquecido em meio aos destroços onde tem guardado no bolso a prova que foi ele quem cometeu o assassinato da esposa de Haynes.

Pela boa atuação, ótimo roteiro e a incrível direção de Alfred Hitchcock "Pacto Sinistro" pode ser considerado uma obra prima, ou até mesmo um dos melhores filmes do "Mestre do Suspense". Então fiquem com a dica, é um filme recomendável tanto para quem gosta de suspense, tanto para quem não gosta. Por isso, além de outras razões, dou a Nota 9,8 e meio, quase dez. Ok, que grande babaquice, dar uma nota 10 para esse filme vai ser quase a mesma coisa que 9,8. Então eis o julgamento final: Nota 10 para Pacto Sinistro. Parabéns, o filme merece até uma estrelinha por essa façanha!

Os 15 clichês supremos de filmes de terror (Parte 3)

2010-05-30T14:07:00.001-03:00

Parece que estou virando um bastardo preguiçoso... Já é a terceira postagem que publico com atraso! Porém desta vez tem um motivo, peguei um baita resfriado e passei a semana toda indisposto e pra somar com a minha desgraça os professores decidem me encher de testes dificílimos para semana que vem. Parece até que o mundo esta contra mim. Agora chega de lamentações, vamos logo a lista!

O gordinho da história sempre vai ser um cara chato e incompreendido que você vai torcer para ver morto

Talvez os diretores/roteiristas tenham um enorme preconceito com gente acima do peso, pois em todos os filmes eles são apresentados como o mesmo estereótipo de gente gorda, fazendo você ficar morrendo de vontade de ver o tal personagem obeso morta da pior forma. Isso só faz lembrar-me o quanto odeio estereótipos, tanto de loiras e morenas, quanto de chineses e japinhas e quanto de punks, hippies e skinheads. Malditos diretores de filmes de terror que insistem em abusar desses malditos estereótipos inúteis. E eu só não soltei um monte de palavrões na frase ao lado pois quero manter este blog um blog família, cassete!

Os negros/mexicanos/orientais sempre vão morrer primeiro

Ok, mais uma vez, no mesmo post, chegamos a conclusão que os diretores e roteiristas de filmes de terror são preconceituosos pra cara... Ok, já basta um palavrão nesse post, se eu estampar mais um palavrão nesse blog estaria praticamente negando que isso é um blog família.

Ainda mais o mesmo palavrão! Santa falta de criatividade, Batman!

Se um filme fez muito sucesso (ou em outros casos é até um filme cult) e tem muitas mortes, um bando de ~~desocupados~~ fãs do filme irá fazer uma montagem contendo mortes do filme no Windows Movie Maker

É até íncrivel o número de videos deste tipo que tem no youtube, apésar de a maioria destes serem horrívelmente preparados, é também impressionante o número de montagens que ficam bem feitas. Prova disso é que eu botei um link sobre cada um desses exemplares em todas as palavras da primeira linha deste parágrafo. E depois é os caras que fazem a montagem que são desocupados!

O assassino é lento mas é rápido

Essa seria a única explicação pláusivel para o assassíno do filme andar com passos de tartaruga, mas aparecer sempre á frente da vítima que corre desesperada. Ou é isso ou as vítimas em questão correm em círculos quando estão com medo em filmes de terror, sendo facilmente pegas pelo assassíno que anda em linha reta.

Como o assassino bota os corpos das vítimas nesses lugares?

Provavelmente além de super força, o assassíno desfruta de vários outros poderes como super pulo, agilidade fora do normal, poderes de aranha, entre outros. Só isso explica como um serial killer psicótico consegue, segurando um cadáver em suas costas, escalar uma árvore ou outro objeto igualmente grande, com o intituito de "esconder" seus corpos. Eu digo esconder com áspas, pois geralmente o assassino deposita o cadáver em lugares que os outros personagens da história fazem questão de ir. Como encima de uma cama ou de uma rede de descanso.

Ao fugir do assassino, a vítima em fuga - normalmente uma mulher - sempre acaba tropeçando e caindo no chão

Quando a vítima esta gastando todas suas forças para correr do terrílvemnte lento assassino, e até faz menção de escapar, sempre tropeça em um galho ou até mesmo no próprio cadarço. É por isso que os serial killers de filmes de horror sempre usam sapato de velcro (ou não). É, novamente eu peguei um deseinho de ilustração de outros sites que falam sobre o assunto de clichês de filmes de terror.

E sim, a maioria das fotos de ilustração destes três últimos posts são da série Sexta Feira 13. Afinal, não é culpa minha esse filmes terem tantos clichês!

Por hoje é só, nos vemos semana que vem (sem falta!) como a programação habitual.

Os 15 clichês supremos de filmes de terror (Parte 2)

2010-05-03T19:00:00.001-03:00

Cá estamos novamente em mais um postagem atrasada em meu blog! Não é animador? Não, eu sei que não. Mas eu podia ter feito pior! Podia deixar o blog abandonado por mais de um ano e, acredite se quiser, eu visitava um blog que atualmente esta abandonado por mais de um ano. No more enrolations, it's time to begin the post.

A casa do assassino tem cabeças de bonecas espalhados por todo lado

Ok, tudo bem que estamos na casa de um serial killer psicótico então é normal que ela tenha uma decoração completamente estranha e seja completamente desarrumada. Mas isso não justifica como um cara que passou anos isolado de tudo e todos consegue arranjar tantas bonequinhas para botar como enfeite em sua sala de estar.

Isso faz com que nós chegemos a conclusão que existem lojas de bonecas em Crystal Lake onde Jason rouba os modelos de Barbie que mais lhe agradem.

O assassino mata amantes em um carro estacionado

Isso acontece em qualquer Slasher Movie da década de 80, é simples, tem um belo par romântico estacionado com seu carro no meio de um campo deserto prestes a fazer atos nada cristãos, quando são interrompidos por um estranho barulho vindo do lado de fora do carro. A garota fica desesperada o suficiente a ponto de fechar novamente o zíper de sua jeans e insiste para seu querido namorado que ele saia do carro e va checar o que esta havendo la fora. O cara nem da bola e continua a desabotar sua camisa, mas sua namorada insiste tanto que ele sente-se obrigado a descer do carro. Nesse momento o assassino ataca o indivíduo que saiu do carro e o mata (geralmente com uma faca ou um machado), a mulher da um estrondoso grito e em questão de segundos também morre.

Final feliz para um casal apaixonado, não?

Se o primeiro filme vendeu, então tenha certeza que o segundo vai ser lançado

Mesmo se o primeiro filme foi uma porcaria colossal, o segundo, terceiro e talvez até décimo filme com certeza vai ser lançado se o produto continuar vendendo. Apesar de ser puro caça níquel, o segundo filme quase sempre se mostra quase tão bom quanto o original (ou tão bom quanto e alguns casos até melhor). A qualidade só começa a ficar podre mesmo é no terceiro filme. Afianal quem não se decepcionou com Halloween 3? Não que o filme seja ruim, mas Halloween sem Michael Myers não da pra engolir.

E se o filme vendeu muito, mas muito mesmo então vai ser lançado um game muito, mas muito ruim mesmo que se baseia no filme

Quando um filme ~~ótimo~~ bem caça níquel acaba de ser lançado, milhares de fãs (ou gente burra, como você preferir) vão sair por aí comprando produtos relacionados ao filmizinho que acabaram de ver. Por isso a cada produção Hollywoodiana além de um filme, são também lançados bonecos, brindes de McLanche Feliz, entre outros. Independente da qualidade do produto.

Acontece que os produtos tem de ser lançados logo na época que o filme ainda esta fazendo sucesso, se não os fãs vão começar a perder interesse por esse filme e seus produtos e começaram a ganhar interesse por outro filme novo e seus produtos. Por isso a maioria dos produtos baseados no filme são feitos mais rápidos que a velocidade de um elefante. Não espere, os elefantes são lerdos, eu devo dizer mais rápidos que um falcão-peregrino.Saindo então muito aquém do esparado.

Principalmente os games, que acabam feitos por empresas nada experientes. É horrível! Não é possível descrever a ruimdade dos produtos nem com palavras, então olhe isso, isso e isso e experimente a dor dos fãs dos respectivos personagens.

Agora já vimos clichê demais para um só dia! Mais tortura clichêsistica semana que vem.

Os 15 clichês supremos de filmes de terror (Parte 1)

2010-04-18T19:00:00.001-03:00

Voltando ao assunto de filmes, que no início era assunto principal desse blog (mas agora foram três posts que nem sequer mencionaram a palavra "filme"), vou falar de algo que há tempos queria falar, os clichês de filmes de terror (mais especificamente dos slasher movies). Divirtam se e espero que gostem do post (que novamente chegou atrasado). E só pra deixar claro o que significam essas imagens que você esta vendo logo abaixo, é uma cena de um filme que acontece o clichê mencionado. Fui claro? Espero que sim e, se você não entendeu minha explicação provavelmente é um completo retardado.

Alguém se aproxima de um corpo desmaiado, com as costas viradas de costas para a câmera

O típico momento "Búúúúú", esse cenário geralmente envolve uma pessoa delicada (ou assustada ou os dois) indo em direção a uma cadeira que, a primeira vista parece extremamente inofensiva, com pergutinhas bestas do tipo "Você esta bem?" ou se no caso a personagem estiver fugindo de alguém (ou algo) "Por Favor me ajude! Tem [uma família de canibais/um boneco assassíno/um zumbi/um alien/o Papai Noel] me perseguindo!". Então do nada a pessoa vira a cadeira e se depara com um cadáver ou um bicho que quer comê-la, e a câmera faz questão de enfiar um zoom na cara do indivíduo da cadeira e logo após na cara de susto da personagem.

Alguém hesita em matar uma pessoa amada que se transforma em zumbi/vampiro/lobisomem/comunista

Por mais horrenda e macabra que a pessoa esteja, a personagem principal sempre hesitará em matar seu velho amigo (ou namorado, pai, mãe, cachorro, sogra... ops, esse último até que a hesitação nem vai ser tanta). Esse momento é acompanhado quase sempre por alguma outra pessoa dando apoio moral com frases do tipo "Esse(a) não é mais seu(a) [mãe/pai/irmão/irmã/cachorro/namorado/empregada]!”. E sim, eu sei que havia dito que botaria uma cena de um filme que acontece o clichê mencionado, mas como não achava tal cena decidi pegar imagens de um dos tantos sites que tratam sobre o assunto.

Quem toma banho, morre no chuveiro

Não importa se a personagem do filme apenas tome um banho rápido de menos de 5 minutos, sem direito a shampoo nem a sabonete. Em questão de segundos, um assassino psicopata entrara no banheiro e esfaqueará sem piedade até a morte. Dica: seria mais preventivo tomar banho de mangueira em local público na luz do dia, claro que a personagem seria taxada de louca ou presa por atentado ao pudor, mas isso pelo menos evitaria que fosse violentamente atacado por um maníaco no chuveiro.

O Google sabe de tudo

Você acha que esta sendo perseguido pela morte? Ou apenas quer saber se sua filha adotiva é uma serial killer anã se fingindo de criança? Não se preocupe, o google tem o que você procura. Quer dizer, pelo menos é isso que Pemonição nos ensina. Quem diria que um slasher movie em que adolescentes são perseguidos pela Morte serviria para algo além do entreterimento? E eu sei que tinha dito que só iria botar imagens de filmes. Mas ta dificíl de encontrar uma imagem descente para postar aqui, então esqueçam o que eu falei no começo do post. Vou botar a partir de agora o que me der na telha!

Lição de moral: Nunca confiem muito em mim.

O amigo "imaginário” da criança acaba sendo de verdade

Se o filinho da personagem principal diz que seu amigo "imaginário" é um Holligan que perdeu o braço lutando contra soldados nazistas na primeira guerra mundial e também criador do movimento KKK, isso deve ser pura verdade. Todo mundo sabe que é ímpossivel matar nazistas na primeira guerra, mas vamons levar em conta que filmes de terror não precisam realmente fazer sentido.

Então por hoje é só pessoal! E me desculpem pela demora pra lançar o post, mas como eu já disse antes: "Nunca confiem muito em mim". Semana que vem sai a coninuação (ou não).

Lendas Urbanas (Parte 2 de 2)

2010-04-04T14:53:00.002-03:00

Yes, uhhuuuu! Estou escrevendo novamente nesse blog, então isso significa que eu ainda estou vivo! Não é maravilhoso? Bom, quer saber o motivo da animação? Não é óbvio? Hoje é Páscoa! Dia em que ganhamos toneladas e toneladas de chocolate e comemos até vomitar. Isso mesmo, por acaso vocês achavam que ela tinha algum outro significado? Jesus Cristo é só uma desculpa pra Nestlé vender mais chocolate, ponha isso em sua cabeça.

Assassíno do Gancho

Como eu estou em pura animação, vamos falar de algo extremamente feliz: um assassíno com um gancho na mão esquerda! Não combina com a Páscoa? De acordo com a lenda, que surgiu lá pela metade da década de 50, um belo casal que foi para uma estrada deserta de carro com o objetivo de namorar em paz, acontece que a música sensual que o casal ouvia foi interrompida por um boletim de última hora: "Perigoso assassíno foge do hospício e se encontra nas redondezas. Todos fiquem em casa ou no abrigo mais próximo e fiquem em segurança. Repetindo ele é extremamente perigoso! Descrição de cerca de dois metros de altura, cabelos raspados e no lugar da mão direita, tem um grande e afiado gancho.

Bom, o que aconteceu depois depende da versão da história. Alguns dizem que os dois morrem, outros que só um morre... O que interessa é que o asassíno nunca mais foi encontrado pela polícia. Feliz história não? Contem ela a seus filhos quando estes nascerem. Extremamente educativa.

O Velho do Saco

Essa lenda é famosa pácas (e essa expressão também é velhinha pra dedéu, e dedéu é mais velha ainda) e foi criada por mães para dar como justificativa para seus filhos não brincarem sózinhos na rua. De acordo com a lenda, o velho do saco é um mendigo desocupado que sequestra as criancinhas que andam sozinhas nas ruas com o intuito de vender seus orgãos no mercado negro. Alguns dizem que esse misterioso Velho do Saco seria o Seu Madruga ou até mesmo o Papai Noel. Mas ainda faltam provas para comprovar qualquer coisa.

Comunista Come Criancinhas

Essa lenda foi criada pelos próprios comunistas, que como brincadeira começaram a dizer que "Comunistas comem criancinhas". Acontece que a mídia interpretou mal a frase, e saí por aí estampando em capas de jornal que os comunistas comem criancinhas. Após isso, provavelmente foram criados restaurantes comunistas com o patro principal de Sopa de Moleque e Baby Beef. Apenas uma hipótese.

Papai Noel é Comunista

Continuando no clima de lendas comunistas vamos analisar uma coisa: imagine um cara velinho gordinho, com barba branca e redonda, ninguém sabe exatamente onde ele vive, apesar de ser mundialmente conhecido e liderar um extenso grupo de pessoas. Quem seria este ser? Papai No... Espere! Não responda ainda, primeiro pense no que você aprendeu em suas aulas de Geopolítica. E agora responda quem são os dois únicos caras no mundo que se encaixam no perfil? Dica: um deles começa com K. Papai Noel e K... Ka... Use o cérebro! Esta na cara que eu falo de Karlz Max! Grande líder comunista que atuou como economista, filósofo, historiador, teórico político e jornalista ao longo de sua vida.

Então ai você me pergunta: "Seu doente! O que diabos isso tem a ver com o Papai Noel ser comunista? E daí que ele é parecido com Karl Max! Papai Noel é uma figura capitalista criado pela Coca Cola, não tem nada a ver com comunismo". Não mesmo? Se olharmos bem o Papai Noel faz a distribuição de brinquedos para crianças pobres (sendo que um dos lemas do comunismo é: "Dar a cada um, segundo sua necessidade"), apesar de todas as inovações tecnológicas, continua usando um trenó puxado por renas (prova de que o planejamento econômico adotado onde ele reside não melhorou a vida de ninguém), nenhum operário da fábrica de Papai Noel jamais foi visto dando qualquer declaração pública sobre as severas condições de trabalho que é submetido (fazendo parecer que se demonstrasem qualquer insatisfação o anão é enviado para a Sibéria como qualquer russo descontente) e entre outras coisas... Entende onde eu quero chegar?

Bebê Diabo

Essa daí foi publicada pelo extinto jornal Notícias Populares, nacionalmente conhecido por inventar notícias e exagerar no sensacionalismo. Dessa vez, o jornal aproveitou-se da notícia de que um bebê havia nascido com deformações para inventar uma série de reportagens que iam se desenrolando ao decorrer das edições. Segundo o jornal ele era um bebê que nasceu com chifres, cascos e rabo e, com o passar das edições, foi feito uma entrevista com a mãe da criança, que revelou que próprio capeta era o pai do guri.

Paul McCartney morreu e foi substituído por um sósia

Tudo aconteceu em 12 de outubro de 1969, quando um telefonema anônimo ao DJ Russ Gibb da radio WKNR-FM de Dearborn, Michigan, informou sobre a morte de Paul dizendo que se a canção "Revolution 9" fosse ouvida ao contrário seria possível ouvir "turn me on, dead man" (reviva-me, homem morto). Posteriormente a mídia e os fãs foram inventando conspirações malucas e acabou sendo concluido que o verdadeiro Paul McCartney morreu em um acidente de carro (evidência encontrada na música "A Day In The Life") e substituído por um sósia. E a partir de sua morte os Beatles passaram a deixar pistas em seu trabalho sobre o fato.

E aqui termina essa postagem! Feliz Páscoa e espero que tenham gostado dela e, quem sabe daqui a um tempo eu até não lanço uma parte três. E relembrando mais uma vez, não se esqueçam de entrar em meu blog sobre música (http://theflyingeyes.blogspot.com/)!

Lendas Urbanas (Parte 1 de 2)

2010-03-27T19:58:00.001-03:00

Lenda é aquela história de caráter fabuloso ou muitas vezes sensacionalista, amplamente divulgado de forma oral, com o objetivo de assustar alguém, dar lição de moral ou até mesmo contar uma história ficticía mas que mesmo assim tem gente que acredita. As lendas urbanas não são diferentes, só que ao invés de contar histórias antigas envolvendo índios e fazendeiros (pelo menos as daqui do Brasil), relatam fatos vividos nos tempos atuais e num contexto bem urbano (como o nome sugere). São geralmente baseadas em fatos reais, contados pelo amigo do amigo de alguém, só que em uma versão bem mais exagerada e impressionante.

Hoje vou usar o espaço de meu blog para relatar lendas urbanas famosas e algumas não famosas, ou seja as divulgadas pela midía e as divulgadas por meus amigos e colegas de classe. Espero que gostem do post. E o que esse boneco do Fofão esta fazendo com um punhal atrás de você?
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Ráááááááááááá! Pegadinha do Malandro!

A Loira Do Banheiro

Decidi começar com uma das mais conhecidas, e essa é sem um pingo de dúvida a lenda da loira do banheiro. Provavelmente criada por professores que não queriam que os aluninhos matem aula. Não que esta idéia funcionou, pois podem ser encontrados montes de gente nos corredores em horário de aula, o que aconteceu foi que o frequentamento do banheiro foi diminuído.

A lenda tem diversas versões, dependendo do colégio e estado, mas todas tem a mesma base. Uma aluna (ou professora) loira e muito bonita, com algodão cobrindo seu ouvido, olhos e suas feridas, aparece nos banheiros dos colégios assustando os estudantes que matam aula. Outras versões retratam a loira como uma bela professora que é injustamente torturada e morta por alunos rebeldes e não satisfeitos com a nota de sua última prova (ou com o bilhete na agenda por mau comportamento), sofrendo cortes profundos tapados por algodão em todo corpo. Provavelmente era apenas uma pegadinha com um professor estagíario bunda mole, não duvido nada de alunos que matam sua professora. Ainda mais sendo ela loira e bonitinha.

Outras versões menos elaboradas, é uma aluna que matava aula que escorrega e cai de cabeça na privada, sendo essa versão sem o lance do algodão.

Matar Formiga Provoca Diarréia

Para equilibrar um pouco, vou botar agora uma lenda um pouco mais desconhecida. Essa lenda das formigas não é exatamente desconhecida, mas também não é tão conhecida assim para ganhar o título de conhecida. Ela é bem mais simples que a da loira do banheiro, e consiste apenas na história de que matar formigas provoca diarréia. É isso, não tem nem história de fundo. Provavelmente foi criada por hippies sob uso de drogas. Ou não.

A Brincadeira Do Copo

Junto a loira do banheiro, ess aí é uma das mais famosas, até porque eu aposto que muitos de meus leitores já devem ter feito a tão famosa brincadeira de invocar espíritos. E cada vez que ela é feita, gera sempre uma histórinha, muitas vezes exagerada. Por exemplo hoje mesmo (ou ontem depende quando eu terminaro post) uns colegas meus decidiram invocar espíritos em pleno recreio, e de acordo com eles, o espírito em questão se embrabeceu com o nível das perguntas (do tipo "Tu é gay?", "Teu pai sabe que tu é Gay?" e coisas do tipo) e tentou atacar eles. Cada um conta uma história diferente, então é difícil dizer exatamente o que aconteceu, mas pelo que eu sei eles não tinham bebido nada antes do jogo.

O Espírito do Banheiro

Devo admitir que nunca acreditei nessas lendas, invoco espíritos só por brincadeira e fingia que tinha medo até da loira do banheiro. Sempre achei esse negócio de fantasmas e demônios uma besteira, e continuo achando. Mas acontece que eu mesmo já inventei uma delas! Garanto que foi só uma conhecidencia ou algo assim, mas não tem nada melhor que assustar meus colegas de classe.

Em um completo momento de descontração, eu e meus amigos estávamos dando uma descansada do treino de basquete. Era quase umas oito horas e estavamos completamente agitados, falando e rindo alto já que o colégio estava quase deserto. Claro que era dia de reunião de professores, mas os guardinhas de dentro do colégio já estavam descansando (mesmo sem a devida permissão), então tinhamos permissão pra fazer o que bem inteder.

Ao entrar no banheiro, não sei o que deu em um amigo meu mas ele começou a falar em espíritos e bobagens assim (sim, ele também é fã de filmes de terror). Foi aí que ouvimos um barulho no teto, e ao olhar pra cima nos deparamos com um vulto passando rapidamente pela parede. Hmm, uma borboleta ou algum desses insetos qualqueres. Pois é, mas acontece que nós fizemos questão de dizer que tinha um espírito no banheiro masculino.

Crocodilos nos Esgotos de NY

Essa lenda assustou grande parte da população americana. De acordo com os jornais sensacionalistas da década de 1930, as tubulações subterrâneas de água e esgoto de Nova York estariam infestadas de crocodilos assassinos. Há muito tempo atrás, uma grande quantia de crocodilos veio de Flórida como bonitinhos animais de estimação. Acontece que a medida que iam crescendo eles foram se tornando grandes e violentos demais, fazendo com que seus donos abandossem os pobres animais em sujos esgotos. Bizarro não?

Boneco Assassíno do Fofão

Todos conhecem o Fofão, aquele simpático alienígena do planeta Fofolândia que nem falar direito sabe. Ou também conhecido como a mente por trás da fabricação dos brinquedos assassínos da Mimo. Foram mais de quatro milhões de bonecos vendidos e mais milhares de crianças e pais assassinados.

Tudo começou num belo dia, quando um desses bonecos quebrou. A mãe do garotinho foi rapidamente juntar os restos do brinquedo quando percebeu uma coisa muito fora do comum. Tinha afiado punhal, velas pretas e diversos outros objetos satânicos dentro do brinquedo! E como mulher adora fofocar, rapidamente o Brasil inteiro ficou sabendo do ocorrido. Acabando imediatamente com as vendas de produtos do Fofão.

Assassinatos, incêndios, tráfico de drogas, maridos traindo suas mulheres, mulheres traindo seus maridos... Era tudo culpa do Fofão e seu exército de bonecos assassínos! Tem gente que jura que viu o boneco se mexer até hoje.

Por hoje é só, e me desculpem por ter demorado duas semânas pra postar isso aí! Semana que vem (agora eu juro que vai ser sem falta) eu posto mais algumas urbânidades lendarias. Sim, eu inventei essa expressão agora. Não se esqueçam de visitar meu blog de música! (http://theflyingeyes.blogspot.com/)

Terror nos Video Games

2010-03-14T21:22:00.005-03:00

O terror pode ser transmitido de diversas formas, tais como pelo cinema (que é o ponto central deste blog), pelo teatro, pela literatura, por lendas urbanas e folclóricas ou até mesmo por meio de livrinhos infantis (acredite se quiser, já vi para vender adaptações infatilizadas de histórias envolvendo o Dracula, o monstro de Frankenstein e até a Múmia). Mas existe um tipo de mídia que consegue superar todas as outras em termos de tensão, a dos games, é claro. Por quê? Ora, pois ao jogar um jogo eletrônico, tu não só vê os fatos acontecerem como controla uma pessoa aterrorizada dentro de um universo aterrorizador.

É dificil dizer qual foi o primeiro jogo de terror de todos os tempos no meio de tantas produções desconhecidades. Provavelmente este foi um daqueles games japoneses conhecido por meia dúzia de nerds. Porém esse não é o meu caso, não sou nerd o suficiente para escrever uma análise profunda quanto a este tipo de mídia. Mas se eu tenho algum leitor nerd que saiba de alguma informação adicional sobre o assunto, me avisem.

Porém o primeiro game horrorrístico a fazer devido sucesso foi "Splatterhouse", lançado em 1988, tempo em que o horror deixou de ser aquela coisa violenta e obscura e virou um fenômeno Teen.

Apesar de ter inúmeros elementos presente em um jogo de ação, este desfruta um pouco do terror, principalmente do produzido na década de oitenta, tendo um clima no mínimo bizarro. O jogo tem diversas referências e homenagens a famosos filmes Trash dos anos 70 a 80, tanto é que alguns até dizem que é plágio.

Por exemplo como se pode ver na capa, o personagem principal é uma cópia descarada do Jason, tanto é que este encontra-se armado com um facão típico de Jason - inclusive no segundo jogo da série a produtora mudou a máscara do Rick para uma de caveira, com o objetivo de evitar processos. E além disso, o vilão do jogo é uma homenagem de Leatherface do Massacre da Serra Elétrica, numa versão mais musculosa. Entre outras referiencias...

Porém o jogo que introduziu os games para um terror mais psicológico foi o "Alone in The Dark", lançado em 1992 para computadores, na época em que os jogos ainda eram gravados em disquetes. O jogo foi considerado muito alternativo e assustador para época, acabando que no final apenas nerds extremos o apreciaram. Mas isso não significa que tal produto tenha sido um fracasso, pois ainda foi lançado mais três sequências e um remake para este.

Alone in The Dark influenciou uma linhagem de games alternativos de terror, que mais tarde inspirariam grandes franquias como Silent Hill e Resident Evil, entre eles Prisoner of Ice, Shadow of the Comet e Sweet Home (o mais famoso dos três, por ser baseado em um filme japonês com o mesmo nome). Ambos jogos de terror psicológico exremo.

Porém o jogo que popularizou o genêro como nós conhecemos hoje foi o assustador Resident Evil, no qual o objetivo principal é sair por aí matando zumbis, claro que tem toda uma história por trás disso, mas o mais importante num jogo é a matança. O game foi lançado em 1996 para Playstation 1, e quase anualmente lançam um Remake para plataformas mais avançadas (ok, o quase anualmente foi exagero).

O game era uma mistura de Sweet Home e Alone in The Dark com os filmes de zumbi do George Homero, e foi essa mistura que inspirou diversas outras séries. O jogo não continha referencias tão óbvias a filmes de terror como o Splatterhouse, mas é quase um jogo de filmes do Homero. Pois apresenta os mortos vivos do jeito que o diretor criou, caras brancos sedentos por sangue que morrem com um tiro na cabeça. Dentre todas as séries que o jogo inspirou devemos destacar uma em particular: Silent Hill.

Silent Hill é ao contrario do que parece ser ao olhar a capa, um excelente jogo, talvez até melhor que Resident Evil (a opinião difere diacordo com o jogador). Ao contrário do jogo de zumbis, Silent Hill não disponibiliza ao jogador um agente secreto fortão e armado até os dentes, mas sim uma pessoa normal. O que torna jogo bem mais assustador, pois você se sente incapacitado e inofensivo, o que é realmente verdade.

Além disso o jogo tem diversas referencias a famosos filmes de terror e a cultura pop em geral. Por exemplo ao passar pelos arredores de Silent Hill podemos ver uma parede escrito REDRUM, o motel de Norman Bates, personagens de Alice no País das Maravilhas, um shopping com a loja Vestal Gigastore (referência a loja Virgin Megastore), e chaves de portas com nome de personagens de O Mágico de Oz entre outros...

Estes jogos são escenciais para quem quer sentir aqueles sustos falsos via video game, e se eu esqueci de outro título importante não tenham medo de me avisar (já que eu não sou um expert em games). Espero que tenhão gostado do post, e na próxima semana vamos falar sobre LENDAS URBANAS. Pois quem aqui nunca se assustou com a loira do banheiro? E advertência para os pais, não comprem o boneco da Xuxa ou do Fofão para o seu filho. Pois de acordo com as lendas urbanas, eles são possuídos pelo demónio e mais cedo ou mais tarde seu filho vai encontrar um punhal dentro do brinquedo.

That's all folks!

Remakizar ou não Remakizar? Eis a questão.

2010-03-07T22:44:00.000-03:00

Estou de volta! Sabia que vocês estavam sentindo minhas saudade! Hoje vou falar sobre um assunto que todo o dia choca milhares e milhares de pessoas (isso é uma pura mentira mas tudo bem): os Remakes de filmes de terror. Seriam eles realmente necessários, ou são feitos apenas para ganhar dinheiro? Descubra isto agora, lendo este artigo. E pelo amor de deus, isso aqui parece introdução de programa da Globo.

Alguns julgam os Remakes como uma homenagem á filmes clássicos que jamais serão esquecidos, mas outras pessoas dizem que são feitos para ganhar dinheiro em cima de uma coisa nada original. Ambos estão certos, apesar de serem opiniões completamente diferentes, os remakes são feitos de diversas maneiras. Tanto como uma homenagem ou até como uma obra feita só por dinheiro.

Não se tem registro de qual foi o primeiro Remake, mas a moda começou nos anos noventa, apesar de que antes já haviam sido feitos montes e montes de remakes (a maioria com uma excelente qualidade, sendo grande parte deles superiores ao filme original). De acordo com os produtores, um remake tem a função de expandir o conteúdo do filme original, e torná-lo "melhor". Isto é, pelo menos em filmes de terror, melhorar os efeitos especiais.

A moda ganhou força mesmo no final dos anos 90, quando os próprios diretores dos filmes originais decidiram relançar seus filmes com melhores efeitos especiais e cenas inéditas. Grande exemplo disso é o relançamento de O Exorcista em 2000, com adições de melhores efeitos especiais e cenas inéditas, William Friedkin consegue fazer o Exorcista melhor do que o filme original. Há também o Satar Wars de George Lucas, relançamento da trilogia clássica recheado de cenas extras.

Embora estes filmes não possam ser exatamente considerados remakes, após eles foram anunciados milhares de filmes do tipo, e rapidamente diretores nada conhecidos conseguem muito dinheiro lançando porcarias colossais que mais são cópias de outros filmes do que uma história original. Suceso de público e crítica certo? Não, os filmes apenas conseguiam dinheiro, mas eram odiados por tudo e todos. E ainda mereciam isso! Os novos filmes resultavam em produções fracas ou medianas, e pouquíssimos conseguiam ser tão bons quanto o original e menos ainda o superavam.

Foi uma surpresa ao público quando o remake de 2003 de O Massácre da Serra Elétrica, chegou a ser tão bom quanto o original (mas não melhor). Depois deste veio a versão americana do terror japonês Ringu, que foi também um bom filme, mas muito ínferior ao original. Outros Remakes que podem também também ser citados como tão bom (ou quase) como o original é o Sexta Feira 13 de 2009, A Última Casa a Esquerda, O Lobisomen (deste ano) e etc...

Coclusão: Quando um filme não é tão bom assim, ou tem uns efeitos especiais realmente simplórios, é até que nescessário refaze-lo. Mas se o filme já estava bom originalmente, para que fazer uma coisa que já foi feita corretamente?

PS: Essa conclusão não vale para grandes diretores, se o diretor em questão tem uma mente brilhante deixe que ele faça o que quiser, que nós sabemos que não vai sair nada ruím.

Os Próximos Remakes

Parece que a moda dos Remakes esta (graças a Deus!) perdendo a força, é só comparar com as quantidades de Remakes do ano de 2003 até 2009, e veremos que os diretores finalmente tomaram vergonha na cara. Enquanto a algum tempo atrás tinhamos remake de práticamente todo filme sem efeitos especias espetaculares, citando principalmente O Massacre da Serra Elétrica, O Chamado, Água Negra, Um Estranho a Minha Porta, A Última Casa a Esquerda, Halloween, A Noite dos Mortos Vivos 3D (ilme realmente lamentável), Sexta Feira 13 entre outras produçoes medianas.

Com o começo de 2010 só tivemos o remake de Lobisomen, que foi feito de forma magnífica e com um ótimo elenco e mais nenhum outro. Temos previstos mais alguns filmes, não é uma lista grande, mas também não é pouca coisa. Vamos ter a segunda parte do remake de Sexta Feira 13, remake de A Hora do Pesadelo, um novo Poltergeist, O Brinquedo Assassino e eu acho que é só. Hmm, menos do que eu imaginava! Se vocês souberem de previsões de mais algum remake de filmes de terror postem nos comentários. E lembrem se, estou falando exclusivamente de filmes de terror, não só por causa que meu Blog é sobre o gênero mas porque o problema é com ele. Em compensação os Remakes de filmes de ficção cíentifica e ação na maioria das vezes estão ok.

A propósito, não esquecem de visitar meu Blog sobre música The Fliying Eyes Music Blog (para entrar é só clicar no nome do site), em parceria com a 60 Ton Angel.

Peter Jackson - Biografia

2010-02-28T20:38:00.000-03:00

Muitos diretores tem o "privilêgio" de não ganhar porcária nenhuma de Oscar por filmes de terror, e por isso vão tentar outros gêneros. Peter Jackson é um desses caras. Você pode me dizer que ele fez Senhor dos Anéis pois amava o livro des de pequeno, e isso pode até ser verdade. Mas que tinha grana e sucesso envolvido tem de se admitir. Afinal não é de uma hora pra outra que um elogiadíssimo diretor de terror, decide fazer filme épico de ação.

Ah claro, antes que vocês leitores começem a apedrejar e falar mal de meu blog. Fiquem sabendo que tudo que vocês leram é uma farsa! É óbvio que eu adoro o Sr. Jackson, todos idolatram ele. Praticamente todos seus filmes são bons, des de os mais Trashes como o terror Fome Animal ou a cómedia Meet the Feebles (que quase ninguém aqui do brasil víu, mas só pelo seu perfil parece ser bem estilo baixo orçamento), até os seus épicos como o filme baseado em livro Senhor dos Anéis ou o remake do filme de monstros King Kong.

Jackson usa o perfecsionismo em suas obras, e tem um talento para a arte cinematográfica que chega até a dar medo. Se dedicando ao máximo aos seus filmes e obrigando a equipe de filmagem fazer esforço como pode se esperar um filme ruim vindo de sua mente? Dificilmente você vai encontrar alguém por aí que não goste do Peter Jackson. Se existir gente deste tipo, todas elas merecem ser mantidas em cativeiro e não podem ter o díreito de escrever um filme ou livro sobre ísso. Ok, estou só brincando. Gosto é uma coísa que não se discute, se lamenta.

Peter Jackson nasceu em uma pequena cidade costeira da Pukerua Bay, no ano de 1961 em pleno Halloween (31 de Outubro). Filho único de Bill e Joan Jackson, dois imigrântes inglêses que apresentaram a Jackson a arte do cinema, que mais tarde seria o ganha pão de Peter e a fonte de seu sucesso. Recebeu a boa educação da qual desfruta até hoje e aos oito anos ganhou sua primeira câmera cinematográfica de um amigo de seus pais, uma super 8mm e com ela Jackson teve o ínicio de sua paixão por direção.

Mas foi aos nove anos que Peter Jackson mudou sua comcepção do que era cinema, após ver o clássico de filmes de monstro King Kong de 1933, que se tornou seu filme favorito. O ainda garoto virou fã do filme e decidiu filmar um remake com tecnologia Stop-Motion (nota que ele não tinha nem 12 anos), mal sabia ele que anos depois filmaria uma releitura com efeitos especiais espetaculares do filme.

Desde que ganhou sua primeira câmera, Peter Jackson vivía produzindo filme com os amigos e mostrando o resultado final para seus pais. Foi nesta época em que Peter obteve sua marca registrada, os efeitos especias realistas feitos de maneiras símples. Como exemplo seu filme de segunda guerra feito na adolescência, em que simulou os tiros das balas de fogo fazendo pequenos buracos na parede, dando a impressão de que aquelas arminhas de brinquedo realmente faziam buraco nas coisas.

Peter começou uma carreira mais lucrativa e promissora quando se programou com seus amigos um pequeno curta de terror com mais ou menos dez mínutos, chamado Bad Taste, em que levaram quatro anos para terminar. Mas para surpresa da equipe de filmagem o filme acabou por ter 90 mínutos de duração e foi levado até o famoso festival de Cannes, onde acabou acabou recebendo muitos elogíos da crítica, além do direito de distribuição do filme para doze países, transformando Jackson em um diretor profissional.

Jackson acabou fazendo parceria com Richard Taylor, e acabaram por produzir dois filmes. Meet the Fables (injustamente inédito no Brasil) e o clássico trash Fome Animal(1992), sendo os dois muito malhados pela crítica, mas obtivendo sucesso com o público. Após isto, trabalhou com Fran Walsh (sua esposa) no filme Almas Gêmeas (1994), que encantou Hollywood. O filme foi sucesso de público e crítica, e acabou por receber indicação no Oscar de melhor roteiro original.

Aqui Jackson conseguiu certo respeito de Hollywood, e acabou por lançar o terror Os Espíritos em 1996, estrelando Michael J. Fox. No mesmo ano Jackson também lançou o nada falado Forgotten Silver, um documentário falso bastante alternativo. Infelizmente Espíritos não fez o sucesso esperado, e a Universal engavetou o Remake de King Kong e díminuiu suas apostas em Jackson. Mas o diretor pouco se importou já que foi nesta época que ganhou seu dois filhos: Billy e Katie.

Mesmo não tendo mais apoio da Univesal, Jackson consegui se virar e começou a trabalhar na Miramax, onde conseguiu permissão para adaptar ao cinema seus livros favoritos: a trilogia Senhor dos Anéis de J.R.R Tolkien. Mas acabou por tentar procurar uma impresa melhor, pois a Miramax mandou Peter resumir todos os livros num só filme. Então o diretor conseguiu um contrato com a New Line, e fez a trilogia que acabou sendo considerado um épico dos filmes de ação e rendeu uma grana preta (má idéia Miramax, má idéia).

A Universal viu que errou, e chamou Jackson para realizar seu sonho, fazer um Remake de King Kong. O filme foi um sucesso, e sua versão em DVD acabou se tornando a mais lúcrativa da Universal. Só para se ter uma idéia, o DVD rendeu mais de 550 milhões de dólares no mundo todo.

Com esse respeitoso curriculo, Jackson passou a ser considerado um dos melhores diretores atuais, e é convidado para diversos filmes. Sua obra mais recente foi a adptação do livro Uma Vida Interrompida: Memórias de um Anjo Assassinado (em inglês Lovely Bones), que recebeu o título de Um Olhar do Paraíso e foi lançado em 2009. E no fúturo ainda lançara dois filmes da saga Senhor dos Anéis: o Hobbit 1 e o Hobbit 2, baseado no livro de 1937 O Hobbit, que mostra fatos anteriores a Senhor dos Anéis.

E não para por aqui! Jackson ainda foi produtor do filme de Oscar Distrito 9, e de mais uma tonelada de filmes, alguns conhecidos e outros nem tanto. E tem como seu futuro projeto, uma adaptação do jogo Halo, um dos seus games favoritos, previsto para 2012. Além diso, tem contrato para produzir quatro filmes baseado no personagem de histórias em quadrinhos Tintin, sendo o primeiro filme previsto para 2011.

Filmografia

2012: O Hobbit 2 (The Hobbit 2)
2012: Halo
2012: Dambusters
2011: O Hobbit (The Hobbit)
2011: The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn
2009: Um Olhar do Paraíso (The Lovely Bones)
2009: Eric Clapton and Steve Winwood: Live from Madison Square Garden
2009: Distrito 9 (District 9)
2005: King Kong (King Kong)
2003: The Long and Short of It
2003: O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei (Lord of the Rings - The Return of the King, The)
2002: O Senhor dos Anéis - As Duas Torres (Lord of the Rings - The Two Towers, The)
2001: O Senhor dos Anéis - A Sociedade do Anel (Lord of the Rings - The Fellowship of the Ring, The)
2000: God's Army
1996: Forgotten Silver
1996: Os Espíritos (Frighteners, The)
1995: Jack Brown, Genius
1995: Genie from Down Under
1994: Almas gêmeas (Heavenly creatures)
1992: Fome animal (Braindead)
1989: Meet the Feebles
1987: Trash - Náusea total (Bad taste)

Festim Diabólico - Crítica

2010-02-21T13:02:00.000-03:00

Todos conhecemos algum filme de Hitchcock. Mesmo só tendo ouvido falar nele. Pode ser Psicose ou Passáros ambos são clássicos que todo mundo ouviu falar. Mas será que Hitchcock só faz filmes famosos? A resposta é um grande e definitivo NÃO. Alguém aqui já ouviu falar em Número 13, Juno and the Paycock ou Mary. Provavelmente que não.

Mas então, Festim Diabólico é um filme popular ou desconhecido? Até algum tempo atrás era um filme com acesso praticamente ímpossivel, pois Hitchcock havia recomprado os seus direitos, junto a três outros de seus filmes, para deixá-los como herânça para sua filha. Entre eles O Homem que Sabia Demais, Um Corpo que Cai e o Terceiro Tiro. Ambos filmes magníficos e ímperdiveis.

Taís filmes ficaram conhecidos por quarenta anos, como os filmes perdidos de Alfred Hitchcock. Mas como nada é pra sempre (menos a morte, ela é para sempre), em 1984, quarenta anos após seu primeiro lançamento o filme foi relançado em formato VHS. E recentemente, foi lançado em DVD, na magnífica Coleção Hitchcock.

Ok, agora vamos a parte que eu faço questão de dizer, que é mais ímportante. A ínevitavel história. O elemento chave de qualquer filme. Festim Diabólico já começa de forma promissora e empolgante, com o diabólico assassínato de David, pelos seus colegas de classe Brandon e Phillip. Brandon acreditava que ele e seu amigo (Phillip) eram seres súperiores a David, portanto tinham o direito de matá lo. Porém Phillip não achava isso uma boa idéia, e pensava que isso só iria causar problemas. Mas como foi seu amiguinho que bolou o plano, ele aceitou ajuda-lo, com o objetivo de conquista lo. Calma! O filme não é tão polêmico assim! Não é este tipo de conquista! Phillip queria que seu amigo o idolatrasse, mais do que ele já o ídolatrava antes, dizendo que Phill era um ser superior.

Então Brandon tem a ousada idéia de dar uma festa, e fazer a janta com todos os convidados bem em cima do baú onde o corpo de David foi escondido. E o pior de tudo, o jovem ainda tem a cara de pau de convidar a namorada de assassinado pra festa. Com está história pra lá de macábra, como o filme pode ter ficado impopular por todo este tempo? Sorte nossa, fãs de filmes de terror, a filha de Hitchcock liberou o filme a mídia quarenta nos depois. Se não nós seriamos incapazes de ver esta obra de arte. Até hoje fico pensando: como séries tão ruins e caça-níqueis conseguem fazer mais sucesso que filmes tão bons quanto este?

De todos estes detalhes, sabe o que mais me dá medo no filme? Que tudo isso, é baseado em algo real. Claro que alguns fatos foram distorcidos ou mudados, mas no mais a história é real. Des do assassínato, até a motivação do assassíno e até mesmo o prazer em que os garotos desfrutaram a cometer o ato criminoso. Com ísso, é possivel chegar a conclusão que as histórias mais assustadoras não são as criadas por Hollywood, mas sim as que acontecem na vida real.

Com todos estes pontos posítivos, como poderia dar a Festim Diabólico nota menor que nove? Então vaí uma magnífico nota 9,8! Pois o filme é ímperdivel, mas também não é perfeito.

Bom, agora que eu esclareci o quanto gostei do filme, vou usar os páragrafos finais para fazer propaganda de meus mais novos projetos. Pois o que seria do mundo, se não existisse o Marketing?

Primeiramente quero falar a vocês sobre o meu outro blog, em parcería com a 60-Ton-Angel. O blog fala sobre ao invés de filmes de Horror, como este O Diário de Um Estripador, ele é exclusivo para falar de músicas. Mais especificamente de Rock. O Blog ainda é novo, e só contem duas postagens. A prímeira de 60-Ton, a segunda minha. Entre já no http://theflyingeyes.blogspot.com/! E se você ligar agora, ainda ganha... Ops, agora estou fazendo propaganda estilo Polishop. Eu tenho que trabalhar com Marketing.

Para não ficar chato, vou fazer a próxima propaganda só no próximo post. Se you later guys!

Curiosidades sobre o filme
*Festim Diabólico é o prímeiro filme colorído de Alfred Hitchcock.
*O filme foi todo realizado em tomadas contínuas de quatro a dez minutos, sendo que o filme todo contém apenas oito cortes. Em sua edição, Hitchcock fez questão de fazer com que Festim Diabólico parece-se não ter nenhum corte.

King Kong Remake - Crítica

2010-02-17T23:33:00.000-02:00

Remakes. Qual a primeira coisa que vem a sua mente ao ouvir esta palavra? A reimaginação de um filme, geralmente feita por um diretor com uma mente brilhante? Ou a reaproveitação de uma história, com o objetivo de diretores fracos e sem criatividade lucrarem em cima de uma coisa que já foi feita? Pois é, hoje em dia é mais comum a segunda opção, mas isso não quer dizer que atualmente não existam bons remakes.

Desde o final dos anos 80 não se fazem mais Remakes como antigamente. É só comparar os Remakes de Scarface e de Museu de Cera com filmes como Halloween de Rob Zombie, que você entenderá do que estou falando. Mas então, King Kong se encaixa em qual dos dois tipos de Remakes? Olha, é só olhar o diretor do filme que você já saberá a resposta. Afinal, Peter Jackson é Peter Jackson. Sem tirar nem por.

Mas a principal questão do filme é: O remake é melhor que o original? Olha, é quase ímpossivel comparar os dois. Pois ao mesmo tempo que o King Kong original é um clássico dos filmes de monstro. O novo é um remake competente, emocionante e com efeitos especiais de primeira classe (coísa que á tempos atrás era ímpossivel de se fazer). Esclarecido esta dúvida, acho melhor falar do ponto, que eu faço questão de lembrar que é o mais importante: a história.

A sinopse deste remake é praticamente á mesma do fime original. O diretor e produtor de filmes da Universal Carl Denham, está a procura da atriz perfeita para o papel principal de seu próximo filme. Depois de algum tempo de procura, Carl acha o que procurava. Ann Darrow, uma linda e experiente atriz de comédia á beira da falência. No começo, Ann recusa o papel, alegando que não conseguiria fazer um bom filme de drama. Mas ao saber que seu roteirista favorito, Jack Driscol está envolvido no roteiro do filme, aceita o papel.

A equipe de filmagem, vaí filmar á bórdo de um návio barato e mixuruca, devido aos problemas financeiros de Carl (já que a Universal não deu dinheiro suficiente para o orçamento do filme). Mas os mebros do filme mal sabem que o real objetivo de Denham, é gravar o filme em uma ilha perdida jamais pisada pelo homem moderno. A fantástica e prímitiva Ílha da Caveira, a mesma do filme original. Mas não se sabe que lá vive um bando de dinnossauros, e é claro, o macaco gigante Kong.

"Ok, pra mim é tudo cópia do filme original!", diria um algum cara qualquer, que está lendo este post neste mesmo momento. Então eu respondo: meu caro leitor você esta parcialmente certo, mas mesmo assim o filme continua tendo muitas diferenças quanto ao original. "Ué? Mas que diferenças são essas?", retruca novamente o mesmo cara qualquer. Então eu respondo: os efeitos especiais, caro cara qualquer! Então o cara qualquer retruca novamente (mas ele não cansa de retrucar!): "Mas então esse filme deve ser uma porcaria! Afinal, um filme não é sustentado só por efeitos especiais." Bom, acontece que este remake não é sustentado só por efeitos especiais, mas tais efeitos deixam o filme um tanto melhor. Com cenas de ação melhores, uma ílha mais bonita e um macaco mais convincente. Além disso certos filmes não funcionariam com poucos efeitos especiais, King Kong funcionou á alguns anos atrás, mas sem as sem as cenas de luta deste Remake.

É claro que as qualificações de King Kong, não são só os efeitos especiais. Mas o filme também é bem filmado, e tem sua história bem feita. Além de um roteiro muito bem escrito, não só chupado do filme original (como é o caso do Remake de Psicose, em que até a posição das câmeras são iguais). Por isso King Kong de Peter Jackson, merece a boazinha nota 7,7. Por ser um filme fiel ao original, e que consegue divertir um bocado.

Crítica Dupla: Nosferatu e Gremlins

2010-02-11T19:28:00.000-02:00

Hoje vamos fazer algo completamente diferente. Uma crítica dupla, contendo dois filmes completamente diferentes, o clássico Nosferatu e o terror oitentista Gremlins. Mas por quê? Ora bolas, vocês ainda não perceberam? Estou fazendo um post duplo graças ao resultado de minha enquete anterior. Três votos para Nosferatu, e três para Gremlins. Vou começar pelo primeiro filme, Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens.

NOSFERATU (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, Alemanha, 1922, P&B, 94 min.)

Nosferatu, é bem o oposto de Gremlins. Enquanto o filme dos Gizmos é bem agitado, Nosferatu é tão parado quanto um ganso morto (não sei da onde eu tirei esta expressão). Mas nem por isso o filme é ruim. Na verdade Nosferau é um ótimo filme. Mas que não é do tipo de filme que todo mundo gosta. Nosferatu é um tanto alternativo.

Hoje em dia é díficil encontra alguém que goste de Nosferatu. Isso pelo filme além de ser alemão, é também mudo e preto e branco. Ou seja, nem todo mundo gosta.

Bom, vamos a uma das partes mais importante, a história. Nosferatu começa em 1838, o corretor de imóveis Hutler, tem de ir ao castelo de Dracu... Quer dizer, Nosferatu. Para oferecer ao bizarro Conde Orlock um castelo na Alemanha. O vampiro com esperança de achar mais pescoçinhos no país, compra o terreno. E não é que Orlock estava certo? Na Alemanha se encontra muito mais pescoços do que em sua moradia anterior. Ao chegar lá, Nosferatu faz um grande espetáculo de sangue e violência. E a única esperança da Alemanha é Ellen, mulher na qual o vampiro se apaixona.

Semelhanças com Dracula? Por isso Nosferatu foi processado por direitos autorais, além de ser ordenado que quimem as cópias do filme pela justiça. Sorte que a esposa de Bram Stroke, guardou as poucas cópias que ainda restavam do filme. Se não provavelmente, o mundo inteiro iria ser proibido de ver tal filme.

Nosferatu em uma escala de 1 a 10, merece a gloriósa nota 9,5. Por ser um clássico maravilhoso, mas que eu esqueci de botar na lista dos 10 filmes que você tem que ver antes de morrer. Sem mais enrolação, vamos ao próximo da lista.

GREMLINS (Gremlins, EUA, 1984,cor, 106 min.)

Gremlins é junto a Nosferatu, mais um filme que quase entrou na minha lista dos 10 filmes de terror que você tem que ver antes de morrer. Só que diferente de Nosferatu, Gremlins é algo muito menos alternativo, e muito mais voltado para o público geral. Com doses equilibradas de humor negro e violência exagerada, Gremlins consegue ser um dos mais divertidos filmes de terror dos anos 80. Lembre-se, eu disse um dos mais divertidos, não um dos melhores. Apesar de ser um ótimo filme, Gremlins não pode nem ser comparado com outras pérolas oitentistas, tais como O Iluminado e Halloween 2.

Gremlins, para quem não sabe. É baseado em uma lenda de guerra, criada por aviadores na época da Segunda Guerra Mundial. Reza a lenda que os Gremlins bebiam combustível, e que subiam nos aviões militares americanos quando os pilotos novatos aterrisavam. Assim causando danos técnicos nos aviões americanos. Claro que era tudo mentira como toda a lenda, e que na verdade eram fungos que cresciam no combustível e entupiam o motor.

Sabendo isso, acho que posso introduzir a vocês meus leitores, a história do filme. Em pleno Natal, a melhor época do ano, o inventor Rand Peltzer tem a missão de dar o presente perfeito a seu filho único. Com uma preço maxímo determinado, é claro. O inventor tem a idéia de procurar em uma loja baratinha de Chinatown. E não é que ele encontra o que procurava? Um gracioso animal chinês com o nome de Mogwai. Mas o velho dono da loja não quer vender o bicho de jeito nenhum, alegando que tem que se ter muita responsabilidade para cuidar de um indivíduo como esse. Porém o neto do velho com outras intenções, vende o animal por 200 dólares, com objetivo de se sustentar melhor. O garoto dá três símples regras para cuidar do animal, primeiro: nunca colocá-lo diante de uma luz muito forte, principalmente da luz solar, segundo: não molhá-lo e a terceira e mais importante regra, não de comida após á meia-noite.

O inventor dá o animal a seu filho, agradando o um bocado. Porém, pra render um filme bom, o garoto acaba descomprindo as regras. E acidentalmente o lindo Mogwai, se multiplica em vários Mogwais do mal, com apenas um propósito de vida, matar e destruir. Então cabe a Billy (o filho do mecânico), salvar Nova York dos malditos Mogwais.

Gremlins, em uma escala de 1 a 10, merece a ótima nota 8,7. Por ser um filme que além de mácabro, é divertido e consegue assustar em algumas partes (não a mim, mas a pessoas que levam susto mais facilmente).

Pelo que eu me lembre, não tenho mais nada á falar. Então por hoje é só pessoal. Nos vemos no próximo post!

5 coisas que Crepúsculo precisa melhorar para ser considerado um filme (e livro) bom

2010-02-04T20:32:00.001-02:00

E agora, vamos tratar de um tema polêmico, Crepúsculo. Filme que tem tanto uma legião de dar inveja de fãs, quanto um grupo gigante de pessoas que odeiam do fundo do coração o filme (e livro). Eu não faço parte nem de um grupo, nem de outro. Apenas acho que Twilight não é um filme (e livro) tão bom como certas pessoas acham. Mas acho que com um pouco mais de criatividade e esforço, Crepúsculo se tornaria um bom (ou até mesmo ótimo) filme. E então neste post vou listar 5 coisas que Crepúsculo tem de melhorar. No more encheção de linguiçã, vamos logo para a lista!

1ª COISA: Menos espaço pro amor, e mais para ação

Ok, nada contra o amor. É uma boa emoção. E no cinema, se bem retratado pode gerar ganhadores de Oscar (Titanic é um bom exemplo). E esta emoção pode ser bem aproveitada em filmes de vampiro, principalmente se for feito em uma forma elegente como no primeiro filme do Dracula. Mas acontece que Crepúsculo apela para o amor mais estilo Teen, ou seja, chato e com personagens tendo problemas com os pais. E até que isso é aceitavel, já que Crepúsculo é abitado em uma escola.

Ok, mas então por que fazer o ponto central do filme ser o amor? Se o amor chato é inevitável em filmes com adolescentes, por que não botar mais ação no lugar do amor. Crepúsculo se tornaria 10 vezes mais empolgante, e atingiria o patamar da ação.

2ª COISA: Mais suspense

O suspense, uma emoção um tanto complexa. Não tanto como o amor, mas mesmo assim complexa. Até hoje é dificil saber por que o ser humano paga um ingresso de cinema, apenas para sentir medo. Coisa que os animais evitam ao máximo, e muito menos sentem prazer em senti-lo.

Suspense pode ser retratado de varias formas, principalmente o cinema. Apesar de algumas pessoas não gostar desta sensação, todas admitem que vampíros+suspense é uma combinação que dá mais que certo. Apesar de afastar uma parte do público de Crepúsculo (pois certas mães não deixam que seus filhos pequenos vejam certos tipos de filme), o livro (e o filme) se tornária um tanto melhor (se o suspense fosse bem feito).

3ª COISA: Mais sangue

Ok, qual a primeira coisa que vem a cabeça quando falam de vampirismo? Amor teen? Vapirinhos fofinhos no colegial? É claro que não Dumbass (a menos que você seja fã assumido de Crepúsculo)! A coisa que vampirismo mais lembra é o sangue. Litros e litros de sangue. Quase como um filme Trash dos anos 80.

É até difícil pensar em um filme de vampiro sem sangue. Tá certo que Crepúsculo tem um pouco de sangue, mas em uma quantidade muita mais econômica que maior parte dos filmes de vampiro. Tá certo que o primeiro Dracula não tem muito sangue, mas tem todo o resto do que um filme de vampiro precisa. E também, na época que Dracula foi lançado (década de 30) filmes com uma grande quantidade de liquído preto (já que na época eram filmes preto e branco) eram censurados e clássificados com a censura NC-19 (apenas maiores de 19 podem fazer menção de assistir este filme).

4ª COISA: Roteiro bom e bem filmado

Coisa inevitável em qualquer tipo de filme, desde drama á comédia. É o roteiro, e a filmagem. Mesmo que o filme tenha atores incríveis, se a filmagem e o roteiro forem ruins, o filme é ruim. Porém precisa-se de talento para criar uma boa fotográfia, e precisa de muita criatividade para criar um roteiro bom.

Com uma boa história, Crepúsculo renderia um livro bom. E com um bom roteiro baseado numa boa história, e uma boa filmagem, Crepúsculo renderia um filme muito bom. Mais ainda falta uma coisinha para Twiligth ser realmente bom. E isto é...

5ª COISA: Personagens legais e que não enchem o seu saco (como o Edward faz)

Um filme necessita de bons personagens para se manter bom até o fínal. Coisa que nem de longe Crepúsculo tem. E não vai me dizer que o Edward é Cool que nem o Dracula, por que ele não é nem de longe. Vampiro cool mesmo é o Conde Graf Orlock (Nosferatu), e o Dracula. Não os vampiros babacas de Crepúsculo.

Nunca ví personagem que me enche tanto o saco como o Edward, ou como Carlisle Cullen. E melhor nem me lembrar da Bella! Como essa mulher mulher consegue ser tão chata? Pensei eu ao ver Crepúsculo no cinema.

Isso são coisas essenciais para que Crepúsculo seja considerado, pelo menos por mim. Um filme (e livro) ao menos bonzinho.

E por hoje é só pessoal! Não se esqueçam de votar na nova enquete para decidir o post da semâna que vem!

10 fillmes de terror que você tem que ver antes de morrer (Parte 2)

2010-01-28T00:12:00.001-02:00

Here we go again! Lets rock!

Viu que legal? Agora estou usando um tipo de introdução diferente para cada postagem. Desta vez sem enrolação, vamos a continuação do post anterior. E lembrem-se, como no post anterior estavam os clássicos imperfeitos do Horror. Nesta postagem vou introduzir clássicos perfeitos, que você tem que se assustar antes de morrer. E novamente, a lista não tem uma ordem correta, eu boto cada filme no lugar que me der na telha.

JOGOS MORTAIS (Saw, EUA, 2004, cor, 102 min.)

Por anos o cinema do Horror vem nos trazendo clássicos. Se você for pensar toda década tem tanto um clássico quanto um filme de uma franquia lucrativa. Mas se você for pensar, qual seria o filme clássico e a franquia lucrativa desta década? Seria Atividade Paranormal? Ou seria Premonição? É claro que não Dumbass! Óbvio que tanto a franquia lucrativa quanto o filme clássico deste ano é Jogos Mortais. Filme que com certeza, daqui a alguns anos vai ser considerado um clássico dos filmes de Serial Killers. Apesar do "assassino" do filme não necessariamente matar, mas sim propor um jogo mortal á sua vítima (como o nome do filme ja sugere).

Quer mais razões para ver o filme? Então leia este post. E que mánia que eu tenho de botar posters francêses no meu blog?!

OS TRINTA E NOVE DEGRAUS (The 39 Steps, RU, 1935, P&B, 86 min.)

Agora, vamos ao cenário de Horror dos anos trinta. Quando os filmes de suspense perdiam o destaque para os filmes de monstro da Universal, na época assustadoramente populares e lucrativos. O público estava aguardando mais um filme de Dracula ou Frankenstein, quando foi surprendido pela obra de arte de Hitchcock Os Trinta e Nove Degraus. Filme que mostrou mais uma vez que, filme de terror não precisa de monstros para ser bom. Mal sabia Hitchcock que anos após sua morte, ele continuaria sendo cultuado por milhares de fãs de filmes de Horror.

A BRUXA DE BLAIR (The Blair Witch Project, EUA, 1999, cor, 86 min.)

Nunca gostei muito de filmes de terror com bruxas. Não sei por que, mas não simpatizo muito com velinhas malucas botando sangue de virgem em um caldeirão para fazer feitiços. Apenas não vejo graça nisso. Porém teve um filme de bruxa que realmente me surprendeu. E tal filme só poderia ser A Bruxa de Blair. Um dos poucos filme de terror que consegue me assustar.

E além de tudo isso Blair Witch Project, criou uma técnica de filmagem que influenciou diversos filmes da década de 2000. Tais como Rec e o mais recente Atividade Paranormal. Acho que com todos estes filmes é possivel perceber que técnica estou falando. Se você ainda não sabe sobre o que diabos estou falando, trate de pesquisar mais sobre filmes de Horror.

PSICOSE (Psycho, EUA, 1960, P&B, 109 min.)

Agora, mais um filme de Hitchcock. Só que este, um tanto mais chocante, violento, maníaco e assustador que o filme anteriormente citado. É claro que eu só poderia estar falando de Psicose. Filme que praticamente criou o gênero de Slasher Movie, muito popular nos anos 80 graças ao filme Halloween. É impossivel não se assustar vendo Psicose. E olha que é dificil eu me assustar vendo filme de terror. Mas o mais chocante de toda essa história, é que o filme é baseado em fatos totalmente reais (apesar de distorcer alguns). Apenas Hitchcock, para fazer um filme com apenas duas mortes on-screen se tornar tão assustador.

Além disso, a atuação de Anthony Perkins como Norman Bates é realmente surprendente. Na verdade, tudo neste filme é surprendente. Sem tirar nem por. Psicose é simplesmente perfeito. Além do mais, Hitchcock é demais. Putz, pior que rimou!

O ILUMINADO (The Shining, EUA/RU, 1980, cor, 119 min.)

Na minha sincera opinião, os anos 80 foi um ano com filmes de terror fracos, e com continuações pra lá de caça níqueis. Salvo algumas raras exceções, é claro. E uma destas exceções é sem um pingo de dúvida, a obra de arte suprema de Stanley Kubrick, O Iluminado. O meu filme de terror favorito, junto ao clássico Psicose.

Do início ao fim, O Iluminado é repleto de tensão e suspense. E se isso não é coisa boa suficiente. O filme ainda conta com um magnífico roteiro baseado em um livro de Stephen King, o mestre do terror. As atuações do filme também são ímpossiveis de reclamar, Jack Nicholson como sempre está mostrando quão talentoso ele é. E aquela sua cara de louco ficou ótima no papel de Jack Torrance. A única coisa que deixou a desejar foi a atuação de Shelley Duvall, ela fez parecer que Jack casou com uma retardada. Nada contra a atriz, gosto batante dela. Mas toda atriz tem um lixo em sua carreira. Em compensação, o zelador, o filho do personagem príncipal e as irmãs gemêas foram muito bem interpretados.

Por hoje é só pessoal! Mais um artigo nesta mesma semana!